LA MÚSICA DEL BARROCO EN EUROPA Y AMÉRICA.

IGLESIA BARROCA DEL JESÚ. ROMA.

PASIÓN SEGUN SAN JUAN. DE BACH. PINCHE REPRODUCIR.

LA MÚSICA DEL BARROCO EN EUROPA Y AMÉRICA.

En la exposición del tema seguiremos el siguiente esquema:

 1.-Introducción.

2.-Características generales de la música del barroco.

3.-Formas musicales del barroco.

4.-Los instrumentos musicales en el barroco.

5.-Formas de la música religiosa en el Barroco.

6.-Principales autores y obras en Europa y América.

ÉXTASIS DE SANTA TERESA DE ÁVILA. ESPAÑA.BERNINI.

1.-INTRODUCCIÓN.

            El barroco desde el punto de vista musical comprende el siglo XVII y los comienzos del siglo XVIII,  hay que decir que el barroco musical se desarrolla en el  tiempo de una forma muy similar al llevado a cabo en otras artes como la arquitectura, la escultura, la pintura y a la vez con unas características comunes entre todas estas artes

            .    Entre las características generales del arte barroco están su sentido del movimiento, la energía y la tensión. El naturalismo es otra característica esencial del arte barroco; las figuras no se representan como algo sometido a un estereotipo o modelo sino de manera individualizada, con su personalidad propia.

            Los artistas buscaban la representación de los sentimientos interiores, las pasiones y los temperamentos, magníficamente reflejados en los rostros de sus personajes. La intensidad e inmediatez, el individualismo y el detalle del arte barroco hicieron de él uno de los estilos más arraigados del arte occidental.

            Es uno de los periodos más ricos, fértiles, creativos y revolucionarios de la historia de la música.

 ÓRGANO DE LA CATEDRAL DE TOLEDO.

2.-CARACTERÍSTICAS GENERALES DE LA MÚSICA DEL  BARROCO.

 Desde el punto de vista musical estas características aparecen tanto en las técnicas y cualidades de la música  predominantes en este periodo como en las nuevas formas musicales.

            Entre estas cualidades y técnicas musicales señalamos las siguientes:

            1.- El cromatismo palabra del  griego Khromatikos,  que indica la calidad de cromático, relativo a los colores. Este término literalmente significa «efecto del color», y es usado tanto en música como en pintura. En la música  cromatismo es la técnica que establece como necesario el uso de las notas intermedias de la escala, o semitonos El cromatismo afecta la melodía, y al introducirse en los acordes, da lugar a los llamados » alterados», importantes como efectos expresivos.

            ¿ Por qué se utiliza en música un término que etimológicamente es algo relativo a los colores? Porque en ambos casos tanto los colores como los sonidos tienen en su origen  relación las ondas bien visuales o bien auditivas.

            2.–La expresividad una cualidad  que   utilizó  el poder de los sonidos para suscitar emociones como un medio auxiliar del lenguaje para atrapar al oyente y transportarlo al estado emocional sugerido por el texto.

            3.-La intensidad de los sonidos que hace referencia a su fuerza o debilidad. La música del barroco utilizó la intensidad de los sonidos para crear fuertes contrastes de una forma similar como en pintura y arquitectura se intensificó el uso de las líneas curvas . La intensidad musical desde el punto de vista de la acústica la intensidad depende de la amplitud de las vibraciones.

            4.- El bajo continuo  es un sistema de acompañamiento a base de acordes, el compositor componía la voz del bajo y los intérpretes debían improvisar los acordes, el bajo continuo cumplía también la función de  marcar el ritmo a los distintos instrumentos  a los que acompañaba, generalmente una viola da gamba, un violonchelo, un contrabajo, fagot etc.

            5.-El bajo cifrado. Es el mismo que el bajo continuo pero conteniendo números para guiar a los intérpretes en los  acordes sobre los que debían improvisar.

PARTITURA DE BAJO CONTINUO CIFRADO.

 3.-FORMAS MUSICALES DEL BARROCO.

 En el periodo barroco aparecieron nuevas formas musicales  entre las mismas se encuentran las siguientes:

            1.-Opera. Es un género en el que conviven juntos el drama, la poesía, las artes escénicas, la danza y la música. La música interviene activamente en el desarrollo del argumento de la ópera describiendo los ambientes en los que se desarrolla el drama, fijando el carácter de cada uno de los personajes etc.

            2.-Oratorio. Es una forma musical que tiene algunas cosas comunes con la ópera, por ejemplo un texto  argumental de carácter narrativo en este sentido es también un drama  pero sin representación escénica, en la que intervienen voces solistas, coros, orquesta y órgano.

            3.-Cantata. La cantata es otra forma musical del barroco también en alguna medida emparentada con la opera y el oratorio, en el sentido de que la música estaba al servicio del argumento del texto, en ella participaban también solistas, coros, pequeñas áreas, solos de instrumentos.

            4.-Sonata.  Es una forma que se caracteriza por ser tripartita y bitemática, es decir, que se divide en tres partes, que generalmente son: la primera movida, la segunda lenta, y la última movida nuevamente. Y con respecto a que es bitemática, significa que se toma un motivo o idea principal que se va tratando a lo largo de la obra, intercalado con un motivo secundario.
Generalmente se la llama sonata cuando es una obra para uno o dos instrumentos como por ejemplo para piano,o para clarinete y piano.

            5.-Tocata. La tocata es una forma musical libre de carácter variable y pensada para ser ejecutada por un instrumento de teclado. Nació en Italia, hacia el final del S.XVI y  a través del siglo XVII fue adoptando diversas formas

            Puede constar de varios tiempos de carácter diverso, ya sea de movimiento vivo y llena de virtuosismo, como de movimiento lento y expresión suave y apasionada pudiendo terminar con una fuga. Compuesta así la Tocata, puede confundirse con la Sonata.

            6.-Fuga. La fuga se desarrolla en un solo movimiento. En esencia se basa en la técnica de la imitación. La fuga es una obra para varias voces (3-4), con una estructura compleja que básicamente consiste en la reaparición constante de un tema o melodía principal, llamado sujeto, acompañado de otros temas secundarios. Al final de la fuga las voces terminan juntas en un final común.

            7.-Suite. Es un conjunto de movimientos o piezas de danza agrupados. Generalmente suele estar compuesta de seis movimiento La música de las suites suele ser aristocrática, vigorosamente rítmica y melódicamente rica.

            8.- Concerto grosso. Un concierto  en general y en  esencia, consiste en una pieza en varios movimientos en la que uno o varios solistas dialogan con una orquesta (concertino y ripieno respectivamente). Cuando son varios los solistas,) el concierto se denomina concerto grosso. El número de movimientos que suele tener el concierto barroco es tres, según la rápido-lento-rápido.

            9.- Sinfonía., de ordinario dividida en cuatro movimientos, cada uno con un tiempo y estructura diferente. La forma de la sinfonía ha variado con el tiempo. En la sinfonía los instrumentos se agrupan por familias, como el viento, el metal, cuerda, percusión, la base instrumental de la sinfonía son los instrumentos de cuerda (violín, viola, violonchelo y contrabajo) en torno a ella se añadirán: flautas, oboes fagots, ocasionalmente trompetas, trombones y con el tiempo se unió a los instrumentos la voz humana tanto individual como coral  El tamaño de la orquesta necesaria para interpretar una sinfonía, en general, consta como  mínimo 80 instrumentos   pudiendo llegar, en muchos  casos, a los 100.

ORQUESTA SINFÓNICA BARROCA. MADRID. ESPAÑA.

 4.-LOS INSTRUMENTOS DEL BARROCO.

 En el Barroco se producirá un gran avance en  la música instrumental que se igualará en importancia a la música vocal. El gran impulso dado a la música instrumental fue debido al desarrollo técnico de los instrumentos, sobre todo del  violín, que se convertirá en protagonista de la orquesta por su agilidad, su volumen y posibilidades técnicas.

            Otros instrumentos también mejoraron como la flauta, el oboe, el clave, que se convertirá en uno de los instrumentos más populares, tanto en faceta solística, como en su papel de instrumento fundamental en la interpretación del bajo continuo. Otro de los instrumentos que alcanzaron un gran desarrollo fue el órgano,  fundamental en el campo de la música religiosa, tanto como solista como para el bajo continuo.

CORO BARROCO DE LA CATEDRAL DE SEVILLA. ESPAÑA.

5.-FORMAS DE LA MÚSICA RELIGIOSA EN EL BARROCO.

 La música religiosa en el barroco no fue ajena a las formas musicales profanas del barroco.

            Durante este periodo siguieron cultivándose la misa, el motete, los magnificats etc y en general la polifonía del periodo anterior. Refiriéndonos a la polifonía vocal encontramos que a ésta se unen grupos de cuatro o más coros hasta llegar al extremo de la composición de misas a 48 y 52 voces. (Agostino. Y Benéboli)

            Pero además, se cultivaron de forma especial las nuevas formas, entre ellas  el oratorio, la cantata y el oratorio centrado en la narración de la pasión del  Señor., la llamada Passio.

            Como dijimos anteriormente estas formas estuvieron emparentadas tanto en lo profano como en lo religioso con la opera en el sentido de que la música se incorporó como un elemento propio del drama, en el caso de la música religiosa con el drama o la narración de los misterios de la vida del Señor,  nacimiento, pasión resurrección, de la virgen y de los santos especialmente mártires, aunque con composiciones más sencillas y sin la utilización de las escenografías dentro de los templos.

            Estas formas musicales se pueden agrupar en tres diferentes: únicamente vocales, el solo acompañado de algunos instrumentos, y el estilo concertante de voces e instrumentos conjuntados.

            Con relación a la música religiosa  hemos de constatar que en el barroco se afianzó la división de la Iglesia con la aparición del protestantismo y la celebración del Concilio de Trento.

            La liturgia protestante utilizó desde sus comienzos la música como un elemento central de sus celebraciones, favoreciendo la participación del pueblo y la lengua vernácula para el canto.

            La música en las celebraciones litúrgicas católicas muestran el optimismo y gozo derivados de la fe  que se vio  afirmada y renovada  en el concilio de Trento, algo que se manifestó igualmente en todas las artes especialmente en la arquitectura, pintura y escultura.

ANTONIO VIVALDI. ITALIA.

6.-AUTORES Y OBRAS DE LA MÚSICA RELIGIOSA.EN EUROPA Y AMÉRICA.

1.-ITALIA.

            Giuseppe Torelli Verona, actual Italia, 1658-Bolonia, id., 1709) Compositor, violinista y pedagogo italiano. Del conjunto de su producción, eminentemente instrumental,  sobresalen 12 Concerti grossi con una pastorale per il Ss. Natale Op. 8 (1709).

            Claudio Monteverdi 1567-1643) es el primer gran compositor del Barroco que inauguró el nuevo género operístico en Italia y Europa.

            En 1613 Monteverdi fue nombrado maestro de coro y director de la catedral de San Marcos de Venecia, Desde ese momento compuso motetes, y misas. Para componer música religiosa Monteverdi utilizaba gran variedad de estilos que iban desde la polifonía de su Misa de 1610 a la música vocal operística de gran virtuosismo y las composiciones corales antifonales La obra Selva morale e spirituale, publicada en 1640, es un enorme compendio de música sacra donde vuelve a apreciarse toda la gama de estilos que utilizaba Monteverdi.

            Arcángelo Torrelli. (Fusignano, Italia, 1653 – Roma, 1713) C

Corelli fue el primer compositor que alcanzó la fama musical sin dedicarse a la música cantada. En 1681 publicó su primera colección de sonatas en forma de trío, destinadas a tocarse en iglesia, al igual que la tercera (1689). Su obra alcanza la madurez del estilo barroco italiano, con la culminación del concerto grosso y la composición de la forma sonata preclásica, que tan importante iba a ser a lo largo del siglo XVIII.

            Antonio Vivaldi. Compositor y violinista italiano, el más influyente de su época Nació el 4 de marzo de 1678 en Venecia, estudió con su padre, violinista en la catedral de San Marcos. Se ordenó sacerdote en 1703, lo llamaban il prete rosso (el cura pelirrojo), y comenzó a enseñar en el Ospedale della Pietá que era un conservatorio para niñas huérfanas. Falleció en esta ciudad el 28 de julio de 1741.

            Vivaldi escribió más de 500 conciertos y 70 sonatas, 45 óperas, música religiosa como el oratorio Juditha triumphans (1716), el Gloria en re (1708), misas y motetes. Su  música religiosa a menudo refleja el estilo operístico de la época y la alternancia de orquesta y solistas que ayudó a introducir en los conciertos.

            Tomaso Albinoni ( 1671-1751) Durante su vida obtuvo algún éxito aaunque con el paso del tiempo cayó en el olvido.

            En 1704 aparecieron sus seis  sonatas de iglesia para violín y violoncelo, y entre 1707 y 1722 escribió treinta y seis conciertos, que fueron recopilados en una sola edición. En ellos se adscribe a la tradición del concerto grosso que por los mismos años desarrolló Marcelo bajo la influencia de Corelli, combinando al mismo tiempo dicha tradición con las innovaciones expresivas de su también contemporáneo Antonio Vivaldi.

            Domenico Escarlati.1685-1757)  Hijo de Alessandro de Escarlatti a quien siguió durante su juventud como compositor de óperas , aunque  ocupa en la historia de la música una posición intermedia entre el gran estilo contrapuntístico barroco y el espíritu más sencillo y ligero del posterior período galante, sobre todo por sus más de quinientas sonatas para clave y música sacra. Murió en Madrid donde vino por motivos del matrimonio de Bárbara de Braganza a cuyo servicio estuvo en Portugal, con el príncipe heredero del trono español Fernando.

 JOANN. SEBASTIAN. BACH.

2.-ALEMANIA.

             Heinrich Schütz. (1585-1672). Dentro de la música alemana, ocupó en la historia musical de su tiempo un puesto similar al de Monteverdi. Marchó a Italia y allí llegó a conocer a fondo el estilo vocal italiano y se inició en la práctica de la policoralidad,

            Fue un músico compositor  especialmente de música religiosa  De su producción en este campo destacan los Salmos de David, publicados en 1619 y escritos según el modelo policoral establecido por su maestro Gabrieli, tres libros de Symphoniae sacrae (1629, 1647 y 1650), dos volúmenes de Pequeños conciertos espirituales (1636 y 1639) y, ya en los años finales de su vida, tres  Oratorios de Pasiones (1666).

            Dietrich Buxtehude ( 1637-1707) Fue uno de los organistas más célebres del barroco alemán, durante la mayor parte de su vida fue organista de la Iglesia de santa María de Lubeck, lo que hizo que su obra musical fue especialmente música religiosa .

            Con él la música religiosa luterana alcanzó un esplendor similar  a la polifonía de la música católica. La mayor parte de su obra es de carácter vocal, corales, cantatas y  también piezas para órgano que hicieron de él el mejor compositor luterano del siglo XVII.

            Johann Joseph Fux. (1660-1741) Compositor austriaco, estuvo en Italia donde se relacionó con autores polifónicos, fue maestro de la Iglesia de san Esteban, la mayor parte de su obra es de carácter religioso Escribió 25 obras para teclado, 63 sonatas a 3, 15 sonatas a 4, 15 sonatas de orquesta, 110 misas y fragmentos de misas, 64 vísperas y salmos, 24 letanías, 6 Te Deum, 200 composiciones religiosas menores, 15 oratorios y 21 óperas.

            La obra de Fux representa la cúspide del Barroco austríaco y le supuso, incluso en vida, una fama europea. Su estilo está marcado por un fuerte tradicionalismo (escritura polifónica) y al mismo tiempo ofrece rasgos más modernos (estilo napolitano).

            Johann Sebastian Bach ( 1680- 1750) Compositor alemán. Considerado por muchos como el más grande compositor de todos los tiempos, Johann Sebastian Bach nació en el seno de una dinastía de músicos e intérpretes que desempeñó un papel determinante en la música alemana durante cerca de dos siglos y cuya primera mención documentada se remonta a 1561. Hijo de Johann Ambrosius, trompetista de la corte de Eisenach y director de la música de dicha ciudad, la música rodeó a Johann Sebastian Bach desde el principio de sus días.

            Su   carrera  musical puede dividirse en varias etapas, según las ciudades en las que el músico ejerció: Arnstadt (1703-1707), Mühlhausen (1707-1708), Weimar (1708-1717), Köthen (1717-1723) y Leipzig (1723-1750).

            En las dos primeras poblaciones, sobre todo en Mühlhausen, sus proyectos chocaron con la oposición de ciertos estamentos de la ciudad y las propias condiciones locales, en Weimar encontró el medio adecuado para el desarrollo de su talento.         Nombrado organista de la corte ducal, Bach centró su labor en esta ciudad sobre todo en la composición de piezas para su instrumento músico: la mayor parte de sus corales, preludios, tocatas y fugas para órgano datan de este período, al que también pertenecen sus primeras cantatas de iglesia importantes.

            En 1717 Johann Sebastian fue nombrado maestro de capilla de la corte del príncipe Leopold de Anhalt, en Köthen, uno de los períodos más fértiles en la vida del compositor, durante el cual vieron la luz algunas de sus partituras más célebres, sobre todo en el campo de la música orquestal e instrumental: los dos conciertos para violín, los seis Conciertos de Brandemburgo, el primer libro de El clave bien temperado, las seis sonatas y partitas para violín solo y las seis suites para violoncelo solo.

            Durante los últimos veintisiete años de su vida fue Kantor de la iglesia de Santo Tomás de Leipzig, A esta etapa pertenecen sus obras corales más impresionantes, como sus dos Pasiones, la monumental Misa en si menor y el Oratorio de Navidad.

            .La música vocal de Bach, que ha llegado a nosotros son en total  482 completas. ^]224 cantatas, 10 misas, 7 motetes2 Pasiones completas, la de San Marcos, sólo existe el libreto, y  la de san Mateo ,la de San Lucas, es apócrifa) 3 oratorios. 188 corales.  4 lieders. 1 quodlibet. 58 cantos espirituales.

            En los últimos años de su existencia su producción musical descendió considerablemente debido a unas cataratas que lo dejaron prácticamente ciego.

 MONUMENTO A GEORG FRIEDRICH HËNDEL.

3.-INGLATERRA.

  John Blow ( 1649-1708) Compositor inglés. Fue organista de la capilla real y de la abadía de Westminster. Escribió numerosas obras, entre las que destacan canciones y piezas para clave. Es especialmente famosa su  Oda a la muerte de Henry Purcell. Compuso varios himnos siendo aún muy joven  como Lord, Thou host been our refuge («Señor, en ti está nuestro refugio»), Lord, rebuke me not («Señor no me reproches»), y el llamado «himno social», I will always give thanks («Siempre daré gracias»), Es autor a su vez de varias mísas.

            Henry Purcell ( 1659-1695)  Entró a formar parte del coro de la Capilla Real con apenas ocho años y tuvo por maestros a John Blow y Matthew Locke. En 1677 fue nombrado compositor de los violines del rey, y en 1679 sustituyó a Blow como organista de la abadía de Westminster. Compuso numerosas obras de carácter religioso, entre las que destacan algunos anthems Himnos y oficios como I was glad, in the midst of life (1682), ( Se  alegró, en medio de la vida) Morning and evening service (1682-1683) ( Oficio de la mañana y de la tarde)o Te Deum and jubilate (1694).( A ti Dios te alabamos  y alegraos) Destacables son así mismo las odas que dedicó a santa Cecilia, como  Welcome to all the pleasures  Bienvenidos a todos los placeres, (1683) o Hail bright Cecilia (1692) Aclamad a Cecilia brillante.

            Georg Friedrich Hëndel ( 1685-1759)
Compositor alemán naturalizado inglés. Contemporáneo de Johann Sebastian Bach –aunque muy diferentes en su estilo y aspiraciones.

            Haendel representa no sólo una de las cimas de la época barroca, sino también de la música de todos los tiempos. Músico prolífico como pocos, su cultivó todos los géneros de su época , en especial la ópera y el oratorio. La Resurrezione es un oratorio aue data de la época de su estancia en Italia.

            De nuevo en Inglaterra tuvo unos años de gran producción profana con la que adquirió una fama indiscutible, aunque posteriormente esta fama decaería por el año 1741 a partir de esos año se volcaría en la composición de oratorios  de ese mismo año es El Mesías, la obra que más fama le ha reportado. Con temas extraídos de la Biblia y textos en inglés, los oratorios  como Israel en Egipto, Sansón, Belshazzar, Judas Maccabeus, Solomon y Jephta… que constituyen la parte más original de toda la producción del compositor cuya fama ha llegado a nuestros días permaneciendo a pesar del paso del tiempo, de forma especial  en el Reino Unido.

 FRANCOIS DE COUPERIN.

4.-FRANCIA.

 Marc Antoine Charpentier ( 1640-1703) En sus comienzos y afincado en Italia sufrió la influencia de Giacomo Carissimi, vuelto a Francia se integraría en la obra teatral de Moliere, componiendo gran cantidad de música teatral,  mantuvo una fuerte pugna con Lully que le llevaría  desde 1698 hasta su muerte a ser  maestro de capilla de la Sainte-Chapelle. Charpentier realizó en su obra la síntesis de las tradiciones italiana y francesa, sobre todo en el ámbito de la música vocal sacra, a la que pertenece su célebre Te Deum. Además durante este tiempo compuso 4 Misereres,10 Magnificats,varios Himnos, y Misas, Oratorios, Salmos,Oficio de Tnieblas, Motetes etc.

            Francois Couperin. (1668-1733) Conocido por sus contemporáneos como el Grande, François Couperin es el más destacado representante de una dinastía de músicos galos cuyos orígenes se remontan al siglo XVI. Es al mismo tiempo, junto a Jean-Philippe Rameau, el más universal de los compositores del Barroco francés.

            Hijo del organista Charles Couperin, que fue así mismo su primer maestro, François accedió en 1685 al cargo de organista de Saint-Gervais de París, De 1701 a 1702 fue clavecinista de la corte de Luis XIV.

            Es autor de una valiosa producción vocal de carácter religioso de la que cabe destacar sus motetes y, sobre todo, sus Oficios de Tinieblas y  Dos Misas para órgano aunque su obra profana de carácter instrumental es lo más sobresaliente de toda su obra.

            Jean- Philippe Rameau (1683-1764) Inicialmente sobresalió como teórico musical, a la composión e interpretación llegaría más tarde sin embargo sobresalíó en casi todas las formas musicales siendo como se ha dicho anteriormente uno de los mejores representantes del barroco francés.

            Durante su vida Rameau estuvo bastante ligado a las instituciones religiosas, parroquias, conventos etc aunque su obra religiosa fue más bien escasa, algunos de sus motetes como Deus noster refugium, Quam dilecta, In convertendum, Laboravi, pueden competir con los mejores compositores de este género en el barroco.

 P. ANTONIO SOLER

5.-ESPAÑA.

Destacan Mateo Romero, . Fue cantor (desde 1594) y director (desde 1596) de la capilla real de Madrid. Se conservan diversas piezas religiosas y profanas; sin embargo, su obra más relevante es la Missa bonae voluntatis .

            Francisco Valls escribió Misa Aretiana llena de innovaciones armónicas. No obstante el Padre Fejioo habla de «una música artificiosa, ligera, superficial, y con abuso de las florituras».

            En la  música instrumental destacó el Padre Antonio Soler, (Olot, España, 1729-San Lorenzo de El Escorial, 1783) Fue  discípulo de Domenico Scarlatti.       Considerado el mejor compositor hispano del siglo XVIII, se formó como músico en el monasterio catalán de Montserrat, en el que ingresó como niño de coro cuando contaba siete años de edad.

            Miembro de la Orden de San Jerónimo del monasterio de San Lorenzo de El Escorial desde 1752, ese mismo año inició su relación con Domenico Scarlatti, de quien recibió lecciones hasta 1757. Su influencia es especialmente significativa en la serie de 120 sonatas para clave escritas por Soler, en las que éste adoptó el esquema formal bitemático del maestro italiano, pero añadiéndole elementos procedentes de la antigua tradición española para teclado.

            El padre Soler destacó así mismo en la composición de música vocal sacra y profana, con 9 misas y 132 villancicos entre otras obras.

            También el organista  Juan Cabanilles , (Algemesí, 1644-Valencia, 1712) Compositor y organista Fue discípulo de U. de Vargas, de T. Ortells y de J. de la Torre, a quien sucedió como organista de la catedral de Valencia (1665). Es autor de tientos, tocatas, pasacalles, diferencias y batallas.

 JOSÉ DE CAMPDERRÓS POR EL BARROCO INDIANO.

6.-AMÉRICA.

La música barroca  en la América latina  está ligada a los compositores europeos que emigraron a America Latina y a compositores nativos, indios o criollos. Entre ellos se encuentran Matías Durango, Juan de Araujo, Tomás de Torrejón y Velasco, Bartolomé Massa, José de Campderrós y Lobo de Mesquita.

            Juan de Araujo es un compositor de origen español aunque su obra musical se produjo en la América Hispana. En 1670 lo  encontramos como maestro de capilla en la catedral de Lima en el Perú. Tras unas salidas posiblemente a Panamá y Guatemala, se instaló en la capilla de la catedral de Guzco y en 1680 de la catedral de Sucre en Bolivia, donde se conservan sus obras tanto profanas como religiosas con un tal de 120, especialmente villancicos, Salve Regina.

            Tomás de Torrejón y Velasco. (Villarrobledo, 1644-Lima, 1728) Fue cantor de la catedral de Lima y escribió música religiosa especialmente villancicos en los que adquirió gran altura y la primera ópera americana: La púrpura de la rosa.

            José de Campderrós . ( 1747-1809) Nacido en Barcelona , pasó a Chile donde primero ejerció de comerciante, después hizo los votos religiosos como hermano lego de en la Orden de los Hermanos de la Buena Muerte, ganó posteriormente la plaza  de organista en la catedral de Santiago de Chile donde se conservan sus 85 obras conocidas, la mayor parte de carácter religioso 15 misas, himnos, salmos, oficios de difuntos. 

         

  DE LAS REDUCCIONES JESUÍTICAS DE AMÉRICA LATINA.   

LARGO DE HANDEL. PINCHE REPRODUCIR. 

 Terminamos este ligero repaso a la música barroca de las colonias de América con una referencia a la música de las Misiones Jesuíticas en Sudamérica  que permaneció perdida por más de 200  años desde 1767 hasta 1972 .

            Durante unos trabajos de restauración de las Reducciones Jesuíticas en Bolivia, en al año 1972, el arquitecto suizo y hermano jesuita Hans Roth descubrió más de cinco mil quinientas páginas de partituras de música barroca en las localidades de Santa Ana y San Rafael.  Hoy todas están guardadas en Concepción.

            Alrededor de 4 mil proceden de San Rafael y mil 500 de Santa Ana. Este hallazgo causó una conmoción en la historiografía musical de Bolivia, Paraguay y Argentina.

            No sorprende esta cantidad de obras ya que la música se tocaba todos los días y en cada una de las iglesias hubo entre 30 y 40 profesionales músicos. Las partituras en cuestión, dan testimonio de la rica cultura musical que los religiosos habían desarrollado, junto con los indígenas, durante el proceso de evangelización del nuevo continente.

  FESTIVAL DE MÚSICA BARROCA EN CHIQUITOS. BOLIVIA.    

Es importante destacar que entre los manuscritos hallados se encuentran composiciones de músicos indígenas, ya que éstos también aprendieron las técnicas de composición musical. Se trata de uno de los archivos más importantes de música. barroca a escala mundial, tanto que ha dado lugar a la creación de un festival bienal de música barroca en la provincia de Chiquitos en Bolivia.

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sanchoamigo.