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30 abril 2012 in 20.-La música religiosa del postmodernismo en Europa y América. | Tags: | Deja un comentario (Edit)

CADET CHAPEL DE NUEVA YORD.

LA MÚSICA RELIGIOSA  DEL POSTMODERNISMO  EN EUROPA Y AMÉRICA.

El título del tema nos sitúa en su contenido, aunque para ser del todo coherente con él, vamos a introducir algunas precisiones al mismo.

La primera precisión es que nos centraremos en la música religiosa clásica, lo que quiere decir que no hablaremos de otra categoría de la música religiosa como es la popular, esto es algo que venidos haciendo en todos los anteriores temas de la Historia de la música y fe cristiana, aunque en este tema   puede echarse de menos más que en los anteriores, porque  por causas diversas, que ahora obviamos, han hecho que la música religiosa popular haya tenido  una mayor importancia en el presente  que en el pasado.

La segunda precisión viene dada por el ámbito temporal al que nos circunscribiremos, en concreto a la segunda mitad del siglo XX, es cierto que, especialmente en la música profana durante este tiempo se desarrolló la música postmoderna, pero aunque hagamos referencia a este concepto no será el que principalmente nos guie sino el propiamente temporal: la música religiosa en la segunda parte del siglo XX, aunque  este tiempo sea tomado de una forma flexible de acuerdo con la cronología de cada compositor.

Tras estas precisiones anticipamos el  índice que vamos a seguir en el desarrollo del tema:

 1.- En torno al concepto de  cultura postmoderna en general.

2.- El concepto de música postmoderna en particular.

3.-La situación de la música religiosa en este tiempo.

4.-Autores y obras.

 CARPE DIEM.

1.-EN TORNO AL CONCEPTO DE CULTURA POSTMODERNA EN GENERAL.

En la  década  de los años 50 comenzó a utilizarse  el término postmodernismo en los más diversos ámbitos de la vida occidental,  y aunque el concepto  del término viene matizado por el contexto en el que es utilizado, podemos encontrar elementos comunes  en cualquiera de esos ámbitos.

En contraposición con la Modernidad, la posmodernidad es una  época que  está de vuelta de los ideales del modernismo. Se renuncia a las utopías y a la idea de progreso de conjunto. Se apuesta a la carrera por el progreso individual.

Se reconocen los límites de las ciencias modernas en cuanto a la generación de conocimiento verdadero, acumulativo y de validez universal. En cambio aumenta la valoración de la tecnología.

Se produce un cambio en el orden económico capitalista, pasando de una economía de producción hacia una economía del consumo.

Desaparece la ideología como forma de elección de los líderes siendo reemplazada por la imagen que dan esos líderes especialmente a través de los medios.

Los medios masivos se convierten en transmisores de la verdad, lo que se expresa en el hecho de que lo que no aparece por un medio de comunicación masiva, simplemente no existe para la sociedad.

Cuestionamiento de las grandes religiones.

Estos factores influyen de diversa forma en los individuos, unas positivas, como el respeto de la naturaleza, la valoración de la libertad, el respeto hacia la mujer,  la globalización y la apertura a otros mundos y culturas,  el desarrollo de las técnicas,.. otras  negativas, como el desencanto, el subjetivismo, individualismo, el pensamiento débil, la cultura del cuerpo, la pérdida del sentido trascendente de la vida etc.

 

MÚSICA MINIMALISTA.

2.- EL CONCEPTO DE MÚSICA POSTMODERNA EN PARTICULAR.

El arte posmoderno se caracteriza por su oposición al arte moderno se rechaza  la idea modernista del arte vanguardista que pretendía eliminar la distancia entre el arte y la vida. El artista postmoderno,  valora el arte por el arte sin pretender a través de él obtener ningún otro fin que  el valor que conlleva en sí mismo el arte.

En consecuencia los postmodernos no plantean ningún objetivo trasformador ni ético, ni social, sino únicamente interpretar la realidad que ven a su alrededor.

Este principio se manifiesta en el postmodernismo musical, por ejemplo en la llamada música aleatoria o  de azar basada en elementos sin ninguna técnica regulada por normas,  en la que aparece  la improvisación no sólo en la creación  por parte del autor sino también en la interpretación de la misma. Es el  llamado work in progresstrabajo en curso que constituye el máximo grado de azar en la ejecución de la pieza.

Otra de las formas  musicales del postmodernismo  es la incorporación del silencio en la partitura,  el “tacetdel verbo latino taceo que significa callar, indicando al intérprete que tiene que guardar  silencio durante cuatro minutos y treinta segundos , cuyo objetivo es la incorporación de los ruidos que escuchan los oyentes durante ese tiempo.

El minimalismo musical aparece en estos años del postmodernismo, el compositor Tom Johnson quien se autodenomina a sí mismo como  minimalista lo describe con estas palabras:

La idea de minimalismo es mucho más amplia de lo  que lo que la  mayoría de la gente piensa. Suele incluir, por definición, cualquier música que se  realiza con una pequeña, mínima, cantidad de recursos musicales: piezas que emplean una pequeña cantidad de notas o frases musicales, o piezas escritas con sólo una pequeña cantidad de instrumentos caseros o simples, tal y como timbales , ruedas de bicicleta o vasos de whiskey. Pueden ser piezas que sostienen ritmos básicos y repetitivos a lo largo del tiempo. Se puede incluir  en ella a la música producida por  el ruido que generan eventos naturales como por ejemplo las corrientes de los ríos, del viento etc . Piezas que tienen ritmos cíclicos sin final..”

El serialismo  es otra de las formas musicales del siglo XX  que supuso la ruptura  más honda de toda la historia de la música  debido fundamentalmente al rechazo de la tonalidad (Schönberg), hasta llegar al completo abandono del concepto tradicional de música (Cage), El concepto de la música dodecafónica y después serial  es en principio muy simple: ninguna nota posee superioridad tonal o armónica sobre otra, las doce notas son empleadas en las composiciones con idéntico valor.

Estas nuevas formas no alcanzaron el favor del gran  público y la prueba de ello es que pocos son los programas de conciertos que incluyen obras de estas características.

 

CANTANDO GOSPEL.

3.-LA SITUACIÓN DE LA MÚSICA RELIGIOSA EN ESTE TIEMPO.

 La presencia de la música clásica de carácter religioso en el siglo XX viene marcada por diversos acontecimientos a los que nos referimos brevemente, en primer lugar la publicación del Motu proprio “ Tra le sllectudini” del Papa Pío X en el año 1903  en el que prohibirá toda expresión musical  no acomodada a la  litúrgica, la música tiene que estar condicionada por el ámbito religioso, nada de música similar a la teatral u operística.

            En segundo término  desde hacía tiempo que  los ámbitos donde nace y se ejecuta principalmente la música, no eran  ni las capillas reales, ni las escuelas catedralicias, sino los conservatorios y los lugares para conciertos. Por otra parte la música clásica y su ejecución alcanzan unos costes y medios que no pueden ser generados de ninguna forma en las celebraciones litúrgicas.

            El siglo XX es el siglo de las dos guerras mundiales, del fascismo y del comunismo, de la URS,  de la expansión del comunismo de la guerra civil española, de las guerras cristeras… ninguno de estos acontecimientos fueron propicios para la creación musical religiosa.

            Pero el siglo XX es  en la Iglesia católica, el  siglo del Concilio Vaticano II, con una concepción de la Iglesia como el Pueblo de Dios, el de la Teología de la Liberación, el de la introducción de las lenguas vernáculas en la liturgia.

A partir de este momento tomarán relevancia dos hechos principalmente: el crecimiento de la música religiosa popular y el aumento de la importancia para la Iglesia de la participación activa del pueblo en la parte musical de la liturgia. Esto será el centro de los cambios en la música religiosa a lo largo del siglo XX.

VIA CRUCIS EN LA J.M.J. MADRID.

Como resultado de estos y otros factores se puede decir que en la actualidad la música religiosa clásica apenas se utiliza, tanto por su poco sentido a nivel pastoral como por una falta acuciante de medios y formación;  y si no se utiliza la ya existente menos aún se producirá una  nueva. De  una forma esporádica y para acontecimientos muy  especiales se sigue en la actualidad produciendo, pero  el porcentaje que en el siglo XX y especialmente en la segunda mitad del mismo alcanza esta producción  es mínimo si se compara con la profana.

De este mínimo porcentaje de la música clásica religiosa en la segunda mitad del siglo XX nos vamos a ocupar en el siguiente apartado.

 4.-AUTORES Y OBRAS.

Duruflé, Maurice Nació  en Louviers 1-11-1902-1-11; Muerte:16-6- 1986 en París

Compositor y organista, Duruflé ingresó a los diez años al coro de la escuela en Rouen. Sus experiencias cantando en la gran catedral le influyeron por el resto de su vida. En el Conservatorio de París estudia con Gigout y con Dukas (1920-28).

En 1930 es nombrado organista en St.Etienne-du-Mont y desde 1943 es miembro del cuerpo docente del Conservatorio. También apareció internacionalmente ofreciendo recitales.

La producción de Duruflé no fue numerosa. Sus seis obras para órgano a gran escala no fueron creadas para el uso litúrgico. Compuso otras piezas corales, tres danzas para orquesta (1932) y algunas partituras instrumentales.

El estilo de Duruflé muestra influencias modales, neoclásicas y gregorianas. Sus piezas se caracterizaron por una claridad formal unida a un contrapunto tradicional, pero la belleza radica sobretodo en la elocuencia de sus románticas armonías, relatamos sus obras de carácter religioso:

1.-Prélude, Adagio et Choral varié sur le Veni Creator, para órgano. Año 1930.

2.-Requiem, para solistas, coros, orquesta y órgano [Versión con órgano, 1948 – con orquesta 1950 con orquesta reducida 1961, con orquesta reducida y coros 1970.

3.-Quatre Motets sur des Thèmes Grégoriens, para coro [Ubi caritas et amor – Tota pulchra es – Tu es Petrus – Tantum ergo].Año 1960.

 Olivier Messiaen    Avignon, Francia, 1908 – Clichy, Hauts-de-Seine, id., 1992) Compositor, organista, pedagogo y ornitólogo francés.

          Una profunda fe cristiana, la fascinación por el hinduismo, la seducción por el color instrumental y, sobre todo, el amor a los pájaros y la naturaleza son algunos de los heterogéneos elementos sobre los que se sustenta el personal estilo de Olivier Messiaen, un autor difícilmente encasillable en una corriente concreta. Fascinante por su riqueza tímbrica, rítmica y armónica, inconfundiblemente moderna, su música es portadora de un mensaje humano y universal.

          A continuación sus composiciones religiosas:

1.-1926-28 Le banquet céleste, para órgano (una recomposición fue usada para su pieza orquestal Le banquet eucharistique, no publicada).

2.-1928 La banquet eucharistique, para orquesta (publicada póstumamente). Música orquestal.

3.-1930 Dyptique: Essai sur la vie terrestre et l’éternité bienheureuse, para órgano. Música solista (órgano)

4.-1930-35 Offrande au Saint Sacrement, para órgano. Música solista (órgano)

5.-1931 Hymne au Saint Sacrament, para orquesta (perdida en 1943, reconstruida de memoria en 1946). Música orquestal

6.-1932 Apparition de l’église éternelle, para órgano. Música solista (órgano)

7.-1932-33 L’Ascension. 4 Méditations symphoniques pour orchestre (hay también para órgano que sustituye un movimiento, 1933-34). Música orquestal.

8.-1935 La Nativité du Seigneur, para órgano. Música solista (órgano)

9.-1937 O sacrum convivium!, motete coral con órgano. Música solista (órgano)

10.-1941 Choeurs pour une Jeanne d’Arc. Música coral.

11.-1943-44 Trois Petites liturgies de la Présence Divine, coro de mujeres, piano, ondas Martenot, vibráfono, celesta, percusión y cuerdas. Música coral.

12.-1949-50 Messe de la Pentecôte, para órgano. Música solista (órgano)

13.-1963 Couleurs de la cité céleste, para piano y ensemble. Música instrumental.

14.-1964 Et expecto resurrectionem mortuorum, para orquesta de maderas, metales, y percusión metálica. Música orquestal.

15.-1965-69 La Transfiguration de Notre-Seigneur Jésus-Christ, oratorio para coro, piano, cello, flauta, clarinete, xylorimba, vibraphone y gran orquesta. Música orquestal

16.-1969 Méditations sur le mystère de la Sainte Trinité, para órgano. Música solista (órgano)

17.-1975-83 Saint-François d’Assise, opéra en 3 actos y 8 escenas para 7 cantantes solistas, coro mixto y una orquesta “muy grande”. Música orquestal.

18.-1984 Livre du Saint Sacrament, para órgano. Música solista (órgano)

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 Jacques Chailley (París 24 de marzo de 1910 Montpelier 21 de enero de 1999) fue un musicólogo y compositor francés muy importante para el panorama musical de la posguerra

          Siendo adolescente, fue interno en la Abadía de Fontgombault (Indre) donde aprendió a tocar el órgano y se inició en la dirección de coro

          Su erudición y su eclecticismo, pero también su carácter cortante y sus opiniones marcadas hicieron de él uno de los principales personajes de la vida musical francesa de la postguerra. Compositor conservador, firmemente opuesto a las vanguardias atonales y seriales, compuso una obra de 129 números de opus, no tan presente hoy como su obra teórica.

           Los títulos de su obra religiosa son los siguientes:

1.-Triptyque. Música de órgano

2.-L’Annonciation.La Anunciación .

Paraphrases liturgique. (1984-87, Combre).

3.-.El árbol del paraíso Música coral.

4.-La Tentación de San Antonio (1936),.

5.-Canto de la Fidelidad (1946,

.6.-Kyrie des gueux (1946), Leduc.

7.-Missa Solemnis (1947), Misa breve ” de angelis ” (1955), Salabert; Messe

8.-Numerosos motetes con y sin órgano.

9.-Les oratorios : Casa Dei (1991.)

Sir Malcolm Henry Arnold (Northampton, 21 de octubre de 1921 — Norwich, 23 de septiembre de 2006) fue uno de los compositores británicos más importantes de la segunda mitad del siglo XX. Comenzó su carrera como trompetista profesional, pero alrededor de los 30 años decidió dedicarse exclusivamente a la composición.

Compuso más de 500 obras, tanto música clásica como documental y cinematográfica (obteniendo, en 1957, un Oscar a la mejor banda sonora por El Puente sobre el Río Kwai).

Fue uno de los más polémicos compositores ingleses del siglo XX, debido a un estilo neorromántico y neoclásico que ya había sido prácticamente relegado al pasado y sus consiguientes roces con la crítica especializada.

Entre sus numerosas composiciones hay un pequeño lugar para las de carácter religioso

1.-1950           Psalm 150 (Laudate Dominum) Coro y órgano

2.-1952           Two Ceremonial Psalms Coro

3.-1955           John Clare Cantata     Coro

4.-1956           Song of Praise “John Clare”

5.-1959           The Song of Simeon   Coro.

6.-1972     Song of Freedom  Coro.

 Krzysztof Penderecki (Debica, 1933) Compositor polaco, considerado uno de los más importantes de la música contemporánea

En una época en la que la ruptura con la «tonalidad» había dado como consecuencia una fidelidad casi militar hacia las teorías «serialistas» de Anton Webern y sus derivaciones Penderecki aportaba a la vanguardia la sensibilidad de un sonido metafórico y descriptivo.

Denunció la situación de opresión sufrida por sus compañeros de generación mediante un acto simbólico, al abandonar la Asociación de Autores.

En los años ochenta la producción de Penderecki experimentó un sutil cambio hacia un nuevo estilo. Aquellos que habían defendido tanto a Penderecki como al resto de compositores que durante dos décadas habían liderado los movimientos de vanguardia, sentían ahora que el sistema les «robaba» a uno de sus epígonos. Con más razón cuando el monumental Te Deum fue dedicado en 1980 a su compatriota el papa Juan Pablo II.

Su obra religiosa es bastante numerosa tal como aparece a continuación:

 1.-1958 Salmos de David, coro y percusión  Música coral

2.-1962 Stabat Máter (de La pasión según san Lucas), para 3 coros de hombres a capella Música coral (capella)

3.-1962 Stabat Máter (de La pasión según san Lucas), para 3 coros de hombres a capella Música coral (capella)

4.-1967 Dies Írae. Oratorium zum Gedächtnis der Opfer von Auschwitz, (solistas, coro y orquesta) Música coral (orquesta)

5.-1969-1971 Utrenja (oración matutina) The Entombment of Christ, para voces solistas, coro y orquesta (incluida en el banda de sonido de la película El resplandor de Stanley Kubrick) Música coral (orquesta)

6.-1970-1973 Cánticum Canticorum Salomonis, para coro y orquesta Música coral (orquesta) 17:00

7.-1974 El sueño de Jacob, para orquesta     Música orquestal 08:00.

8.-1979-1980  Te Deum, para voces solistas, coro y orquesta.35:00

9.-1979-1980  Sinfonía n.º 2, «Navidad» (Christmas Symphony).Música orquestal (sinfonía)      36:00

10.-1980-1984  Misa de Réquiem polaco (revisado en 1993) Música vocal/coral 105:00

11.-1980-1984 Misa de  Réquiem polaco (revisado en 1993) Música vocal/coral105:00

12.-1992 Benedicamus Dómino, para coro masculino de cinco voces.Música coral (capella) 03:00

13.-1992-1993 Benedictus, para coro mixto Música coral (capella)10:00

14.-1994 Sanctus, del Polnischen Réquiem, para contrarlto y tenor solo, coro mixto y orquesta   Música coral (orquesta)        15:00

15.-1995 Agnus Dei (del Réquiem de la Reconciliación), para cuatro solos, coro mixto y orquesta          Música coral (orquesta)        05:00

16.-1996         De Profundis, salmo 129, 1-3, de la sinfonía n.º 7 «Las siete puertas de Jerusalén», para tres coros mixtos a cappella Música coral (orquesta)

17.-1995 Agnus Dei (del Réquiem de la Reconciliación), para cuatro solos, coro mixto y orquestaMúsica coral (orquesta) 05:00

18.-1996 De Profundis, salmo 129, 1-3, de la sinfonía n.º 7 «Las siete puertas de Jerusalén», para tres coros mixtos a cappella Música coral .

19.-2001-2002«Resurrección».Música orquestal.

20.- 2002 Benedictus Música vocal/coral      10:00

21.-2009 O Gloriosa Virginum .  Dedicada al maestro José Antonio Abreu, para coro mixto a capella. Musica coral (capella)

 Arvo Pärt es un compositor estonio. Nació el 11 de septiembre 1935 en Paine , Estonia  Muere en Dublin en 2008. Se le identifica con la música minimalista  y más específicamente con el «minimalismo sacro».

            Es considerado un pionero en ese estilo, como sus contemporáneos Henrik y John Theverner. Arvo Pärt es más conocido por las obras  obras corales de su segundo período compositivo la mayor parte de carácter religioso:

1.-1984-1985 (revisado en 1992): Te déum para coro, orquesta y cinta magnetofónica.

2.-1992: Berlin Mass (Misa Berlín) para coro y órgano u orquesta de cuerdas.

3.-1994: Litany (Letanía) para solistas, coro y orquesta.

4.-1998: Como cierva sedienta (título original en español) para soprano, coro y orquesta.

5.-1999/2002: Cecilia, vérgine romana para coro y orquesta.

6.-1980: De profundis, desde lo hondo a ti grito Señor. para coro, percusión y órgano.

7.-1982: Passio Dómini Nostri Jesu Christi secundum Joannem (‘pasión de nuestro señor Jesús Cristo según Juan’) para solistas, ensamble vocal, coro y ensamble instrumental.

8.-1985: Stábat Mater dolorosa juxta crucem lastimosa dum pendiebat filius, para tres voces y trío de cuerdas.

9.-1989: Miserere para solos, coro y ensamble.

10.-1977: Missa sylábica para coro y órgano

11.-1989: Magníficat para coro.

12.-2001: Nunc Dimittis: ahora , Señor, puedes dejar a tu siervo morir en paz, para coro.

 Leonard Bernstein (Lawrence, Massachusetts, EE UU, 1918-Nueva York, 1990) Director de orquesta, pianista y compositor estadounidense. Nacido en el seno de una familia de judíos rusos emigrados, fue el primer director de orquesta de Estados Unidos que alcanzó renombre universal.

            Músico polifacético, sus dotes y su innegable talento no sólo le permitieron brillar en el campo de la interpretación, sino que también consiguió triunfar en la composición, tanto en la llamada «seria» como en la comedia musical. Dos de sus incursiones en este último género, On the Town (1944) y West Side Story (1957), ambas popularizadas por el cine, le procuraron un amplio reconocimiento entre el público.

           Su obra religiosa es escasa pero significativa:

1.-Hashkiveinu para tenor, coro mixto y órgano, 1945

2.-Missa Brevis para coro mixto y contratenor, con percusión, 1988

3.-Los salmos de Chichester para contratenor, coro mixto, órgano, arpa y percusión, encargo del Festival de Chichester de 1965.

 Luciano Berio(Oneglia, 1925 – Roma, 2003) Compositor italiano, uno de los más notables exponentes de la vanguardia musical internacional. Realizó sus estudios con G.F. Ghedini y con L. Dallapicolla. En 1955 fundó, con Bruno Maderna, el Estudio de Fonología de la RAI en Milán. Sus obras, marcadas por una constante preocupación por la materia sonora, se caracterizan por su adhesión al serialismo y a los procedimientos experimentales de los años cincuenta.

Obras religiosas:

1.-1946 O bone Jesu, para coro Música vocal.

2.-1946.- L’annunciazione, para soprano y chamber orquesta Música vocal.

3.-1949 Magnificat, para 2 sopranos, coro y orquesta Música coral (orquesta

4.-1949 Due pezzi sacri, para dos sopranos, piano, dos arpas, timpani y twelve bells Música instrumental (conjunto)

5.-1951 Deus meus, para voz y tres instrumentos Música vocal.

6.-1955-56 Allelujah I, para orquesta (rehecho como Allelujah II, 1958) Música orquestal 09:30

7.-1957-58 Allelujah II, para 5 grupos instrumentales Música instrumental (conjunto) 19:00.

8.-1971 Agnus, para dos sopranos, tres clarinetes y electric organ (incorporado en la versión revisada de Opera (1977) Música vocal 05:00.

9.-1983-85 Requies, para orquesta de cámara Música orquestal 15:00.

10.-1988.-Canticum Novissimi Testamenti I. Ballata para coro Música coral

11.-1989 Canticum Novissimi Testamenti II. Ballata para 8 voces, 4 clarinetes y cuarteto de saxofón Música instrumental (conjunto) 20:00

12.-1991/92 Epiphanies, para female voz y orquesta.

.Henryk Mikołaj Górecki  Nació el 6 de diciembre de 1933 cerca de Katowice (Silesia, Polonia).  Falleció en Katowice en 1910.  Tras graduarse en 1951 trabajó como profesor de enseñanza primaria y fue en 1952 cuando comenzó estudios formales de composición bajo la tutela de Boleslaw Szabelski en Katowice en la Escuela Estatal Superior de Música (PWSM) de Katowice. Tuvo frecuentes problemas con las autoridades comunistas polacas.

Estuvo en la vanguardia musical durante el periodo cultural post-stalinista de finales de los cincuenta con el estreno de sus obras en el Festival de Otoño de Varsovia.

La música de Górecki abarcaba una gran variedad de estilos, pero tendía a ser relativamente simple en armonías. Sus primeros trabajos recuerdan el estilo de Pierre Boulez y otros serialistas.

Sus composiciones más recientes suelen ser comparadas con el a veces llamado “minimalismo sacro”. Sus trabajos reflejaban sus profundas creencias religiosas católicas

1.-Dos cantos sagrados Op. 30 para barítono solo y orquesta (1971)

2.-Euntes ibant et flebant : Lloraban mientras caminaban camino del destierro . Salmo.Op. 32 para coro mixto a cappella (1972-1973)

3.-Amén Op. 35 para coro mixto a cappella (1975)

4.-Sinfonía n.º 3 «Sinfonía de las lamentaciones» Recordando al profeta Jeremías. Op. 36 para soprano solo y orquesta (1976)

5.-Beatus Vir  Bienaventurado el varón . Salmo.Op. 38 salmo para barítono solo, coro mixto y gran orquesta (1979)

6.-Miserere  Salmo de David.Op. 44 para coro mixto a cappella (1981-1987)

7.-Cantos a María Op. 54 cinco cantos para coro mixto a cappella (1985)

8.- O Domina Nostra Oh Señora Nuestra. Op. 55 – meditaciones ante Nuestra Señora de Jazna Gora para soprano solo y órgano (1982-1985)

9.-Angelus Domini  Op. 57 para coro mixto a cappella (1986)

10.-Totus tuus: Todo tuyo lema del Papa Juan Pablo II referido a la madre de Dios. Op. 60 para coro mixto a cappella (1987)

11.-Cantata sobre San Adalberto Op. 72 para gran coro mixto, dos pianos, órgano y ensamble de instrumentos de percusión (1997-2000)

VIDEO MÚSICA POSTMODERNA:                      

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sanchoamigo

17 marzo 2012 in 19.- La música del modernismo en Europa y América. | Etiquetas: , , , (Editar)

TEMPLO DEL SAGRADO CORAZÓN. TIBIDABO. BARCELONA. ESPAÑA.

LA MÚSICA DEL MODERNISMO EN EUROPA Y AMÉRICA.

            Después de haber estudiado la música del romanticismo, nos centramos ahora en la denominada música modernista. El modernismo situado dentro de la amplia gama de las artes en genera tiene unas características bien marcadas especialmente porque las mismas están integradas en una Escuela, así ocurre   especialmente en la arquitectura, pintura, escultura etc.

            Del modernismo musical no se puede decir lo mismo, pues difícilmente se podría hablar de una Escuela Modernista Musical, por ello para situar su estudio lo mejor es colocarlo dentro de una cronología, siendo ésta la que se extiende desde el final del siglo XIX a los principios del siglo XX, entre los años  de 1880  al  1930 más o menos. Dentro de este marco cronológico en la exposición del tema seguiremos el siguiente índice.

1.- Características del modernismo musical.

2.-La música religiosa en el modernismo.

3.- Formas musicales de la música religiosa del modernismo

4.-Autores y Obras.

5.- .-El contenido de las obras religiosas en sus textos.

VIDRIERA MODERNISTA CON TEMÁTICA MUSICAL.

1.-CARACTERÍSTICAS DEL MODERNISMO MUSICAL.

Es una reacción contra el romanticismo caracterizado por una subjetividad emotiva, Supone la vuelta a un arte más objetivo y racional. A pesar de ello  los compositores no se someten a unas normas fijas , es por lo mismo un arte independiente en el que los creadores dependen de su ingenio, en el sentido de poder decir que no hay una escuela propiamente modernista.

            En el modernismo musical los instrumentos se revalorizan tratando de sacar a los mismos sus propia sonoridad  haciendo de ellos los protagonistas de las composiciones siendo el resto acompañamiento del instrumento elegido: flauta, piano, arpa…

            Renace la música de cámara y disminuye la música vocal y coral, especialmente en la música profana, no así, como veremos en la religiosa.

            Se experimentan y exploran nueva sonoridades. Hasta el ruido se incorpora a la música.

            Surge una variedad de sistemas, de estilos y de tendencias musicales: neorromanticismo, expresionismo, dodecafonismo , exotismo , nacionalismo etc.

2.- LA MÚSICA RELIGIOSA MODERNISTA

.Posiblemente sea un tanto impreciso hablar de una música religiosa modernista, como si la misma fuera una categoría más dentro de los estilos y tendencias musicales antes referidas , lo que si vamos a hacer  es estudiar  los compositores modernistas que hayan compuesto música religiosa, lo que avalaría el hecho  de  hablar de una música religiosa modernista.

MÚSICA CORAL RELIGIOSA.

3.-FORMAS MUSICALES  DE LA MÚSICA RELIGIOSA DE COMPOSITORES MODERNISTAS

.Aunque en el párrafo siguiente al referirnos a los compositores modernistas podremos seguir de forma particularizada las formas  religiosas utilizadas por los mismos, en este punto nos referimos de una forma global a las mismas  : la más utilizada de estas formas es la música coral con voces y música instrumental. Sigue a esta forma el coral a capela, después son bastantes los que componen oratorios, salmos, algunas misas, himnos a la madre de Dios, a la Eucaristía, Te Deum, a los santos, algún réquiem etc,  aunque teniendo en cuenta que estas formas cuyos nombres proceden del pasado, no dejan de tener la impronta del tiempo y  estilo y que a pesar de que puede sorprender tanto el número de compositores y obras de carácter religioso, éstas distan mucho de poder equipararse con las de uso profano.

Ambas cosas sorpresa y limitación pueden tener una única causa cual es el predominio de las  culturas dominantes de la época en muchos de los países occidentales : ilustración y ateísmo militante.

4.- COMPOSITORES Y OBRAS RELIGIOSAS.

FRANCIA.

GABRIEL  FOURÉ.

Pamiers  1845.París 1924.Compositor y pedagogo pianista.Por la elegancia de su escritura la perfección de la forma, la constante búsqueda de la belleza y su intenso melodismo, Gabriél Fouré  es uno de los grandes compositores de Francia y asimismo una de de las figuras clave del paso del romanticismo musical hasta la modernidad del siglo XX.

El catálogo de sus obras supera las 120   entre las que se incluye la siguiente producción religiosa:

1.-Tu es Petrus, Tú eres Pedro y sobre esta piedra edificaré mi Iglesia, barítono solo, coro y órgano. Música coral.

.2.- Ave Maria (hacia 1876, dúo modificado y publicado como  opus 93, 1906).

3.-O salutaris hostia O hostia Salvadora ,Himno  eucarístico. opus 47 .

4.-Maria, mater gratiae, María madre de gracia  2 voces y órgano. Música Coral.

5.-Ecce fidelis servus, He aquí el siervo fiel. Texto del  evangelio de san Mateo opus 54, 3 voces, y  órgano. Música coral .

6.-Tantum ergo sacramentum…Himno al  Santísimo Sacramento compuesto por santo Tomás de Aquino   opus 55, una voz solista, coro y órgano. Música coral. Año 1890

7.-Tantum ergo sacramentum Opus 065.  solistas y coro femenino a 3 voces. Año 1894.

8.-Misa de Requiem .Opus 048 solistas, coro y orquesta. Música coral. Año 1891.

9.- Salve Regina  Salve Reina y Madre y Ave Maria, opus 67, una voz y órgano. Música vocal .

10.- Ave verum corpus  natum  ex María Virgine: Salve verdadero cuerpo nacido de Maria Virgen” Himno al Smo. Sacramento. opus 65. 2 voces femeninas y órgano. Música vocal.

11.- Tantum ergo III, para voz solista y coro mixto (o coro monódico ad lib.).Música vocal y piano.

DARIUS MILHAUD .

 Nació en  una familia tradicional judía en .Aix-en-Provence, 1892 – Ginebra, 1974).  MiembMilhaud fue uno de los músicos más prolíficos del siglo XX, autor de más de cuatrocientas cincuenta obras en todos los géneros. formó parte del “Grupo de los seis”, con los jóvenes compositores Poulenc, Auric, Durey, Honegger y Germaine Tailleferre. De ideas vanguardistas, Milhaud y sus compañeros adoptaron una actitud estética de reacción contra Wagner y Debussy y penetraron en el campo del recién descubierto politonismo.

Dentro de su producción se encuentran las siguientes obras religiosas:

1.-Psaume 121  Salmo 121 (también conocido como Psaume  Salmo 126  en la biblia latina Vulgatas[para coro masculino a capella Op.72,  año 1921

2.- Cantate pour louer para alabar al Señor le Seigneur  Cantata para alabar al Señor for soloists, chorus, children’s chorus, organ and orchestra, Op.103 (1928); text: Psalms Salmos  117, 121, 123, 150 tomados de la Vulgata latina.

3.-  El shemá de Israel  Escucha Israel, por el cantor, el coro y órgano, Op.239 (1944); texto bíblico:

Escucha  Israel: Yahvé es  nuestro Dios, Amarás a Yavhe  tu Dios con  todo tu corazón, y con  toda tu alma, y con todo tu poder. Y estas palabras que yo te mando hoy, las pondrás en tu corazón:Y se  las repetirás a tus hijos, y hablarás de ellas estando en tu casa, y andando por el camino, y al acostarte, y cuando te levantes:Y las atarás como  señal en tu mano, y estarán por frontales entre tus ojos:Y las escribirás 4.-en los postes de tu casa, y en tus portadas. (Deuteronomio 6:4)

Kadish  es una de las principales súplicas que los judíos recitan alabando a Dios  y pidiendo por los muertos procedente del arameo (Prière fluidez morts les) para el cantor, el coro y órgano, Op.250 (1945); texto bíblico

5.-Servicio de Sacré pour le samedi matin servicio litúrgico para los maitines del sábado. para barítono, recitador, coro y orquesta u órgano, Op.279 (1947); texto bíblico

6.- Kadish para barítono, recitador, coro y orquesta u órgano, Op.279 (1947); texto bíblico

7.-Lekha Dodi (L’CHOH Dodi) es el texto litúrgico que los judíos  recitan a la caída de la tarde como preparación para la celebración del sábado en las sinagogas. Cantor  coro y órgano, Op.290 (1948),

9.-Les milagros de la Cantata de la libertad  con el texto bíblico del profeta Daniel., para tenor, coro y orquesta, Op.314 (1951.

10.-3 Psaumes de David  tres salmos de David para coro mixto a capella, Op.339 (1954)

 12.-Cantate de l’iniciación cantata de la iniciación . Texto en francés traducción del hebreo,. para coro mixto y orquesta (u órgano), Op.388 (1960), francés

13.Paz en la tierra texto tomado de la encíclica  Pacem in terris de Juan XXIII Sinfonía Coral de alto, barítono, coro y orquesta, Op.404 (1963). 14.-

14.- Cantate de Empleo Cantata del Trabajo texto bíblico  para barítono, coro y órgano, Op.413 (1965)

15.-Oraciones y journalières à l’uso de des Juifs du Luberon,  Oraciones para el uso de los Judios  de Luberón.Op.96 (1927); 3 canciones; texto bíblico

16.- Cinco Oraciones para voz y órgano (o piano), Op.231c (1942), textos litúrgicos adaptados por

17.-Cain y Abel, para recitante y orquesta, Op.241 (1944); texto bíblico del Génesis

 18.-Cantate De Psaumes  Cantata de salmos para barítono y orquesta, Op.425 (1967), Salmos 129, 146, 147, 128, 127, 136 (Salmos 129 y 136 de la Op.53), traducción de Paul Clodel.

ERIC SATIÉ.

  (Honfleur, Francia, 1866-París, 1925) Compositor y pianista francés. La excentricidad, la irreverencia y una actitud dadaísta  por la que rechazaba y se burlaba de las obras de arte como algo propio del burgués siendo este el marco en que se encaja su obra y su vida.

            Sin embargo sus obras trasmiten  un lirismo sutil que ejerció una incontestable influencia sobre músicos tan diferentes como Claude Debussy, Maurice Ravel y los integrantes del Grupo de los Seis. A Satie se le deben también ballets como Parade (1917) y Relâche (1924) y las siguientes obras de carácter religioso:

 1.-Messe des pauvres,  misa de los pobres para coro y piano (u órgano) (orquestada en 1990 por Maurice Ohana.   Música vocal  con orquesta. Año 1893

2.- Messe de la foi  Misa de la fe (perdida), órgano. Música instrumental  año 1894.

3.-.- Psaumes, Salmos. (perdida), para piano. Música de piano  1895,

4.-Pages mystiques Paginas místicas  para piano. Año 1895.

5.- San Bernardo. Música para piano año 1913.

ARTUR HONEGGER.

 El Havre, Francia, 1892-París, 1955) Compositor francés de origen suizo. Formado en Zurich y París, fue uno de los compositores integrantes del llamado Grupo de los Seis,  del que participan algunas de sus obras, aunque no tardó en  separarse del mismo, inclinado a la estética del contrapunto del románico  y del barroco    Sus obras con sentido religioso son numerosas que detallamos a continuación:

 1.-1907 – Oratorio du Calvaire (perdido, compuesto a los 15 años). Música vocal (oratorio)

2.1920 H. 020 La Mort de Sainte Alméenne. Misterio en 2 actos (solo el Preludio y el Interludio). Música vocal (oratorio)

3.1918 H. 018 Cantique de Pâques,  ( Pascua) solistas, coro de mujeres y orquesta (Orq. 1922). Música coral (orquesta)

4.-1921 H. 037 Le Roi David (libreto de René Morax), salmo dramático para solistas, coro e instrumentos (reinstrumentado para gran orquesta en 1923. Música vocal (oratorio)

5.-1925 H. 057 Judith (libreto de René Morax), drama bíblico para solistas, coro y orquesta. Música vocal oratorio

 6.-1935-Jeanne  d’Arc Juana de Arco. oratorio dramático (libreto de Paul Claudel) (versión con el prólogo en 1941) (hay ver. orq, y reducción para piano y canto).         Música vocal .

7.-193  O Salutaris  O Hostia Salvadora, para canto y piano (existe con acompañamiento de órgano y de arpa).Música vocal (piano)

8.-1940-Trois Psaumes Tres salmos  Música coral

9.-1943 Panis Angelicus,Pan de Ángeles, himno  eucarístico,  para canto y piano.Música vocal

10.-1945 Symphonie n° 3, liturgique. Música orquestal .

11.-1948-Música para la obra radiofónica Saint François d’assise. San Francisco de Asís. ((William Aguet)). Música incidental .

12.-1952 Une Cantate de Noël  Navidad con textos litúrgicos y populares. Música orquestal.

FRANCIS POULENC.

 (París, 1899-id., 1963) Compositor y pianista francés. «Mitad granuja, mitad monje», así definió Claude Rostand a Poulenc, un músico que afirmaba ser capaz de escribir la pieza más intrascendente al mismo tiempo que el motete más grave.

            En 1916 entró en contacto con Erik Satie, que  ejerció una decisiva influencia en sus primeras obras. Miembro del Grupo de los Seis, las partituras escritas por Poulenc en esta etapa le mereció ser tenido como un compositor ligero e intranscendente. Su vuelta a la fe católica  en 1936 favoreció la composición de interesantes obras religiosas que pasamos a relatar a continuación:

1.- 1950 FP 148 Stabat Mater , Estaba  la Madre Dolorosa junto a la cruz lastimosa, donde pendía su Hijo. Obra  para soprano, coro mixto y orquesta.

2.-1959 FP 177 Gloria a Dios en las alturas… ,  obra para soprano,coro y orquesta.

3.-1936 Litanies à la Vierge Noire,  Letanias para la Virgen Negra.para coro a capella.

4.-1937 Messe en sol majeur,  Misa en sol mayor  para 4 voces, mixtas a capella.

5.-1961 Sept Réponses des Ténebres, Siete responso de tinieblas para el miércoles santo .Para coro y orquesta..

6.-1938. Quatre Motets pour un temps de Penitence,  Cuatro motetes para un tiempo de penitencia. para coro a capella.

7.-1941 Exultate Deo, Alegraos en Dios,  para coro a capella.

8.-1941 Salve Regina, para coro a capella

9.-1948 Quatre Petites prières de Saint François d’Assise, Cuatro pequeñas oraciones  de San Francisco de Asís, coro de hombres a capella.

10.-1951 Quatre Motets pour le temps de Noël,  Cuatro motetes para el tiempo de Navidad, para coro a capella.

11.-1952 Ave Verum Corpus,  Ave verdadero cuerpo nacido de María Virgen para 3 voces de mujeres. Música voces a capella

12.- 1957-Laudes de Saint Antoine de Padua,  Laudes para el oficio de San Antonio de Padua para coro de hombres a 3 voces. Música voces a capella.

AUSTRIA.

ARNOLD SCHOMBERG.

Viena, 1874-Los Ángeles, 1951) Compositor y pintor austríaco, de origen judío  nacionalizado estadounidense. Su vida y su obra se vieron siempre rodeadas de polémica.

La raíz de esta polémica tuvo principalmente que ver con su obra musical.El dodecafonismo para él más que el fin de la tonalidad, suponía el intento de sistematización de un nuevo método que permitiera superar sus contradicciones. Su obra religiosa  Moisés  y Aarón es sin lugar a dudas una de sus partituras más ambiciosas, aunque quedó sin terminar por su muerte

1.-Moisés y Aarón (título original Moses und Aron)opera  en dos actos El tercer acto quedó incompleto. El libreto se basa en el libro del Éxodo. Es una obra dodecafónica.

2.-Kol Nidre (Sol menor) op. 39 (1938) para orador (rabino), coro mixto y orquesta.  Texto basado en los  Friede auf Erden de Conrad Ferdinan  Paz para la tierra.

3.- Friede auf Erden  Paz para la tierra op. 13 para coro mixto a capella (1907). Texto: Conrad Ferdinand Meyer

RUSIA.

IGOR STRAVINSKI

  (Oranienbaum, Rusia, 1882 – Nueva York, 1971) Compositor ruso nacionalizado francés y, posteriormente, estadounidense.  En su obra compositiva podemos distinguir tres etapas , la primera la de su armonía politonal, sus ritmos abruptos y dislocados y su agresiva orquestación provocaron en el público uno de los mayores escándalos de la historia del arte de los sonidos.

En una segunda etapa el músico llevó al límite la herencia de la escuela nacionalista rusa hasta prácticamente agotarla. Su estilo experimentó entonces un giro que desconcertó a sus propios seguidores.

            En la tercera etapa  que podíamos considerar como neoclásica se entregó a la revitalización  de los grandes músicos del pasado  como Mozart, Bach. Es de esta tercera etapa el mayor número de sus obras religiosas:

1.-1926 Pater Noster Música coral Op.61

2.-1930 Sinfonía de los salmos Op.65, para coro y orquesta Música coral

3.-1948 Mass  Misa Música coral cantos de Requiem

4.-1955 Canticum Sacrum Música coral

5.-1963 Abraham and Isaac Música coral6.-1965 Introitus Música coral

7.-1966 Requiem Canticles Cánticos de réquiem.  Música coral.

.

.SERGEIS RACHMANINOV.

Rachmaninov  nació en 1873 en la provincia de Novgorod en Rusia. Sergéi mostró pronto su talento en el manejo del piano por obra de su madre que le enseñó a jugar con el piano a los cinco años de edad .

            En el Conservatorio de Moscú convivió con otros compositores entre ellos .Tchaikovski, en 1892 compuso su Preludió que fue su primer éxito, despúes vendrían sus sinfonías la primera de las cuales no obtuvo el reconocimiento del público y de la crítica. Este fracaso lo sumió en una depresión que le hizo que  dejase de componer durante tres años.

            Sería la segunda sinfonía la que le abrió las puertas del triunfo, a partir de ahí su fama fue creciendo  siendo considerado hoy uno de los más famosos compositores rusos   Con el triunfo  del comunismo en Rusia, Rachmaninov comenzó a pensar en dejar su país natal. Starting in 1909, Sergei began making yearly tours to the United States. A partir de 1909, inició unas  giras anuales a los Estados Unidos. In 1918, Rachmaninoff moved permanently to New York where he lived for the rest of his life. En 1918, Rachmaninov se trasladó permanentemente a Nueva York donde vivió el resto de su vida.

Sergei  dejó las siguientes composiciones religiosas:

1.-Deus Meus Dios mío coro mixto a seis voces 1890?

2.-Mother of God Perpetually Praying Madre de Dios en oración permanente.Coro mixto 1893

3.-Chorus of Spirits Coro de los Espíritus.Coro mixto 1894?

4.- Liturgia de San Juan Cristósomo. Coro 1910.

5.- Las campanas solistas, coro y orquesta 1913

6.- Las vísperas Coro 1915.

7.-”Nuevamente se mueve  mi corazón”  1890.

8.-”A las puertas del claustro Santo1890

9.-  ”Cristo ha resucitado 1906

10.-”La resurrección de Lázaro 1912.

11.- Desde el Evangelio de San Juan “1915

12.-La oración” 1916.

ESPAÑA.

MANUEL DE FALLA Y MATHEUS

Manuel de Falla y Matheus nació en Cádiz el 23 9-1876 y murió en Argentina el 14 del XI del 1946.

 Su mejor obra está inspirada en el folklore español. Su obra El  amor brujo es una buena muestra de ello, obra muy reconocida e interpretada en el mundo. Manuel de Falla es el mejor representante de la música española en los comienzos del siglo XX.

Además de la obra con esta orientación, Falla hizo muchas versiones de obras ajenas y entre ellas las siguientes de carácter religioso:

1.-Ave María (1932).

2.-Invocatio ad individuam trinitatem Invocación a las personas de la santísima Trinidad  (Granada, 1935

3.- Emendemus in melius  Enmendémonos para mejor (Granada, 1939).

4.-O magnum mysterium Oh gran misterio en la circuncisión del Señor (in circuncisione Domini) (Villa del Lago, 1940-1942).

5.-Tenebrae factae sunt  Las tinieblas se hicieron en la muerte de Jesús  Responsorium Responsorio, (Villa del Lago, 1940-1942).

6.-Miserere mei Deus (salmo 50) (Villa del Lago, 1940-1942).In festo Sancti Jacobi (o 7.-Lux et decus Hispaniae) (Villa del Lago, 1940-1942).

8. Gloria  y Benedictus (de la misa “Vidi speciosam”) (Villa del Lago, 1940-1942).

ENRIC MORERA.

 Enric Morera i Viura; Barcelona, 1865 – 1942) Compositor español. Inició sus estudios musicales en Córdoba (Argentina), país al que había emigrado su familia cuando contaba dos años de edad.

Tras seguir estudios de violín, trompeta y órgano, regresó en 1883 a Barcelona, marcharía de nuevo dos años a Argentina, viajó a Bruselas.

En 1893 se estableció en Barcelona como compositor y empezó a estrenar sus obras. Es considerado uno de los grandes compositores del modernismo catalán, entre sus obras se cuentan las siguientes de carácter religioso.

1.-Missa de rèquiem – 1899

2.-Jesús de Nazareth – 1893, drama texto de Àngel Guimerà,

3.-Les monges de Sant Aimant – 1895 drama texto  d’Àngel Guimerà.

4.-La Santa Espina – 1906, text de Ángel Guimerá.

ENRIQUE GRANADOS 

 Enrique Granados y Campiña; Lérida, 1867 – en el canal de la Mancha, 1916. Pianista y compositor español. Era hijo de padre cubano y de madre gallega.

Niño aún, pasó a Barcelona, donde entró en la Escolanía de la Merced, dirigida por Francisco Jurnet; luego recibió lecciones de Juan Pujol (piano) y Felipe Pedrell (armonía).

Como pianista fue excelente colaborador de grandes violinistas como Manén, Isaye, Crikboom y Thibaud. También actuó al lado de Risler, Saint-Sáens y Malats en la interpretación pública de obras escritas para dos pianos.

Su obra Goyescas supuso para él el éxito en Francia donde llegó a recibir la Medalla de la Legión de Honor.

En el campo profano son famosas sus , 12 Danzas españolas, Piezas sobre cantos populares, Valses poéticos, Madrigal, la ópera María del Carmen (1898), Follet, Picarol, Liliana (sobre textos de Apel·les Mestres), una nueva serie de Danzas españolas, Sardana, Rapsodia aragonesa, El Pelele,

Escasa es su producción religiosa  entre ellas:

1.- Maitines –

2.-El cortejo (marcha nupcial) –

3.-La oración Canto recitado –

4.-Escena religiosa Órgano, violín, piano, timbal  

5.-Intermedios para la misa de casamiento de Dionisio Conde .

REINO UNIDO.

EDWAR ELGAR.

Broadheath, 1857-Worcester, id., 1934) Compositor británico. Hijo de un organista y propietario de una tienda de música, Elgar fue un músico autodidacta que no recibió ninguna formación académica formal.

Su música más característica, sin dejar de ser inconfundiblemente británica en el tono de muchas de sus obras,  refleja una clara influencia del sinfonismo germánico, de Wagner y Brahms, inscribiéndose de lleno en el posromanticismo vigente en la Europa continental de finales del siglo XIX.

Otro rasgo de su personalidad que ejerció una notable influencia en el carácter de su estilo fue su profunda fe católica, perceptible en sus  partiturasEn ellas, sus convicciones religiosas se conjugan con un género tan arraigado en la tradición musical británica como el oratorio. A continuación sus obras religiosas

1.-El sueño de geronte. Oratorio

2.-1887  Pie Jesu  Jesús piadoso , plegaria.(revised 1902

3.- Ave Verum Corpus, himno eucarístico con texto latino

4.- Ave Maria saludo a la virgen , texto latino Virgen  (revised 1907)

5.-Ave Maris Stella  Saludo a la Virgen texto latino(revised 1907)

6.-1894.  Sursum Corda, Levantad los corazones  hacia el Señor for strings, brass and organ

7.-1897The Light of Life Lux Christi Luz de Cristo oratorio

8.-1897 Te Deum and Benedictus , A la Trinidad y el Bendito sea el Dios de Israel chorus and organ or orchestra

9.-1903  The Apostles, oratorio

10.–1906 The Kingdom,  El reino  de Dios oratorio

11.- Seis composiciones del himno eucarístico  O salutaris Hostia para órgano y coro.  y órgano

12.- Salve Regina. Texto Latino de oración a la Virgen Compuesto en  1876.

19.-Credo en re menor, texto del Credo del símbolo de Nicea.

20.-Misa, en sol menor, para solistas y doble coro a capella.

 

RALPH  VAUGHAN

Ralph Vaughan Williams 1872-1958 compositor británico , muy estimado en su país que lo considera como una gloria nacional.

            La música de Vaughan Williams se inspiró en  las melodías populares. A partir de 1903 comenzó a recoger canciones populares inglesas, y llegó a recopilar más de 800. Esta actividad, iniciada con un mero espíritu etnográfico, consiguió imprimir un fuerte carácter al resto de su música.

            Aunque Vaughan Williams se definía como agnóstico, tenía cierta inclinación por el misticismo algo que impregna casi toda su obra, fue posiblemente por esta tendencia  por la llegó a componer algunas obras de carácter estrictamente religiosas. Como:

 1.-Misa, en sol menor, para solistas y doble coro a capella.

2.-1928 Te Deum, SATB men’s and boysvoices with organ or orquesta.

3.-Cantata Dona Nobis Pacem Danos la Paz.

BENJAMIN BRITEM

 Lowestoft, 1913 – Aldeburg, 1976) Compositor y pianista británico. Estudió con Frank Bridge, quien le descubrió el universo sonoro de la Segunda Escuela de Viena, uno de cuyos integrantes, Alban Berg, sería uno de sus referentes durante toda su vida.

            El estreno en 1941 de la Sinfonía de réquiem marcó un punto de inflexión en su carrera: fue entonces cuando el director de orquesta Serge Koussevitzky le encargó una ópera, Peter Grimes, la cual marcaría el verdadero inicio de la carrera del músico británico como compositor sentando  las bases de lo que sería la nueva ópera británica.

            El cultivo de la ópera no le impidió, sin embargo, sobresalir en otros géneros, en especial en la música vocal, genero  en el que   está la  mayor parte de sus composiciones religiosas, que enumeramos a continuación:

 1.-Op. 20,  Sinfonía da Requiem. 1940

2.-Op. 27, Himno a Santa Cecilia. para SSATB, 1942

3.-Op. 28, Ceremonia de villancicos. para contralto y arpa, 1942

4.-Op. 30, Regocijo del Cordero. para solistas, coro y órgano, 1943

5.-Op. 42 San Nicolás  para solistas, coro, cuerdas, piano (4 manos), percusión y órgano, 1

6.-Op. 51, Abraham e Isaac (Cántico II) para contralto, tenor y piano, 1952

7.-Op. 56b, Antífona para cuarteto de flautas y órgano, 1955.

 JOSEF BOHUSLAV FOERSTER.

            Nacido en Praga en el año 1859. le gustaba escuchar tocar el  piano a su padre, quien era maestro de música y organista.

            Estudió música para órgano y trabajó como organista en la iglesia de San Adalberto de Praga, impartiendo también clases de música. A los veinte años de edad, Foerster dio sus primeros pasos como compositor. Su mayor ejemplo fue Federico Smetana, admirando la gran musicalidad de su obra, inspirada en el paisaje checo.

            Foerster enlazó con la tradición musical checa, respetando a la vez el desarrollo de la música universal. En su obra expresaba frecuentemente su amor por la Patria y por Praga .

            Viajó primero a Alemania acompañando a su esposa que era solista de ópera y después a Viena, lugares en los que no dejó de componer algunas de sus obras más significativas entre ellas Pascua Florida. El ámbito en el que se educó y estudió le llevaron a dejar una  numerosa obra de carácter religioso, que a continuación enumeramos.

1.-  1921 Mse biskupa Turpina Mass of Bishop Turpin The Mass of Bishop Turpin Misa del obispo Turpin La misa del obispo Turpin  for narrator and piano para narrador y piano

2.-  , Dva žalmy Dva žalmy2. 2  Psalms Salmos 2 2  for medium voice and organ (or harmonium, or piano) para voz media y órgano (o armonio, o el piano)

3.- Stabat Mater Dolorosa . Estaba la Madre Dolorosa junto al la Cruz Lastimosa Stabat Mater  Stabat for mixed chorus, orchestra and organ para coro mixto orquesta, y el órgano.

4.-1932  Pisne k sv patronum ceskym Songs for Czech Patron Saints Canciones para santos patronos checos  Coral

5.- 1916  Pet muzskych sboru na cirkevni texty Male Choruses on Church Coros masculinos sobre  textos de la Iglesia . 1919

N º 4 Getsemaní   for mixed chorus para coro mixto Coral

5.-  Glagolská mše . El Gógota.for mixed chorus and organ para coro mixto y órgano  1924

6.-Duchovní písně Duchovní písně  Spiritual Songs Canciones Espirituales  

7.-Missa in honorem S. Francisci Assisiensis Missa in honorem S. Assisiensis  Coro mixto y órgano   1926

8.-Svatý Václav, Kantáta o třech dílech Svatý Václav, Kantáta o Trech dílech  Saint Wenceslas, Cantata in 3 parts San Wenceslao,  for soloists, chorus, orchestra and organ para solistas, coro, orquesta y órgano 1928

9.-Te Deum . Año 1930

10.Hymnus k Panně Marii Hymnus k Panne Marii  Hymn to the Virgin Mary 1.-Himno a la Virgen María  1936. Coral

11.-Betlehem Belén  Coral .

12.-Tri sbory pohrebni .Funeral Choruses Coros Funerales.  For male chorus, para coro masculino

13.-  Missa in honorem Sanctissimae Trinitatis Missa Misa en Honor de la Sma. Trinidad. Coral  1944 .

14.- Cantata del Hermano Sol,  texto de san Francisco de Asís, para barítono, coro masculino y orquesta

15.-Missa in honorem Beatae Mariae Virginis Missa en honor de la bienaventurada Virgen María. Coral. 1945.

16.- Missa in honorem S. Adalberti for mixed chorus and organ,  para coro mixto y órgano.

 ALGUNOS COMPOSITORES AMERICANOS.

ALBERTO GINASTERA .

(Buenos Aires, 1916-Ginebra, 1983) Compositor argentino. Talento precoz, realizó sus estudios musicales en el Conservatorio Nacional de Buenos  Aires.

             Fue  fundador del Centro Latinoamericano de Altos Estudios Musicales, así como de la Facultad de Ciencias y Artes Musicales de la Universidad Católica de Argentina.

            Sus primeras producciones se enmarcan en una estética nacionalista que se inspira en el folclor argentino, pero con elementos rítmicos y tímbricos tomados de la vanguardia.

Con posterioridad, el lenguaje de Ginastera abandonó los ritmos y las melodías de su tierra para integrar técnicas como el dodecafonismo, la aleatoriedad y la microtonalidad. Variada es su obra profana y escasa su producción religiosa, entre la misma:

1.-Salmo op. 5 – 1938 (coro mixto, coro de niños y orquesta)2.-Lamentaciones del profeta Jeremías “Hieremiae Prophetae Lamentationes” op. 14 1946.

Otros muchos autores se pueden nombrar entre los compositores modernistas del continente américano : Estadounidenses Aarón Copland Non Cage, Charles Ives, George  Gershwin y Henry  Cowel Brasileños Hweitor Villalobos,, Guatemaltecos: Jorge Alvaro Sarmientos y Joaquín Orellana. Sin embargo los mismos no dejaron composiciones de música religiosa . Algo que ocurre con los famosos compositores  húngaros de esta época, como Bela Bartok, Zoltan Kodaly y Gyorgy Ligety.

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CRISTO CRUCIFICADO DE FRANCISCO DE GOYA. ESPAÑA.

4.-EL CONTENIDO DE LAS OBRAS RELIGIOSAS EN SUS TEXTOS.

 El repaso de las obras religiosas de los compositores del modernismo casi nos permite afirmar que los textos de las mismas son un resumen casi completo de la fe cristiana pues los mismos nos hablan de Cristo en los más significativos hechos de su vida: nacimiento, pasión y resurrección…

Junto a ellos los dedicados a su Madre la Virgen María:   las Ave Maria,  la Salve Stella Maris, la Madre Dolorosa, al  misterio eucarístico en los Tantum ergo, Oh Sacrum convivium,  Ave verum corpus natum y especialmente el misterio de la Misa. 

 A la Sma Trinidad  en los credos,  en los varios Te Deum, a los apóstoles y algunos santos y santas:  A san Pedro, Juana de Arco, San  Francisco de Asís etc.

Y junto a estos propios de la fe cristiana, los numerosos textos del Antiguo Testamento y sus profetas, originados por escritores judíos unas veces, y otras. por autores cristianos tanto del occidente como del oriente.

VIDEO SOBRE EL MODERNISMO MUSICAL:

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sanchoamigo.

 

LA MÚSICA RELIGIOSA EN EL  ROMANTICISMO DE  EUROPA Y AMÉRICA.

 Con el fin de conocer por anticipado el contenido de este tema, señalamos a continuación, los puntos que vamos a desarrollar en él, son los siguientes:

 1.- El romanticismo en el arte.

2.-Caracteres generales del romanticismo musical.

3.-El romanticismo en la música religiosa.

 1.-EL ROMANTICISMO EN EL ARTE..

 Al  hablar del arte romántico podemos, para situarnos, comenzar por describirlo partiendo de la cronología; desde este punto de vista el romanticismo es el estilo que predominó en Europa y América desde finales del siglo XVIII  hasta el último tercio del siglo XIX , lo que significa que el mismo  tuvo algo así como un siglo de duración, prácticamente todo el siglo XIX.

            El romanticismo en el arte es sólo un ámbito muy concreto del movimiento romántico que se expresa con igual y si cabe con mayor fuerza en otros campos: En el filosófico, en el teológico, en el literario y hasta en el político.         

            Nuestro tema se circunscribe al campo artístico y dentro de al romanticismo musical,  y con una mayor restricción a la música religiosa en el romanticismo.

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 LA NOCHE ESTRELLADA DE VAN GOGH.

2.-CARACTERES GENERALES DEL ROMANTICISMO MUSICAL.

  1.-Se puede decir que con el romanticismo musical , la historia de la música llega a su cumbre.

            2.-Si el arte clásico representa el equilibrio con  una música realista y objetiva  que va buscando la perfección técnica y no tanto las repercusiones subjetivas en el oyente de forma que los  ingredientes  fundamentales de la música, el ritmo, la melodía y la armonía tienden a equilibrarse de forma que ninguno de ellos sobresalga sobre los demás.

            El romanticismo musical  es como decía Hegel expresión de la historia íntima del alma, para los románticos la música es el arte del sentimiento  en la que es necesario buscar los efectos  tanto morales como sicológicos del sujeto. De ahí que la música en el romanticismo pueda, en algún sentido, verse como una religión, la manifestación de los más puros sentimientos del alma. Si el clasicismo musical podría referenciarse con la época clásíca greco-romana, el romanticismo vuelve su ojos a la época medieval.

            3.-La libertad interior frente a la forma hecha, la proyección del sentimiento del creador musical,  el gusto  en la melancolía sólo encuentran cauce en los músicos románticos. Al logro de estos  caracteres se unen en varios casos  factores externos, los compositores musicales no son ya dependientes ni del estamento clerical y religioso, ni de la nobleza ni tampoco como podría esperarse, tras la ilustración, de la burguesía y nuevos ricos.

 

DE CASPAR DAVID.

3.-  EL ROMANTICISMO EN LA MÚSICA RELIGIOSA. AUTORES Y OBRAS.

   1.- Alemania.

  El primer gran romántico y padre del romanticismo es sin duda Ludwig van Beethoven. (Bonn, actualmente Alemania, 1770 – Viena, 1827).En su última etapa

            Además de sus misas ya referenciadas en el clasicismo Beethoven se muestra como autor  romántico en El Oratorio Cristo en el Monte de los Olivos (Christus am Ölberge), obra que aunque estrenada  el  1803, la  que ha llegado a nosotros es la reescrita  de 1811.

            Da la impresión de que la obra no fue escrita para ser interpretada en un ámbito litúrgico sino más bien en un salón de conciertos.

            Escrito para tres voces solistas, coro y orquesta, el ímpetu, la fuerza, el patetismo que Beethoven expresa en la obra  lleva al oyente   a quedar sumergido en  el relato de su pasión especialmente en el Prendimiento de  Jesús,  mejor que si se estuviera  escenificando tal relato, pues no en vano los Oratorios tienen afinidades con la Opera.

            Kaspar Ett, en castellano Gaspar nació el 5-1-1788  cerca de Geltendorf , Baviera y murió en Munich el 1847. A la edad de 9 años actuó en un coro de una abadía de de san Benito. En 1816 fue nombrado organista en la Iglesia de San Miguel en Munich hasta su muerte. En Munich además de su trabajo como organista  se dedicó a la enseñanza contando entre sus alumnos a Franz Lachner.

            Fue abundante su obra musical religiosa recordamos AHCE : salmo: este es el día“ Pange lingua – Tantum ergo Himno Eucarístico con letra de SantoTomás de Aquino, Ave Maris Stella : Ave estrella del mar, cántico a la Virgen.Missa quadragesimalis: Misa cuaresmal. Ave vivens hostia: Canto eucarístico, Ave viviente hostia.Cantica sacra: cantos sagrados. Iste confesor: Este confesor, himno para el oficio de los santos confesores. Redemtor omnium: Himno a Jesús nuestro Redentor. Prope est: salmo : Cerca está el día que hizo el Señor . Missa de Requiem en Do menor para orquesta, o coro y órgano etc.

            Franz Lachner (Rain, 1803-Munich, 1890) Compositor y director de orquesta alemán. Se formó en el ambiente vienés de Schubert y de Beethoven y fue maestro de capilla de la corte de Mannheim y director de la ópera de Munich. Lo más importante de su obra especialmente como director musical fue llevada a cabo en Munich acogido por Luis I donde convierte esta ciudad como centro musical de Alemania Su obra, abarca óperas, sinfonías, suites y música sacra entre sus obras religiosas destacan sus misas de Requiems.

            Felix Mendelssohn (Hamburgo, 1809 – Leipzig, actual Alemania, 1847) Compositor, pianista y director de orquesta alemán. Robert Schumann definió a Felix Mendelssohn como «el Mozart del siglo XIX, el músico más claro, el primero que ha sabido ver y conciliar las contradicciones de toda una época». Mendelssohn fue uno de los músicos más influyentes y destacados del romanticismo como autor de música religiosa  destacan sus dos Oratorios: Paulus y Elías bajo influencia evidente bachiana y Bruckner  tres misas y un Te Deum.

            Rober  Schumaan  nació en Zwickau, actual Alemania, 1810-Endenich, id., 1856) Compositor alemán. Tanto su vida como su obra lo convierten en uno de los paradigmas del Romanticismo musical alemán. Su obra supone una de las cumbres del romanticismo y destaca por el espléndido tratamiento del piano y de la voz.

            La mayor parte de su obra fue profana aunque ambién escribió música coral y religiosa (Requiem para Mignon, 1849; Requiem, 1952; los oratorios El Paraíso y la Peri, 1841-1843, y El peregrinaje de la rosa, 1851)

            Joannes Brahms (Hamburgo, 1833-Viena, 1897)  Es posiblemente uno de los grandes compositores musicales de la historia junto Bach y   Beethoven , Brahms que era agnóstico,  compuso una Misa de Requiem  réquiem sobre textos bíblicos, pero escogiéndolos de modo que se reflejaran mucho más los aspectos humanos de la muerte que los propiamente religiosos, por lo que supone una contribución muy especial al género, ya que no se trata de una misa de réquiem propiamente dicha.

 2.-Austria.

 Franz Schubert. (Himmelpfortgrund, actual Austria, 1797-Viena, 1828) Compositor austríaco. Nacido en las proximidades de la misma Viena.

            El lied para canto y piano, uno de los géneros paradigmáticos del Romanticismo, encontró en él a su primer gran representante.

            También compuso música religiosa como los Veintitrés salmos y el oratorio incompleto Lazarus.. El 1822 compuso la Misa en la bemol.  De 1828 la Misa en mi bemol mayor. La obra religiosa más conocida es su Ave María. Murió a los 31 años de edad a consecuencia de unas fiebres tifoideas.

            Anton Bruchner(Ansfelden, Austria, 1824-Viena, 1896) Compositor y organista austriaco. su padre compaginaba su profesión de maestro de escuela  con la de organista de la pequeña parroquia de su pueblo, el hijo parecía destinado a seguir la misma profesión, a la que se dedicó entre 1841 y 1855, su habilidad como intérprete le valió en 1856 el nombramiento de maestro de órgano de la catedral de Linz. En esta ciudad descubrió la música de Beethoven y Wagner,

            A partir de este conocimiento  Bruckner fue forjando un estilo definido y personal,  sus sinfonías son expresan el amor a la naturaleza y la profunda fe del compositor,  era un fervoroso católico, la novena sinfonía inacabada, según dijo  su autor. es  una obra de alabanza a Dios como creador del mundo, al tiempo que constituyen una original síntesis entre la más atrevida armonía romántica y la tradición contrapuntística más severa. Su obra ejerció una gran influencia sobre Gustav Mahler.

            Entre sus obras religiosas que en la actualidad suelen interpretarse en forma de concierto , están sus misas y entre ellas Misa en re menor,escrita en 1864, la segunda en mi mayor ,1866 y la tercera en fa mayor de 1867. Son también notables el Te Deum laudamus  para coro y orquesta de 1885; salmo  150 miserere mei Deus de 1892, más de 30 motetes entre se cuenta Locus iste y un Ave Maria.

            Hay recordar aquí que entre los pioneros de la innovación litúrgica se destacaron los austriacos abad Stadler y Simón Sechter, que fue profesor de Bruckner. Sus restos fueron enterrados en la Abadía de Sankt Florian, según dejó escrito el propio compositor.

 TORRE  EIFFEL PARIS

3.-Francia.

 Hector  Berlioz (La Côte-Saint-André, Francia, 1803 – París, 1869) Compositor francés. El Romanticismo tiene en Hector Berlioz una de sus figuras paradigmáticas.su vida novelesca y apasionada y su ansia de independencia se reflejan en una música osada que no admite reglas ni convenciones y que destaca, sobre todo, por la importancia concedida al timbre orquestal y a la inspiración extramusical, literaria, de ello no escapa su obra religiosa como su Misa de Requiem por su dramatismo e imaginación, el sentimental Tedeum y la ternura de la Infancia de Cristo.

            Berlioz que con su primera gran obra la Sinfonía Fantástica alcanzó el primer gran éxisto de su vida, sin embargo al final de sus días pudo ver el vacío en su propio país natal.

            Charles Gounod.(París, 1818-Saint-Cloud, id., 1893) Compositor francés. Hijo de una madre pianista, alumno del Conservatorio de París desde 1835, en 1839 le concedieron  el Gran Premio de Roma, lo que le permitió proseguir sus estudios en la capital italiana. Allí descubrió la música de los antiguos maestros polifónicos, en especial la de Palestrina, la cual iba a ejercer una profunda influencia sobre su producción religiosa.

            Entre su obra religiosa destacan, sus oratorios 1866: Tobie (c. 1866). 1871:Gallia.1878: Jésus sur le lac de Tibériade.1882: La rédemption.1883: Christus factus est.1884: Mors et vita, y numerosas misas, entre ellas la deliciosa Messe de Sainte Cecile de 1855. .

            El refinamiento y la inspiración de sus melodías, junto a la calidad de su escritura orquestal, hacen de sus obras las más apreciadas y representativas del repertorio galo.

            Cesar-Auguste-Jean-Guillaume-Hubert Franck, (Lieja, Bélgica, 1822-París, 1890) Compositor, organista y pedagogo belga, naturalizado francés. Ocupa un lugar privilegiado en la historia de la música francesa no sólo por el valor incuestionable de su producción, sino, sobre todo, por su decisiva influencia en toda una generación de compositores.

            En 1853 se le ofrece el cargo de organista en la iglesia de San Juan y San Francisco de Marais, la cual contaba con un magnífico y moderno instrumento. Durante cinco años Franck se concentró en esta labor y adquirió una notable predisposición tanto para la ejecución como para la composición de música para órgano.     En 1858 consigue hacerse con el puesto de organista en la iglesia de Santa Clotilde donde permanecerá durante toda su vida y fue donde dio lo mejor de sí como compositor, con una marcada y piadosa fe en Dios.

            Su profesión  de organista en una iglesia motivó su rica producción religiosa en la que destacan: En 1876 estrena su oratorio las Bienaventuranzas obra que le llevó casi diez años en su elaboración. 2 Misas 6 Obras corales sacras, destacando el Panis Angelicus,  Pan de Ángeles de carácter eucarístico.

            Gabriel Fauré (Pamiers, Francia, 1845-París, id., 1924) Compositor, pedagogo y pianista francés. Por la elegancia de su escritura, la perfección de la forma, la constante búsqueda de la belleza y su intenso melodismo, Gabriel Fauré es uno de los músicos franceses por antonomasia. Es también una de las figuras clave de la evolución de la música francesa desde el Romanticismo hasta la modernidad del siglo XX, representada por Claude Debussy y Maurice Ravel

            Fauré se inició en la música como organista en diversas parroquias de París, antes de que le fuera concedido el cargo de maestro de coro de la Madeleine en 1877. Primer organista de esta iglesia desde 1896, ese mismo año entró en el Conservatorio de París como profesor.

            Esto le dio ocasión para la composición  de alguna obra religiosa entre la que destaca su maravilloso Requiem  y una vivida Misa rezada del año 1907.

 TEATRO REAL DE MADRID.

4.-España.

            Entre 1856 y 1864 se produjo en España  una verdadera eclosión de las Sociedades Corales no sólo en Cataluña sino también en Aragón y Valencia, Bilbao, Burgos, Sevilla, Lugo, Estella, es dentro de este marco donde podemos encontrar algunos compositores románticos  y entre ellos algunos compositores de música religiosa, advirtiendo que el romanticismo religioso español no tuvo la altura que en otros países de Europa.

            Nombramos algunos de los autores sacros: Rodrigo de Ledesma maestro de la Capilla Real desde 1836 y que compuso sus Nueve Lamentaciones de Semana Santa en 1838. Obra ésta que seguramente no desconocerían Domingo Olleta o Antonio Lozano, autor de una popularísima Salve en la Zaragoza del novecientos.

.           Benigno Cariñena (muerto en 1886) fue infante de La Seo y después violinista de la misma Capilla. Lozano (Memoria Histórico-Crítica) cita sus misas de gloria, requiem, «que se ejecuta en los funerales de canónigo en ambas catedrales», miserere, lamentaciones, entre otras obras.

.           Martín Mallén Olleta, educado en Zaragoza organista y prolífico autor de música sacra (misas de gloria, lamentaciones, vísperas, un oficio completo de difuntos, motetes, etc. y otros autores ligados a la Capilla Real como José Lidon y el Salamantino Manuel José Doyagüe.

 

GIUSEPPE VERDI.

5.-Italia.

 Algo similar a lo ocurrido en España es lo que sucedió en Italia con relación a la música religiosa. Es la opera del siglo XIX quien hará del romanticismo italiano el centro del romanticismo europeo, Rosini ,Verdi y Puccini contribuyeron a sacar el arte musical italiano del bache en el que se encontraba.

            En el campo de la composición religiosa Rosini es autor de un estupendo Stabat Mater Dolorosa Iuxta crucem lacrimosa  y una deliciosa misa  Pequeña Misa.

            La obra religiosa de Verdi es un Requiem bellísimo dedicado al poeta Manzoni y de 1898 y cuanto piezas sacras.

 PAISAJE ROMANTICO DE J. P. VILlAMIL. ESPAÑA.

6.- Otros compositores románticos.

(Antonin o Anton Dvorak; Nelahozeves, 1841 – Praga, 1904) Compositor checo. Hijo de un mesonero, ya desde niño demostró disposición para la música. Inició sus estudios en Zlonice en 1853 y los prosiguió en Praga durante el período 1857-59. Luego tocó la viola en una orquesta hasta 1871. Al mismo tiempo emprende su actividad de compositor. El primer éxito alcanzado en este ámbito fue un Himno con texto de Hálek (1873); gracias a tal obra obtuvo el cargo de organista de la iglesia de San Etelberto, que conservó hasta 1877.

            De este periodo son sus composiciones religiosas Stabat Mater, Misa en “re”, Réquiem y Te Deum, que deben de figurar entre las páginas más intencionadas e inspiradas de toda la música religiosa europea del XIX.

            De sus estancia en Nueva York  por el 1895 son sus las Biblické pisne (Canciones bíblicas).

            Franz Liszt. (Raiding, actual Hungría, 1811-Bayreuth, Alemania, 1886) Compositor y pianista húngaro. Su vida constituye una de las novelas más apasionantes de la historia de la música. Virtuoso sin par, durante toda su trayectoria vital, y sobre todo durante su juventud, se rodeó de una aureola de artista genial, violentamente escindido entre el arrebato místico y el éxtasis demoníaco.

            Sin embargo, en la última etapa de su vida, dominada por un profundo sentimiento religioso que le llevó a recibir en 1865 las órdenes menores y a escribir una serie de composiciones sacras entre las que brillan con luz propia los Oratorios La leyenda de santa Isabel de Hungría y Christus, el fue  quien llenaría los templos del catolicismo con  sus misas como la de la coronación del rey de Hungría y la Misa de Gran. Unió la tradición y el fervor romántico. A partir de esta época .comenzó a ser conocido como el Abate Liszt.

 CATEDRAL DE SANTIAGO DE CUBA.

7.- Algunos compositores del siglo XIX en América.

Francisco Manuel da Silva (1795-1864)  Compositor y profesor brasileño nacido en Río de Janeiro.. Su mayor mérito fue la fundación del Conservatorio de Río de Janeiro, que dio origen a la actual Escola de Música da Universidade Federal do Rio de Janeiro (UFRJ). También fue director del Teatro Lírico Fluminense, después transformado en la Ópera Nacional. Entre sus composiciones religiosas, todas ellas de gran originalidad destacan, un Tedeum la Misa Ferial y la Missa em mi bemol. Es autor del himno nacional brasileño, considerado como uno de los más bellos del mundo.

            André da Silva Gomes, nacido en Lisboa el 15 de diciembre de 1752 y murió en Sao Paulo el 16 de junio de 1844 , fue un más bien clasicista .

            La obra de André da Silva Gomes llega alrededor de 130 partituras  André da Silva Gomes, se revela como un magnifico compositor con influjos europeos.  Entre sus composiciones encontramos antífonas, himnos religiosos , varias misas , entre ellas algunas de requiem  así como composiciones propias de los Oficios de Semana .

.            La Misa a 5 voces  que data del último cuarto del siglo XVIII pertenece al periodo de plena madurez del autor, al que su dedicación como maestro de capilla llenaba todo su tiempo.

            José Maurízio Nunes García era un mulato y sacerdote que trabajó para el rey Juan VI de Portugal, mientras éste estuvo en Brasil, y para el emperador Pedro I.

            Se le ha considerado el mejor músico brasileño del momento. En 1798 ocupó el cargo de maestro de capilla de la catedral de Rio de Janeiro

            En 1808, con la llegada de Juan VI a Brasil, José Maurízio es nombrado maestro de la capilla real y prontamente mostró sus excepcionales dotes para la improvisación. Compuso 237 obras sagradas, profanas, corales e instrumentales hasta 1826.

            Esteban Salas y Castro (La Habana, 1725-Santiago de Cuba, 1803) Compositor cubano. Fue maestro de capilla de la catedral de Santiago (1764-1803). Su producción, perteneciente a la escuela napolitana, comprende siete misas, diecisiete salves y motetes, salmos, himnos, villancicos y autos sacramentales

            Antonio Raffelín. Compositor. Cataluña, España, 1796-1882. (En algunos textos lo dan como nacido en La Habana) Fundó y dirigió la publicación Journal Músico en la Habana de 1822.

             En 1836, tras la muerte de su madre, viajó a París donde ya se conocía su música. Volvió a La Habana en 1849, y continuó sus actividades musicales. Pasó después a vivir en Filadelfia y allí editó una revista musical,”Lira Católica”. Compuso básicamente música religiosa.

            En 1862 viajó a Roma, donde ofreció una misa al Papa Pío IX

            Autor de tres sinfonías, un Cuarteto, demás  de varias misas , motetes e himnos antifonales. Su obra se encuentra en archivos de Estados Unidos, e incluye, además de las citadas, “El Cubano” (vals); “Marcha Fúnebre” y un “Ave María”.. Se le considera enlace musical entre los siglos XVIII y XIX.

 

         Así terminamos  este recorrido por la música religiosa  romántica en el a pesar de faltar algunos nombres hemos podido comprobar que también en este tiempo la fe cristiana fue motivo de inspiración para los mejores compositores del siglo XIX.

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sanchoamigo

 

 

 

 

 

 

 

 

 

             

 

LA MÚSICA  DEL CLASICISMO EN EUROPA Y AMÉRICA.

1.-INTRODUCCIÓN.

            Al iniciar el estudio de la música en la época clásica o neoclásica no es del todo impropio situarla dentro del arte neoclásico en general  señalando algunas de sus coincidencias, este arte  alcanzó su máximo desarrollo en los siglos XVIII y  XIX.

            En lo que se refiere al clasicismo musical o período clásico comienza aproximadamente en  1750 y termina alrededor del 1820 a estos parámetros temporales nos vamos  ceñir en  nuestro tema.

 NEOCLASICISMO. SALVADOR MAELLA. ESPAÑA.

Tal situación temporal nos lleva de la mano hacia otros acontecimientos distintos del artístico que se desarrollaron también durante este tiempo y en los mismos ámbitos espaciales: Europa y América, de estos acontecimientos posiblemente el que mejor define el espíritu de los siglos XVIII y XIX es el del movimiento ilustrado, por eso hay quienes definen el arte neoclásico como la traducción al campo del arte del pensamiento de la Ilustración.

            También el fenómeno ilustrado tuvo sus repercusiones en el campo de la música.

            Posiblemente el clasicismo musical no coincide con el movimiento neoclásico en general por su  tendencia muy acusada de vuelta a la antigüedad clásica, greco-romana, entre otras cosas porque las obras llegadas del  periodo de esta antigüedad fueron más bien escasas, lo que no ocurrió en otras artes como la literatura, la arquitectura etc.

 ORQUESTA SINFÓNICA.

2.- CARACTERÍSTICAS PRINCIPALES EN GENERAL.

 2.1.- Características musicales.

La música clásica se  caracteriza por la búsqueda de la perfección en la obra tanto en el  fondo como en la forma y en su contenido.

En la mayor parte de los casos es música pura, sin recurso a la voz humana, algo que como excepción  se da sólo  en la música religiosa.

Es una música realista y objetiva pues como se ha dicho más arriba va buscando la perfección técnica y no tanto las repercusiones subjetivas en el oyente a no ser que las mismas nazcan de su prefección artística.

Dada la época en la que se desarrolla es una música, por un lado cortesana, son las cortes reales y episcopales sus principales mecenas, pero también aparece una música a demanda de la burguesía lo que irá dando pie amla idependencia de los compositores. Es una música alegre, solemne a veces y siempre sobresaliente por su vituosismo.

La textura musical , es decir la forma como se van entrelazando los instrumentos como si fuera el tejido de un lienzo es la homofónica que es aquella  en la que  varias melodías de distinta altura, pero que avanzan con un ritmo igual

Los tres ingredientes  fundamentales de la música, el ritmo, la melodía y la armonía tienden a equilibrarse de forma que ninguno de ellos sobresalga sobre los demás.

COMEDOR DE LA CASA DE MOZART. AUSTRIA.

2.-2.-Instrumentos y formas.

 Este es un periodo  en el que nace y se afianza la orquesta  en ella queda claramente establecida la sección instrumentos de madera (madera y metal es por la clase de boquilla de los instrumentos originales, no por el material en sí del instrumento) a 2, esto es 2 flautas traveseras, 2 oboes, 2 clarinetes y 2 fagotes. Además de los de metal: 2 trompetas, entre 2 y 4 trompas y ocasionalmente 1 trombón.

            Desaparecen otros instrumentos   como la viola da gamba, el clavicordio, la dulzaina, el laúd. El piano se impuso sobre el clave de tal forma que pasó a ocupar un lugar central en la música de cámara e incluso conciertos solistas.

De las formas antiguas tienden a desparecer la suite,el preludio,el concierto grosso, la cantatas, la toca y fuga, sin embargo sobreviven las variaciones, la obertura y la ópera con gran esplendor.

Las formas musicales propias del clasicismo son la Sonata moderna o clásica, la sinfonía y el concierto instrumental.

JESÚS BAJADO DE LA CRUZ Y PUESTO EN LOS BRAZOS DE SU MADRE.

3.-LA MÚSICA RELIGIOSA.

Dentro del periodo clásico la música religiosa no tuvo ninguna preeminencia especial, ni la ideología, ni el gusto de la burguesía, ni del pueblo favorecían su desarrollo, sin embargo esta música no estuvo ausente en la época que historiamos y precisamente los principales autores del periodo fueron quienes se ocuparon de la composición de algunas obras. De esta nos ocupamos directamente y de acuerdo a este esquema:

1.- Formas de la música religiosa clásica.

2.-Autores y obras.

CORO DE LA CATEDRAL DE TOLEDO.

1.- FORMAS DE LA MÚSICA RELIGIOSA CLÁSICA.

En cuanto  a las formas musicales se seguirán   creando prácticamente los mismos géneros: Entre ellos la misa, y de forma especial las misas por defuntis o de Requiem.

            Se continúan componiendo y perfeccionando los  oratorios, Te Deum, Magnificat, Stabat Mater, y Motetes, Ave Marias, Salve Regina, composiciones para los oficios divinos: maitines y vísperas.

 2.-AUTORES Y OBRAS.

 Con relación a los autores nombramos únicamente a los compositores de alguna obra religiosa, dentro del periodo que va  más menos del 1750 al 1820, distribuyéndolos por países.

1.- Italia.

  ANDREA LUCA LUCHESI             

 Andrea Luca Luchesi ( 1741-1801) fue un organista y  compositor de música tanto profana como religiosa, autor muy prolífico pero prácticamente olvidado después de su muerte, entre sus composiciones  religiosas sobresale  la misa de Requiem para los funerales del Montealegre embajador de España en Venecia. 1771.

             Luigi Bocherini.(1743-1805) Autor prolífico, se le deben un Stabat Mater : Stabat mater dolorosa juxta crucem lastimosa dum pendebat filius: “Estaba la madre dolorosa junto a la cruz lastimosa en la que pendía el hijo.”(1781), veintiséis sinfonías, entre las que destaca la subtitulada La casa del diablo, ciento quince quintetos y ciento dos cuartetos.

2.-Austria.

 Leopold Mozar, 1719- 1787) Violinista y compositor austríaco. Padre de W.A. Mozart. Subdirector  de Capilla del Arzobispo de Salzburgo. Es autor de  música sacra, destacando la Litaniae de venerabili sacramento. Nacido su hijo toda su vida giró en torno a su educación y promoción.

            Wolfgang Amadeus Mozart (1756 -1791) Compositor austriaco. Franz Joseph Haydn manifestó en una ocasión al padre de Mozart, Leopold, que su hijo era «el más grande compositor que conozco, en persona o de nombre». El otro gran representante de la trinidad clásica vienesa, Beethoven, también confesaba su veneración por la figura del músico salzburgués, mientras que el escritor y músico E. T. A. Hoffmann consideraba a Mozart, junto a Beethoven, el gran precedente del romanticismo, uno de los pocos que había sabido expresar en sus obras aquello que las palabras son incapaces de insinuar siquiera.

            En cuanto al Mozart religioso su música  suma 20 misas, entre ellas la Misa de la Coronación y un breve motete, Ave Verum: Ave verum corpus natum ex Maria Virgine. Salve verdadero cuerpo nacido de la Virgen María”

            Compuso la mayor cantidad de sus misas en Salzburgo, pero es en Viena en donde termina una de las mejores obras sacras: la Misa en do menor.  Sonatas da Chiesa y diversos oficios de la Iglesia católica como  Exultate Jubilate K 165 de 1773; Vesperae Solemnes de Confessor, K 339, 1780 -5º Mov. Laudate Dominum y el oratorio La Betulia Liberata.

            También compuso el famoso  Réquiem, o Missa pro defuntis de la que son suyas  el Introito : Requien aeternam dona eis Domine et lux perpetua luceat eis.  La secuencia del evangelio : Dies  irae dies  illa qua resurget et favilla…la cual terminó por completo dejando sin terminar el resto de las partes: El sanctus, el agnus Dei, etc la muerte en 1791 le impidió terminar esta misa.

 HAYDN POR  THOMAS HARDY 1792          .

Franz Joseph Haydn. ( 1732 , 1809) Compositor austriaco. Haydn es el tercer gran representante del clasicismo vienés junto con Mozart  y Beethoven. Sin la obra de éste posiblemente el genio de los dos anteriores no hubiera alcanzado su culmen. Además de que con él se abrieron paso la sinfonía y la sonata clásica, la culminación del oratorio religioso llego de la mano de Haydn en la Creación y Las Estaciones.

             Hohamn Georg Albrechtsberger ( 1736-1809) Se dedicó principalmente a la música religiosa, llegando a escribir veintiséis misas, gran número de preludios y fugas para órgano; oratorios. En su tiempo su mayor fama se debió a su faceta de teórico de la música y a su labor de profesor, Beethoven fue alumno suyo.

                Franz Xaver Süssmayr ( 1766-1803) Alumno de Salieri  amigo de Mozart que era 10 años mayor que él, compuso oratorios y misas  y un Ave Maríay sobretodo parece que terminó la misa de Requiem de Mozart componiendo el Sanctus, Benedictus y Agnus Dei.

 3.-Alemania.

 Johann Peter Salomon ( 1745-1815)  Pasó gran parte de su vida en Inglaterra, tuvo una gran relación con la obra de Haydn, a quien sugirió la composición de su dos oratorios el mismo  escribió el oratorio Hiksias

  BEETHOVEN POR  JOSPH KARL STIELER. 1820     

Ludwig van Beethoven ( 1770-1827). Beethoven es el nexo de unión entre el clasicismo y el romanticismo musical, tiene poca obra religiosa pero esta poca goza de la misma genialidad que el resto de su obra.

            Compuso  dos Misas: En do mayor Op. 86 (1807) y la Missa Solemnis en Re mayor, Op. 123 (1819-1823) , además del oratorio Cristo en el Monte de los Olivos. (1803).

            La Missa Solemnis fue compuesta para la investidura del archiduque Rodolfo como Arzobispo fr Olmütz . El lema que vaya de corazón a corazón simboliza la apelación de Beethoven a la humanidad y al mundo en lugar del para la mayor Gloria de Dios , barroco.

            El  Et homo factus est  del credo se convierte en profesión de fe en la dignidad del hombre. La Encarnación de Dios es la máxima realización de la naturaleza humana, desde el punto de vista musical esta exaltación culmina de una forma similar al de la liberación y exaltación del hombre en el Sibelius.

 4.- España .

 Gaetano Brunetti  ( 1744-1798) Violinista italiano pasó la mayor parte de su vida en España al servicio de los reyes Carlos IIIy IV, además de sus numerosas obras profanas  compuso 3 Lamentaciones,  1 Salmo y 1 Misa.

                Vicente Martín  y Soler.( 1754-1806) Nacido en Alicante, España, sobresalió por su obra profana, especialmente operas, escribió también música religiosa.

 CARLES BAGUER.          

Carles Baguer ( 1768.1808) Nacido en Barcelona, fue compositor y organista de la catedral de Barcelona, esto explica su fecundidad religiosa, la enumeramos a continuación:

            “Fratres sobri estote : hermanos sed sobrios”, completas a 4 voces y acompañamiento .Kiries y Gloria a 4 voces y acompañamiento Magnificat a 4 voces y acompañamiento Misa a 4 voces y acompañamiento Misa a 2 ó a 3 voces, con acompañamiento Misa a 4 voces y acompañamiento Misa a 4 voces y acompañamiento, sobre el thema “Gaudont in coelis Misa a 8 voces y acompañamiento. Ofertorio, para voz y órgano Preludio al tercer salmo de nona ,para órgano y tres voces. Vamos presto a el Niño: Coro y Aria de tenor.Versos del 6 º, tono para el “Agnus Dei, para voz y órgano Versos del 6 º. to para el “Sanctus”, para voz y órganoVillancico a 4 voces y acompañamiento.

            Tiene también abundante obra profana.

            Juan Crisóstomo de Arriaga ( 1806-1826) A pesar de su corta vida, sólo 19 años, compuso  una relativa grande obra, se le ha denominado el Mozart español. Entre su obra religiosa destaca su Stabat mater dolorosa…

 5.-América.

 LÁPIDA  SEPULCRAL DE ESTEBAN SALAS.

Esteban Salas Montes de Oca. ( 1725-1803) Fue un sacerdote nacido en la Habana, organista de la Catedral de Santiago de Cuba, su obra exclusivamente religiosa es la siguiente:

            Siete Misas. Y 17 salves y motetes, salmos, himnos y autos sacramentales: Tota Pulcra. Christus factus est (antífona) Passio Domine Nostri Jesuchriste secundum Joannem.. Venite adoremos.Deus in adjutoriumPueri Hebraeorum Gloria, laus et honor .Ingrediente Domino Officium Hebdomadae Sanctae (Oficio de Semana Santa, conjunto de 21 piezas), 1765 Popule meus (a 3 voces y continuo) Parce mihi domine ¡Oh niño soberano!  Es autor asimismo de numerosos villancicos.

            José Mauricio Nunes García. ( 1767-1809) Natural de Río de Janeiro , organista de su catedral, además de algunas obras profanas escribió las siguientes obras sacras:

            Tota pulchra es Maria (1783); Ecce sacerdos (1798); Bendito e louvado seja (1814 e 1815); Christus factus est (1798?); Miserere para Quarta-feira de trevas (1798); Libera me (1799); Missa de Réquiem (1799); Ofício de defuntos (1799); Judas mercator (1809); Matinas da ressurreição (1809?); Missa de Requiem (1809); Missa de Réquiem (1816); Missa de Santa Cecília (1826).

            José Manuel Aldana  ( 1758-1810) Compositor Mejicano  De este  compositor se conservan en la Catedral de México y en la Iglesia de Santa Rosa de Morelia,( antigua Valladolid)  himnos y cánticos, jaculatorias, un himno a San Felipe, “versos de Tercia” con órgano obligado y acompañamiento de orquesta, es el máximo representante de la música clásica en América, La Nueva España.

                Manuel Arenzana (c. 1762 -1821) Compositor Mejicano, es un claro representante del clasicismo americano, maestro de capilla de la Catedral de Puebla, donde se encuentran la mayor parte de sus obras, tanto profanas como religiosas. Estas sumaron cerca de cien entre ellas  todas las compuestas para el Oficio de Maitines en honor de Nuestra Señora de Guadalupe, más de diez.

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 sanchoamigo

IGLESIA BARROCA DEL JESÚ. ROMA.

PASIÓN SEGUN SAN JUAN. DE BACH. PINCHE REPRODUCIR.

LA MÚSICA DEL BARROCO EN EUROPA Y AMÉRICA.

En la exposición del tema seguiremos el siguiente esquema:

 1.-Introducción.

2.-Características generales de la música del barroco.

3.-Formas musicales del barroco.

4.-Los instrumentos musicales en el barroco.

5.-Formas de la música religiosa en el Barroco.

6.-Principales autores y obras en Europa y América.

Archivo:Ecstasy St Theresa SM della Vittoria.jpg

ÉXTASIS DE SANTA TERESA DE ÁVILA. ESPAÑA.BERNINI.

1.-INTRODUCCIÓN.

            El barroco desde el punto de vista musical comprende el siglo XVII y los comienzos del siglo XVIII,  hay que decir que el barroco musical se desarrolla en el  tiempo de una forma muy similar al llevado a cabo en otras artes como la arquitectura, la escultura, la pintura y a la vez con unas características comunes entre todas estas artes

            .    Entre las características generales del arte barroco están su sentido del movimiento, la energía y la tensión. El naturalismo es otra característica esencial del arte barroco; las figuras no se representan como algo sometido a un estereotipo o modelo sino de manera individualizada, con su personalidad propia.

            Los artistas buscaban la representación de los sentimientos interiores, las pasiones y los temperamentos, magníficamente reflejados en los rostros de sus personajes. La intensidad e inmediatez, el individualismo y el detalle del arte barroco hicieron de él uno de los estilos más arraigados del arte occidental.

            Es uno de los periodos más ricos, fértiles, creativos y revolucionarios de la historia de la música.

Organo de la Catedral de Toledo

 ÓRGANO DE LA CATEDRAL DE TOLEDO.

2.-CARACTERÍSTICAS GENERALES DE LA MÚSICA DEL  BARROCO.

 Desde el punto de vista musical estas características aparecen tanto en las técnicas y cualidades de la música  predominantes en este periodo como en las nuevas formas musicales.

            Entre estas cualidades y técnicas musicales señalamos las siguientes:

            1.- El cromatismo palabra del  griego Khromatikos,  que indica la calidad de cromático, relativo a los colores. Este término literalmente significa “efecto del color”, y es usado tanto en música como en pintura. En la música  cromatismo es la técnica que establece como necesario el uso de las notas intermedias de la escala, o semitonos El cromatismo afecta la melodía, y al introducirse en los acordes, da lugar a los llamados ” alterados”, importantes como efectos expresivos.

            ¿ Por qué se utiliza en música un término que etimológicamente es algo relativo a los colores? Porque en ambos casos tanto los colores como los sonidos tienen en su origen  relación las ondas bien visuales o bien auditivas.

            2.La expresividad una cualidad  que   utilizó  el poder de los sonidos para suscitar emociones como un medio auxiliar del lenguaje para atrapar al oyente y transportarlo al estado emocional sugerido por el texto.

            3.-La intensidad de los sonidos que hace referencia a su fuerza o debilidad. La música del barroco utilizó la intensidad de los sonidos para crear fuertes contrastes de una forma similar como en pintura y arquitectura se intensificó el uso de las líneas curvas . La intensidad musical desde el punto de vista de la acústica la intensidad depende de la amplitud de las vibraciones.

            4.- El bajo continuo  es un sistema de acompañamiento a base de acordes, el compositor componía la voz del bajo y los intérpretes debían improvisar los acordes, el bajo continuo cumplía también la función de  marcar el ritmo a los distintos instrumentos  a los que acompañaba, generalmente una viola da gamba, un violonchelo, un contrabajo, fagot etc.

            5.-El bajo cifrado. Es el mismo que el bajo continuo pero conteniendo números para guiar a los intérpretes en los  acordes sobre los que debían improvisar.

PARTITURA DE BAJO CONTINUO CIFRADO.

 3.-FORMAS MUSICALES DEL BARROCO.

 En el periodo barroco aparecieron nuevas formas musicales  entre las mismas se encuentran las siguientes:

            1.-Opera. Es un género en el que conviven juntos el drama, la poesía, las artes escénicas, la danza y la música. La música interviene activamente en el desarrollo del argumento de la ópera describiendo los ambientes en los que se desarrolla el drama, fijando el carácter de cada uno de los personajes etc.

            2.-Oratorio. Es una forma musical que tiene algunas cosas comunes con la ópera, por ejemplo un texto  argumental de carácter narrativo en este sentido es también un drama  pero sin representación escénica, en la que intervienen voces solistas, coros, orquesta y órgano.

            3.-Cantata. La cantata es otra forma musical del barroco también en alguna medida emparentada con la opera y el oratorio, en el sentido de que la música estaba al servicio del argumento del texto, en ella participaban también solistas, coros, pequeñas áreas, solos de instrumentos.

            4.-Sonata.  Es una forma que se caracteriza por ser tripartita y bitemática, es decir, que se divide en tres partes, que generalmente son: la primera movida, la segunda lenta, y la última movida nuevamente. Y con respecto a que es bitemática, significa que se toma un motivo o idea principal que se va tratando a lo largo de la obra, intercalado con un motivo secundario.
Generalmente se la llama sonata cuando es una obra para uno o dos instrumentos como por ejemplo para piano,o para clarinete y piano.

            5.-Tocata. La tocata es una forma musical libre de carácter variable y pensada para ser ejecutada por un instrumento de teclado. Nació en Italia, hacia el final del S.XVI y  a través del siglo XVII fue adoptando diversas formas

            Puede constar de varios tiempos de carácter diverso, ya sea de movimiento vivo y llena de virtuosismo, como de movimiento lento y expresión suave y apasionada pudiendo terminar con una fuga. Compuesta así la Tocata, puede confundirse con la Sonata.

            6.-Fuga. La fuga se desarrolla en un solo movimiento. En esencia se basa en la técnica de la imitación. La fuga es una obra para varias voces (3-4), con una estructura compleja que básicamente consiste en la reaparición constante de un tema o melodía principal, llamado sujeto, acompañado de otros temas secundarios. Al final de la fuga las voces terminan juntas en un final común.

            7.-Suite. Es un conjunto de movimientos o piezas de danza agrupados. Generalmente suele estar compuesta de seis movimiento La música de las suites suele ser aristocrática, vigorosamente rítmica y melódicamente rica.

            8.- Concerto grosso. Un concierto  en general y en  esencia, consiste en una pieza en varios movimientos en la que uno o varios solistas dialogan con una orquesta (concertino y ripieno respectivamente). Cuando son varios los solistas,) el concierto se denomina concerto grosso. El número de movimientos que suele tener el concierto barroco es tres, según la rápido-lento-rápido.

            9.- Sinfonía., de ordinario dividida en cuatro movimientos, cada uno con un tiempo y estructura diferente. La forma de la sinfonía ha variado con el tiempo. En la sinfonía los instrumentos se agrupan por familias, como el viento, el metal, cuerda, percusión, la base instrumental de la sinfonía son los instrumentos de cuerda (violín, viola, violonchelo y contrabajo) en torno a ella se añadirán: flautas, oboes fagots, ocasionalmente trompetas, trombones y con el tiempo se unió a los instrumentos la voz humana tanto individual como coral  El tamaño de la orquesta necesaria para interpretar una sinfonía, en general, consta como  mínimo 80 instrumentos   pudiendo llegar, en muchos  casos, a los 100.

ORQUESTA SINFÓNICA BARROCA. MADRID. ESPAÑA.

 4.-LOS INSTRUMENTOS DEL BARROCO.

 En el Barroco se producirá un gran avance en  la música instrumental que se igualará en importancia a la música vocal. El gran impulso dado a la música instrumental fue debido al desarrollo técnico de los instrumentos, sobre todo del  violín, que se convertirá en protagonista de la orquesta por su agilidad, su volumen y posibilidades técnicas.

            Otros instrumentos también mejoraron como la flauta, el oboe, el clave, que se convertirá en uno de los instrumentos más populares, tanto en faceta solística, como en su papel de instrumento fundamental en la interpretación del bajo continuo. Otro de los instrumentos que alcanzaron un gran desarrollo fue el órgano,  fundamental en el campo de la música religiosa, tanto como solista como para el bajo continuo.

CORO BARROCO DE LA CATEDRAL DE SEVILLA. ESPAÑA.

5.-FORMAS DE LA MÚSICA RELIGIOSA EN EL BARROCO.

 La música religiosa en el barroco no fue ajena a las formas musicales profanas del barroco.

            Durante este periodo siguieron cultivándose la misa, el motete, los magnificats etc y en general la polifonía del periodo anterior. Refiriéndonos a la polifonía vocal encontramos que a ésta se unen grupos de cuatro o más coros hasta llegar al extremo de la composición de misas a 48 y 52 voces. (Agostino. Y Benéboli)

            Pero además, se cultivaron de forma especial las nuevas formas, entre ellas  el oratorio, la cantata y el oratorio centrado en la narración de la pasión del  Señor., la llamada Passio.

            Como dijimos anteriormente estas formas estuvieron emparentadas tanto en lo profano como en lo religioso con la opera en el sentido de que la música se incorporó como un elemento propio del drama, en el caso de la música religiosa con el drama o la narración de los misterios de la vida del Señor,  nacimiento, pasión resurrección, de la virgen y de los santos especialmente mártires, aunque con composiciones más sencillas y sin la utilización de las escenografías dentro de los templos.

            Estas formas musicales se pueden agrupar en tres diferentes: únicamente vocales, el solo acompañado de algunos instrumentos, y el estilo concertante de voces e instrumentos conjuntados.

            Con relación a la música religiosa  hemos de constatar que en el barroco se afianzó la división de la Iglesia con la aparición del protestantismo y la celebración del Concilio de Trento.

            La liturgia protestante utilizó desde sus comienzos la música como un elemento central de sus celebraciones, favoreciendo la participación del pueblo y la lengua vernácula para el canto.

            La música en las celebraciones litúrgicas católicas muestran el optimismo y gozo derivados de la fe  que se vio  afirmada y renovada  en el concilio de Trento, algo que se manifestó igualmente en todas las artes especialmente en la arquitectura, pintura y escultura.

ANTONIO VIVALDI. ITALIA.

6.-AUTORES Y OBRAS DE LA MÚSICA RELIGIOSA.EN EUROPA Y AMÉRICA.

1.-ITALIA.

            Giuseppe Torelli Verona, actual Italia, 1658-Bolonia, id., 1709) Compositor, violinista y pedagogo italiano. Del conjunto de su producción, eminentemente instrumental,  sobresalen 12 Concerti grossi con una pastorale per il Ss. Natale Op. 8 (1709).

            Claudio Monteverdi 1567-1643) es el primer gran compositor del Barroco que inauguró el nuevo género operístico en Italia y Europa.

            En 1613 Monteverdi fue nombrado maestro de coro y director de la catedral de San Marcos de Venecia, Desde ese momento compuso motetes, y misas. Para componer música religiosa Monteverdi utilizaba gran variedad de estilos que iban desde la polifonía de su Misa de 1610 a la música vocal operística de gran virtuosismo y las composiciones corales antifonales La obra Selva morale e spirituale, publicada en 1640, es un enorme compendio de música sacra donde vuelve a apreciarse toda la gama de estilos que utilizaba Monteverdi.

            Arcángelo Torrelli. (Fusignano, Italia, 1653 – Roma, 1713) C

Corelli fue el primer compositor que alcanzó la fama musical sin dedicarse a la música cantada. En 1681 publicó su primera colección de sonatas en forma de trío, destinadas a tocarse en iglesia, al igual que la tercera (1689). Su obra alcanza la madurez del estilo barroco italiano, con la culminación del concerto grosso y la composición de la forma sonata preclásica, que tan importante iba a ser a lo largo del siglo XVIII.

            Antonio Vivaldi. Compositor y violinista italiano, el más influyente de su época Nació el 4 de marzo de 1678 en Venecia, estudió con su padre, violinista en la catedral de San Marcos. Se ordenó sacerdote en 1703, lo llamaban il prete rosso (el cura pelirrojo), y comenzó a enseñar en el Ospedale della Pietá que era un conservatorio para niñas huérfanas. Falleció en esta ciudad el 28 de julio de 1741.

            Vivaldi escribió más de 500 conciertos y 70 sonatas, 45 óperas, música religiosa como el oratorio Juditha triumphans (1716), el Gloria en re (1708), misas y motetes. Su  música religiosa a menudo refleja el estilo operístico de la época y la alternancia de orquesta y solistas que ayudó a introducir en los conciertos.

            Tomaso Albinoni ( 1671-1751) Durante su vida obtuvo algún éxito aaunque con el paso del tiempo cayó en el olvido.

            En 1704 aparecieron sus seis  sonatas de iglesia para violín y violoncelo, y entre 1707 y 1722 escribió treinta y seis conciertos, que fueron recopilados en una sola edición. En ellos se adscribe a la tradición del concerto grosso que por los mismos años desarrolló Marcelo bajo la influencia de Corelli, combinando al mismo tiempo dicha tradición con las innovaciones expresivas de su también contemporáneo Antonio Vivaldi.

            Domenico Escarlati.1685-1757)  Hijo de Alessandro de Escarlatti a quien siguió durante su juventud como compositor de óperas , aunque  ocupa en la historia de la música una posición intermedia entre el gran estilo contrapuntístico barroco y el espíritu más sencillo y ligero del posterior período galante, sobre todo por sus más de quinientas sonatas para clave y música sacra. Murió en Madrid donde vino por motivos del matrimonio de Bárbara de Braganza a cuyo servicio estuvo en Portugal, con el príncipe heredero del trono español Fernando.

 JOANN. SEBASTIAN. BACH.

2.-ALEMANIA.

             Heinrich Schütz. (1585-1672). Dentro de la música alemana, ocupó en la historia musical de su tiempo un puesto similar al de Monteverdi. Marchó a Italia y allí llegó a conocer a fondo el estilo vocal italiano y se inició en la práctica de la policoralidad,

            Fue un músico compositor  especialmente de música religiosa  De su producción en este campo destacan los Salmos de David, publicados en 1619 y escritos según el modelo policoral establecido por su maestro Gabrieli, tres libros de Symphoniae sacrae (1629, 1647 y 1650), dos volúmenes de Pequeños conciertos espirituales (1636 y 1639) y, ya en los años finales de su vida, tres  Oratorios de Pasiones (1666).

            Dietrich Buxtehude ( 1637-1707) Fue uno de los organistas más célebres del barroco alemán, durante la mayor parte de su vida fue organista de la Iglesia de santa María de Lubeck, lo que hizo que su obra musical fue especialmente música religiosa .

            Con él la música religiosa luterana alcanzó un esplendor similar  a la polifonía de la música católica. La mayor parte de su obra es de carácter vocal, corales, cantatas y  también piezas para órgano que hicieron de él el mejor compositor luterano del siglo XVII.

            Johann Joseph Fux. (1660-1741) Compositor austriaco, estuvo en Italia donde se relacionó con autores polifónicos, fue maestro de la Iglesia de san Esteban, la mayor parte de su obra es de carácter religioso Escribió 25 obras para teclado, 63 sonatas a 3, 15 sonatas a 4, 15 sonatas de orquesta, 110 misas y fragmentos de misas, 64 vísperas y salmos, 24 letanías, 6 Te Deum, 200 composiciones religiosas menores, 15 oratorios y 21 óperas.

            La obra de Fux representa la cúspide del Barroco austríaco y le supuso, incluso en vida, una fama europea. Su estilo está marcado por un fuerte tradicionalismo (escritura polifónica) y al mismo tiempo ofrece rasgos más modernos (estilo napolitano).

            Johann Sebastian Bach ( 1680- 1750) Compositor alemán. Considerado por muchos como el más grande compositor de todos los tiempos, Johann Sebastian Bach nació en el seno de una dinastía de músicos e intérpretes que desempeñó un papel determinante en la música alemana durante cerca de dos siglos y cuya primera mención documentada se remonta a 1561. Hijo de Johann Ambrosius, trompetista de la corte de Eisenach y director de la música de dicha ciudad, la música rodeó a Johann Sebastian Bach desde el principio de sus días.

            Su   carrera  musical puede dividirse en varias etapas, según las ciudades en las que el músico ejerció: Arnstadt (1703-1707), Mühlhausen (1707-1708), Weimar (1708-1717), Köthen (1717-1723) y Leipzig (1723-1750).

            En las dos primeras poblaciones, sobre todo en Mühlhausen, sus proyectos chocaron con la oposición de ciertos estamentos de la ciudad y las propias condiciones locales, en Weimar encontró el medio adecuado para el desarrollo de su talento.         Nombrado organista de la corte ducal, Bach centró su labor en esta ciudad sobre todo en la composición de piezas para su instrumento músico: la mayor parte de sus corales, preludios, tocatas y fugas para órgano datan de este período, al que también pertenecen sus primeras cantatas de iglesia importantes.

            En 1717 Johann Sebastian fue nombrado maestro de capilla de la corte del príncipe Leopold de Anhalt, en Köthen, uno de los períodos más fértiles en la vida del compositor, durante el cual vieron la luz algunas de sus partituras más célebres, sobre todo en el campo de la música orquestal e instrumental: los dos conciertos para violín, los seis Conciertos de Brandemburgo, el primer libro de El clave bien temperado, las seis sonatas y partitas para violín solo y las seis suites para violoncelo solo.

            Durante los últimos veintisiete años de su vida fue Kantor de la iglesia de Santo Tomás de Leipzig, A esta etapa pertenecen sus obras corales más impresionantes, como sus dos Pasiones, la monumental Misa en si menor y el Oratorio de Navidad.

            .La música vocal de Bach, que ha llegado a nosotros son en total  482 completas. ]224 cantatas, 10 misas, 7 motetes2 Pasiones completas, la de San Marcos, sólo existe el libreto, y  la de san Mateo ,la de San Lucas, es apócrifa) 3 oratorios. 188 corales.  4 lieders. 1 quodlibet. 58 cantos espirituales.

            En los últimos años de su existencia su producción musical descendió considerablemente debido a unas cataratas que lo dejaron prácticamente ciego.

 MONUMENTO A GEORG FRIEDRICH HËNDEL.

3.-INGLATERRA.

  John Blow ( 1649-1708) Compositor inglés. Fue organista de la capilla real y de la abadía de Westminster. Escribió numerosas obras, entre las que destacan canciones y piezas para clave. Es especialmente famosa su  Oda a la muerte de Henry Purcell. Compuso varios himnos siendo aún muy joven  como Lord, Thou host been our refuge («Señor, en ti está nuestro refugio»), Lord, rebuke me not («Señor no me reproches»), y el llamado “himno social”, I will always give thanksSiempre daré gracias»), Es autor a su vez de varias mísas.

            Henry Purcell ( 1659-1695)  Entró a formar parte del coro de la Capilla Real con apenas ocho años y tuvo por maestros a John Blow y Matthew Locke. En 1677 fue nombrado compositor de los violines del rey, y en 1679 sustituyó a Blow como organista de la abadía de Westminster. Compuso numerosas obras de carácter religioso, entre las que destacan algunos anthems Himnos y oficios como I was glad, in the midst of life (1682), ( Se  alegró, en medio de la vida) Morning and evening service (1682-1683) ( Oficio de la mañana y de la tarde)o Te Deum and jubilate (1694).( A ti Dios te alabamos  y alegraos) Destacables son así mismo las odas que dedicó a santa Cecilia, como  Welcome to all the pleasures  Bienvenidos a todos los placeres, (1683) o Hail bright Cecilia (1692) Aclamad a Cecilia brillante.

            Georg Friedrich Hëndel ( 1685-1759)
Compositor alemán naturalizado inglés. Contemporáneo de Johann Sebastian Bach –aunque muy diferentes en su estilo y aspiraciones.

            Haendel representa no sólo una de las cimas de la época barroca, sino también de la música de todos los tiempos. Músico prolífico como pocos, su cultivó todos los géneros de su época , en especial la ópera y el oratorio. La Resurrezione es un oratorio aue data de la época de su estancia en Italia.

            De nuevo en Inglaterra tuvo unos años de gran producción profana con la que adquirió una fama indiscutible, aunque posteriormente esta fama decaería por el año 1741 a partir de esos año se volcaría en la composición de oratorios  de ese mismo año es El Mesías, la obra que más fama le ha reportado. Con temas extraídos de la Biblia y textos en inglés, los oratorios  como Israel en Egipto, Sansón, Belshazzar, Judas Maccabeus, Solomon y Jephta… que constituyen la parte más original de toda la producción del compositor cuya fama ha llegado a nuestros días permaneciendo a pesar del paso del tiempo, de forma especial  en el Reino Unido.

 FRANCOIS DE COUPERIN.

4.-FRANCIA.

 Marc Antoine Charpentier ( 1640-1703) En sus comienzos y afincado en Italia sufrió la influencia de Giacomo Carissimi, vuelto a Francia se integraría en la obra teatral de Moliere, componiendo gran cantidad de música teatral,  mantuvo una fuerte pugna con Lully que le llevaría  desde 1698 hasta su muerte a ser  maestro de capilla de la Sainte-Chapelle. Charpentier realizó en su obra la síntesis de las tradiciones italiana y francesa, sobre todo en el ámbito de la música vocal sacra, a la que pertenece su célebre Te Deum. Además durante este tiempo compuso 4 Misereres,10 Magnificats,varios Himnos, y Misas, Oratorios, Salmos,Oficio de Tnieblas, Motetes etc.

            Francois Couperin. (1668-1733) Conocido por sus contemporáneos como el Grande, François Couperin es el más destacado representante de una dinastía de músicos galos cuyos orígenes se remontan al siglo XVI. Es al mismo tiempo, junto a Jean-Philippe Rameau, el más universal de los compositores del Barroco francés.

            Hijo del organista Charles Couperin, que fue así mismo su primer maestro, François accedió en 1685 al cargo de organista de Saint-Gervais de París, De 1701 a 1702 fue clavecinista de la corte de Luis XIV.

            Es autor de una valiosa producción vocal de carácter religioso de la que cabe destacar sus motetes y, sobre todo, sus Oficios de Tinieblas y  Dos Misas para órgano aunque su obra profana de carácter instrumental es lo más sobresaliente de toda su obra.

            Jean- Philippe Rameau (1683-1764) Inicialmente sobresalió como teórico musical, a la composión e interpretación llegaría más tarde sin embargo sobresalíó en casi todas las formas musicales siendo como se ha dicho anteriormente uno de los mejores representantes del barroco francés.

            Durante su vida Rameau estuvo bastante ligado a las instituciones religiosas, parroquias, conventos etc aunque su obra religiosa fue más bien escasa, algunos de sus motetes como Deus noster refugium, Quam dilecta, In convertendum, Laboravi, pueden competir con los mejores compositores de este género en el barroco.

 P. ANTONIO SOLER

5.-ESPAÑA.

Destacan Mateo Romero, . Fue cantor (desde 1594) y director (desde 1596) de la capilla real de Madrid. Se conservan diversas piezas religiosas y profanas; sin embargo, su obra más relevante es la Missa bonae voluntatis .

            Francisco Valls escribió Misa Aretiana llena de innovaciones armónicas. No obstante el Padre Fejioo habla de “una música artificiosa, ligera, superficial, y con abuso de las florituras”.

            En la  música instrumental destacó el Padre Antonio Soler, (Olot, España, 1729-San Lorenzo de El Escorial, 1783) Fue  discípulo de Domenico Scarlatti.       Considerado el mejor compositor hispano del siglo XVIII, se formó como músico en el monasterio catalán de Montserrat, en el que ingresó como niño de coro cuando contaba siete años de edad.

            Miembro de la Orden de San Jerónimo del monasterio de San Lorenzo de El Escorial desde 1752, ese mismo año inició su relación con Domenico Scarlatti, de quien recibió lecciones hasta 1757. Su influencia es especialmente significativa en la serie de 120 sonatas para clave escritas por Soler, en las que éste adoptó el esquema formal bitemático del maestro italiano, pero añadiéndole elementos procedentes de la antigua tradición española para teclado.

            El padre Soler destacó así mismo en la composición de música vocal sacra y profana, con 9 misas y 132 villancicos entre otras obras.

            También el organista  Juan Cabanilles , (Algemesí, 1644-Valencia, 1712) Compositor y organista Fue discípulo de U. de Vargas, de T. Ortells y de J. de la Torre, a quien sucedió como organista de la catedral de Valencia (1665). Es autor de tientos, tocatas, pasacalles, diferencias y batallas.

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 JOSÉ DE CAMPDERRÓS POR EL BARROCO INDIANO.

6.-AMÉRICA.

La música barroca  en la América latina  está ligada a los compositores europeos que emigraron a America Latina y a compositores nativos, indios o criollos. Entre ellos se encuentran Matías Durango, Juan de Araujo, Tomás de Torrejón y Velasco, Bartolomé Massa, José de Campderrós y Lobo de Mesquita.

            Juan de Araujo es un compositor de origen español aunque su obra musical se produjo en la América Hispana. En 1670 lo  encontramos como maestro de capilla en la catedral de Lima en el Perú. Tras unas salidas posiblemente a Panamá y Guatemala, se instaló en la capilla de la catedral de Guzco y en 1680 de la catedral de Sucre en Bolivia, donde se conservan sus obras tanto profanas como religiosas con un tal de 120, especialmente villancicos, Salve Regina.

            Tomás de Torrejón y Velasco. (Villarrobledo, 1644-Lima, 1728) Fue cantor de la catedral de Lima y escribió música religiosa especialmente villancicos en los que adquirió gran altura y la primera ópera americana: La púrpura de la rosa.

            José de Campderrós . ( 1747-1809) Nacido en Barcelona , pasó a Chile donde primero ejerció de comerciante, después hizo los votos religiosos como hermano lego de en la Orden de los Hermanos de la Buena Muerte, ganó posteriormente la plaza  de organista en la catedral de Santiago de Chile donde se conservan sus 85 obras conocidas, la mayor parte de carácter religioso 15 misas, himnos, salmos, oficios de difuntos. 

         

  DE LAS REDUCCIONES JESUÍTICAS DE AMÉRICA LATINA.   

LARGO DE HANDEL. PINCHE REPRODUCIR. 

 Terminamos este ligero repaso a la música barroca de las colonias de América con una referencia a la música de las Misiones Jesuíticas en Sudamérica  que permaneció perdida por más de 200  años desde 1767 hasta 1972 .

            Durante unos trabajos de restauración de las Reducciones Jesuíticas en Bolivia, en al año 1972, el arquitecto suizo y hermano jesuita Hans Roth descubrió más de cinco mil quinientas páginas de partituras de música barroca en las localidades de Santa Ana y San Rafael.  Hoy todas están guardadas en Concepción.

            Alrededor de 4 mil proceden de San Rafael y mil 500 de Santa Ana. Este hallazgo causó una conmoción en la historiografía musical de Bolivia, Paraguay y Argentina.

            No sorprende esta cantidad de obras ya que la música se tocaba todos los días y en cada una de las iglesias hubo entre 30 y 40 profesionales músicos. Las partituras en cuestión, dan testimonio de la rica cultura musical que los religiosos habían desarrollado, junto con los indígenas, durante el proceso de evangelización del nuevo continente.

  FESTIVAL DE MÚSICA BARROCA EN CHIQUITOS. BOLIVIA.    

Es importante destacar que entre los manuscritos hallados se encuentran composiciones de músicos indígenas, ya que éstos también aprendieron las técnicas de composición musical. Se trata de uno de los archivos más importantes de música. barroca a escala mundial, tanto que ha dado lugar a la creación de un festival bienal de música barroca en la provincia de Chiquitos en Bolivia.

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EL HOMBRE DE VITRUBIO. DIBUJO DE LEONARDO DA VINCI.

LA MÚSICA EN EL RENACIMIENTO EUROPEO


MÚSICA RENACENTISTA.MAGNIFICAT DE TOMÁS  LUIS DE VICTORIA. 1548-1611.AVILA. ESPAÑA. PINCHE REPRODUCIR.
El Renacimiento, en lo que se refiere a la música, comprende globalmente dos siglos, el XV y el XVI,  y en lo referido al contenido y características de la denominada música renacentista, podemos afirmar que tiene similitudes con el resto de las ciencias y artes  a las que se aplica también el nombre de renacentistas.

            Entre las notas distintivas del renacimiento está la tendencia a mirar a la antigüedad greco-latina, que abre a la concepción humanista del mundo, en el que hay un clima de renovación facilitado por la aparición de la imprenta, también   en lo referido a la música, aparece el interés por los escritos de teoría musical de esa misma antigüedad.   

            Los teóricos de esta época se interesan por las ideas  musicales de Platón, Aristóteles, Aristógenes de Tarento, Quintiliano y Severino Boecio entre otros. Marsilio Ficino ( 1433-1499) en su tratado De Triplici Vita. 1489 renueva una de las teorías clásicas  sobre  el influjo que el arte musical ejerce en el espíritu humano: “la música amansa la fieras,” según el dicho de Orfeo y junto a ello la teoría platónica de la unidad que debe existir entre el texto y la música.

 

 EL  MITOLÓGICO DIOS ORFEO  AMANSANDO LAS FIERAS.  

En esta línea están los tratados de Ramos de Pareja, De Música practica 1482; Vincenzo Galilei Dialogo della música antica e moderna, 1581, Gioseffo Zarlinino 1517 en su Institutioni armoniche, 1558; y aún más Paul Hofhmaimer 1459-1537quien puso música a las Odas del famoso poeta latino  Horacio.

            Siguiendo más o menos estas enseñanzas teóricas en el renacimiento desde el punto de vista  de la creación musical predomina la composición vocal polifónica, es decir una composición a varias voces, del  griego poli- varias con una melodía y ritmo distinto para cada una de las voces. El número de voces preferido estaba entre las tres y  las seis.

            Un tipo especial de polifonía  cultivada en el renacimiento es la polifonía contrapuntística o de imitación así llamada  porque en  ella las voces o instrumentos cantaban la misma melodía pero entrando una detrás de la otra con una diferencia de varios compases, como si se fueran persiguiendo o imitando unas a otras.

            Este predominio de la polifonía no significó la ausencia ni de la composición monódica o monofónica  del griego monos- uno  en la que las voces e instrumentos cantan o tocan a la vez  la misma melodía, ni de la polifonía homofónica del griego homo- igual  en la que la melodía dominante es acompañada por  voces y acordes iguales.

BASÍLICA DE SAN PEDRO DEL VATICANO. ROMA.

En cuanto a los géneros la música del renacimiento la podemos dividir en dos grandes grupos  el de la música religiosa y  el de  la profana. Dado  el carácter de la CATEGORIA MÚSICA Y FE CRISTIANA centramos el tema en el estudio de la música religiosa en el renacimiento de acuerdo con el siguiente esquema:

 1.-El primer renacimiento.1420-1480.

2.-El alto renacimiento.1480-1550.

3.-El bajo renacimiento.1550-1600.

 

 IGLESIA RENACENTISTA DE SAN ROQUE.PORTUGAL.

1.- EL PRIMER RENACIMIENTO. 1420-1480.

 1.-1.- Características musicales.

Entre las principales características de esta época se encuentra la aparición de un estilo más fluido por la lenta desaparición de la isorritmia típica de la música del gótico, tal desaparición fue progresiva pues todavía es utilizada por algunos autores de esta época, como por ejemplo Dufay en alguno de sus motetes.

            Se inicia la aplicación de las reglas del contrapunto, y la desaparición de quintas y octavas y el preferencial  uso de los intervalos de 3ª y 6ª.

            Ya más entrado el periodo se afianzan las reglas del contrapunto  con el uso de las técnicas del canon convencional de  la polifonía  contrapuntística o de imitación así llamada  porque en  ella las voces o instrumentos cantaban la misma melodía pero entrando una detrás de la otra con una diferencia de varios compases, como si se fueran persiguiendo o imitando unas a otras, tal como se ha dicho más arriba.

            Las distintas voces se irían posteriormente modificando introduciendo variedad de tonos y distintos ritmos.

Archivo:DufayBinchois.jpg

DUFAY Y BINCHOIS.

1.-2.Principales autores.

 Los  principales  creadores musicales de esta época se sitúan en las naciones actuales de Holanda, Bélgica y la Borgoña francesa, Italia y España  como Guillaume Dufay, Gilles Binchois, Antoine Busnois  Johannes Ockeghem, Alexander Agrícola etc.  todos ellos precedidos por los creadores  ingleses Joh Dutable y Leonel Power.

 1.-3.-Géneros musicales y obras.

  Las formas litúrgicas más importantes durante el Renacimiento siguieron siendo  la misa y el motete.

            Las misas utilizaron el cantus firmus , del latín canto fijo en la que la melodía que se utiliza es la misma en todas las voces , esta melodía era tomada inicialmente de una canción preexistente y en muchos casos profana, el tenor cantaba la voz principal, le seguía el contratenor altus y el contratenor basus, lo que indica que no tardaron  las voces sucesivas en transformarse en su tonalidad y en otros varios aspectos más, como en  el ritmo.

            De esta época son las numerosas misas que tomaron su melodía de la canción la Dissectión d“un Homme armé:  Dufay, escritor de nueve misas  Busnois,  con sus tres misas:Missa L’Homme armé Misa O crux lignum y Patrem Vilayge. Ockeghem,  con su misa Prolationum  y el discípulo del anterior   Alexander Agrícola con sus cinco misas  que tienen los títulos Le Serviteur, Je ne demande, Malheur me bat, Primi toni y Secundi Toni.

            En cuanto al motete en este periodo del siglo XV el motete retorna a sus orígenes siendo  principalmente un cántico religioso, aparece el motete para una voz solista acompañada con instrumento  musical, sin embargo todavía las obras de algunos autores tienen sabor medieval como los motetes  de Guillaume Dufay  por ejemplo, en su Nuper rosarum flores, motete a cuatro voces o el Ave regina caelorum, todos los autores de misas compusieron también motetes, además de Dufay ,Busnois autor al menos de 14 motetes reconocidos, entre ellos Ad coenam agni providi, Gaude coelestis domina.

MARTIN LUTERO DEFENDIENDO SUS IDEAS.

2.-EL ALTO RENACIMIENTO.1480-1550.

 2.1. Características musicales.

 Lo más destacado de esta época en lo que se refiere a la música religiosa  es la adopción de la mayor parte de los pueblos europeos del llamado estilo internacional, Alemania, Italia, España, Francia e Inglaterra, tienen representantes de este estilo, de este modo la liturgia

            Desde  las primeras décadas  del siglo XVI la convención musical de un tactus de dos semibreves=una breve comenzó a ser tan común como el de tres semibreves=una breve, como había sido habitual hasta entonces.

            La polifonía es menos complicada, melodías sencillas, cadencias claras y frecuentes , secciones a dos y tres voces, utilización de los pasajes homofónicos, una voz es acompañada por otras voces o instrumentos sin quitar protagonismo a la voz   y melodía musical. De esta forma los textos litúrgicos cobran protagonismo, la música está al servicio de texto y no al revés.

            No todos los compositores de esta época seguirán las pautas anteriormente señaladas algunos aumentan el número de voces, las cinco  serán el tipo polifónico preferido, la textura musical se hace más homogénea, se alargan frases y ocultan  las cadencias, volviéndose de algún modo así a las maneras más complejas y refinadas de la época anterior.

 JOSQUIN DES PRÉZ

2.-2.-Autores principales.

Entre los autores de esta época podemos nombrar a  Isaac Heinrich (1450-1517),Jacob Obrecht ( 1458.1505) Ludwig Senfl  (1486- 1543) Jean Mouton (1459- 1522) pero sin duda el músico más importante de este periodo es Josquin  des Prez  ( 1440-, 1521) en el que se reúnen las características principales de esta época del renacimiento  que hemos señalado en negrita en el párrafo anterior. El estilo internacional se consolidó en la mayor parte de Europa gracias a su influjo.

                En España que se encuentra en su siglo de Oro, tras la victoria de los Reyes Católicos aparecen las capillas reales y otras varias escuelas, especialmente la escuela sevillana con autores tan importantes como,  Cristóbal de Morales, ( 1550-1553)    y Alonso Mudarra.( 1510-1580) Además es el primer país que cuenta con capillas catedralicias (Sevilla) con la peculiaridad de que estaba compuesta por voces blancas y además danzantes los seises

   LOS SEISES DE LA CATEDRAL DE SEVILLA. ESPAÑA.

En alguna medida se vuelve  a las formas musicales más complejas de la época anterior. Todos estos autores estuvieron muy relacionados con la música religiosa, siendo gran parte de ellos clérigos que ejercieron como músicos en catedrales, y capillas reales.

            En este periodo surgió el cisma luterano, que tuvo consecuencia también para la composición musical. Lutero (1483 1546) conservó en principio la legua latina para la liturgia, todavía en 1523 conserva el latín para las iglesias de las ciudades más grandes, lentamente, sin embargo, dará paso a la lengua alemana en las celebraciones litúrgicas sustituyendo el latín.

             El  mismo Lutero establecería en su Misa Alemana la producción de una Música Coral, o Canto de la Asamblea, de carácter majestuoso, al comienzo, no polifónica o con predominio de la voz principal y de texto en lengua vulgar que pudiera ser fácilmente, cantada y entendida por todo el pueblo. Que alcanzaría un gran desarrollo entre los reformados.

 PROCLAMA MI ALMA LA GRANDEZA DEL SEÑOR. Jacopo Tintoretto (S XVI)

2.-3.- Géneros musicales y obras.

  Las obras religiosas de esta época son  las Misas, los motetes, himnos y Magnificats.

             Isaac Heinrichc fue un autor muy prolífico, produjo gran cantidad de Misas   Las primeras misas se basan en melodías profanas y por su disposición son semejantes a las de sus contemporáneos franco-flamencos. En las compuestas en una época posterior, el texto se canta alternativamente al unísono y en polifonía, como sucede en las cinco misas del tercer libro de Choralis Constantinus.

             Jacob Obrecht es  también compositor  de misas, como  Maria zart, Sub tuum praesidium, Sus composiciones están construidas a partir del cantus firmus, llegando a combinar varios, como sucede en Missa diversorum tenorum, Fue también compositor de motetes como Homo quidam o Laudes Christo Redemptori Salve Regina III.

            Josquin  des Prez . Ya hemos dicho como des Prez el denominado en su tiempo como  “ princeps musicorum” príncipe de los músicos” destacó gracias a una obra en la sus  procedimientos contrapuntísticos se unen en una síntesis perfecta con el texto cantado, en busca de la valoración del texto y de su expresión. Autor  de numerosas misas entre ellas las compuestas  sobre la melodía de La dissetiónn d`un Homme armé;  Missa ad fugam; Ave Maris stella, De Beata Virgine;  Gaudeamus etc  y así hasta 19 y 60 motetes.

            Ludwig Senfl  fue tan prolífico como  su maestro Isaac especialmente en motetes. Está considerado como el músico suizo más notable del s. XVI. Es autor de seis misas,  y de unos 200 motetes.

            Jean Mouton Autor de 120 motetes como: “Non nobis, Domine”, “Quis datoit Oculis”, “Domine, saluum fac regem”, “Noé, Noé”, entre otros..

            Cristóbal de Morales  es el autor español más importante del renacimiento español, compuso gran número de misas, himnos y motetes, como Tu es Petrus et super hanc  petram edificabo ecclesiam meam y Puer natus est nobis filius datus est nobis, con varias reediciones. Son también famosos sus Magníficat. En total es autor de 22 misas, todas ellas polifónicas a 4,5 y 6 voces. 81 motetes, 18 Magnificats sobre el texto latino  de san Lucas (1,46-55) que traducido al castellano dice:

            Proclama mi alma la grandeza del Señor, se alegra mi espíritu en Dios, mi salvador; porque ha mirado la humillación de su esclava.

Desde ahora me felicitarán todas las generaciones, porque el Poderoso ha hecho obras grandes por mí: su nombre es santo, y su misericordia llega a sus fieles de generación en generación.

            El hace proezas con su brazo: dispersa a los soberbios de corazón, derriba del trono a los poderosos y enaltece a los humildes, a los hambrientos los colma de bienes y a los ricos los despide vacíos.

Auxilia a Israel, su siervo, acordándose de la misericordia -como lo había prometido a nuestros padres en favor de Abrahán y su descendencia por siempre.

 CATEDRAL DE SAN MARCOS. VENEZIA.

3.-EL BAJO RENACIMIENTO. 1550-1600.

3.-1.- Características musicales.

 El Concilio de Trento terminado el año 1563 en muchas de sus decisiones disciplinares y dogmáticas, estuvo condicionado por las doctrinas protestantes,  y  tras él hubo en el aspecto musical una tendencia, a la simplicidad y a la claridad textual  invitando al cultivo de la homofonía.

 CONCILIO DE TRENTO.

Aunque pasados los primeros momentos,  se utilizó un estilo contrapuntístico que quedaría fijado como modelo para la música religiosa católica  y desde entonces para la enseñanza del contrapunto académico, dando origen a la composición de grandes obras polifónica entre los autores católicos.        

            Otra de las formas musicales aparecidas en este último periodo del renacimiento fue la policoralidad, tuvo su origen en Venecia siendo la Catedral de San Marcos donde encontraría el  mejor ámbito para su desarrollo, como dice la palabra policoral, se trataba de una composición musical para dos coros distintos que cantaban desde diversos lugares sucesivamente, con melodías y en muchos casos con textos diversos y con acompañamiento de instrumentos musicales lo que producía un efecto de grandiosidad y belleza algo así como si el canto de uno de los coros se escuchase como el eco del otro. Es éste un bello ejemplo de la arquitectura en servicio de la música.

   EL MANIERISMO DE MIGUEL ANGEL.    

A finales del siglo XVI aparece también en conjunción con el arte renacentista el manierismo, una música preciosista cantada,  en muchos casos a capela, buscando  la emotividad y el sentimiento algo que aparecería como signo de la cercanía del barroco.

            La idea de distintos grupos cantando en alternancia lentamente evolucionó en el estilo concertato, que con sus diferentes manifestaciones instrumentales y vocales finalmente condujo a diversas ideas musicales como la cantata coral, el concerto grosso, y la sonata. Pero todo esto pertenece ya a una época distinta.

 PARTITURA DE UNA OBRA DE PALESTRINA:

Popule meus, quid feci tibi? Auto in quo contristavi te.   Pueblo  mio ¿ qué te he hecho?  O en qué te he contristado? Responde mihi.  Respóndeme.             

 Quia eduxi te de terra Aegypti: et tu parasti Crecem Salvatori tuo. Yo te saqué de la tierra de Egipto.    Y tú preparaste una cruz para tu salvador

2.-Autores principales y sus obras musicales

 Giovanni Pierluigi da Palestrina.  Roma 1525- 1594. Existe la idea de que Palestrina sería quien lograse que tras la celebración del Concilio de Trento no se suprimiera el canto polifónico en la liturgia católica con su Misa del Papa, Marcelo;  con independencia de lo anterior es cierto que Palestrina es uno de los  grandes compositores del último renacimiento con su clara y sencilla polifonía.

            Otras obras suyas son 103 misas, 373 motetes, lamentaciones, 2 canciones sagradas, 11 letanías, 35 Magnificats,69 ofertorios,  y49 madrigales religiosos

            Orlando di Lasso. Mons, actual Bélgica 1532 -1594. Autor prolífico dejó más de dos mil de todos los géneros de su época, tanto profanos como sacros, desde la misa hasta la chanson profana en varios idiomas, pasando por el motete latino, himnos, madrigales y villanescas. Cultivó con especial dedicación la música sacra al final de su vida, cuando ocupaba el puesto de maestro de capilla de la corte de Munich.

  CATEDRAL DE ÁVILA CIUDAD DE NACIMIENTO  DE TOMÁS LUIS DE  VICTORIA Y SANTA TERESA DE JESÚS .ESPAÑA.  

Tomás Luis de Victoria. Ávila, 1548 – Madrid, 1611. Compositor y organista español. La música de Tomás Luis de Victoria traspasa las fronteras del Renacimiento polifónico, su equilibrio y pureza, para anunciar ya la expresividad barroca. Fue menos prolífico que sus dos anteriores coetáneos, sólo escribió música religiosa: misas., motetes y magníficats, entre sus obras sobresalen :Officium defunctorum, las misas Ave maris stella (1576), O magnum mysterium (1592) y Laetatus sum (1600), los motetes O vos omnes y Vidi speciosam, ambos publicados en 1572, y el monumental Officium hebdomadae sanctae (1585), destinado a la Semana Santa.

            Wuillam Byrd.  Lincoln. 1543- 1623, Compositor organista inglés.  Sus obras abarcan todas las formas musicales: misas, motetes, himnos, madrigales, composiciones para diversos conjuntos instrumentales…

            Su aportación es particularmente notable en el ámbito de la música para teclado por la trascendencia de sus innovaciones técnicas y su alta calidad artística. Formas como la variación adquieren en ella un desarrollo insospechado, al mismo tiempo que su audaz armonía, rica en cromatismos y disonancias, le presta una sonoridad profundamente expresiva. Estas características nos sitúan ya en la música del barroco.

     Giovanni Gabrieli. Venezia 1562 de 1612) Su colección de Sacrae Symphoniae (1597) inaugura una serie de composiciones elaboradas a partir de diversas y complejas combinaciones vocales e instrumentales, que van desde el madrigal sacro hasta el motete concertado, con inclusión de movimientos y sinfonie, confiados únicamente al conjunto instrumental. Pertenece a la Escuela Veneciana dentro del movimiento policoral Sus  obras son  espectaculares, de una riqueza sonora y expresiva desconocida hasta entonces. Bajo la dirección de Gabrieli se formaron algunos de los grandes maestros del tránsito al Barroco, como Heinrich Schütz.

 IGLESIA DE WITTEMBERG.           

En lo referido a la música luterana además de las obras del mismo LUTERO encontramos a sus amigos y colaboradores JOHANN WALTHER (1494-1570); NIKOLAUS HERMAN (c.1485-1561), GEORG RHAU (c.1488-1548), SIXT DIETRICH (c.1491-1548) y otros más,  todos ellos escritores de obras religiosas para las celebraciones litúrgicas de la reforma escritas en lengua alemana y dentro del estilo Coral.

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 CATEDRAL GÓTICA DE COLONIA. ALEMANIA.

LA MÚSICA EN EL GÓTICO EUROPEO.

 CRUCIFIXUS.  PINCHE  REPRODUCIR PARA ESCUCHARLA.

 Desde el punto de vista cultural el final del siglo XII y los comienzos del XIII suponen un desarrollo en todos los aspectos de la vida de los pueblos europeos, comienzan a desarrollarse las ciudades, dando lugar a núcleos urbanos, en los que  crece  el comercio y el intercambio cultural, aparecen nuevas órdenes religiosas, como las llamadas órdenes mendicantes, las  Escuelas no serán ya  exclusivas de las órdenes monásticas sino que aparecen las Escuelas Catedralicias apuntando el nacimiento de las universidades, todos estos factores determinan que comiencen a sentarse las bases de la edad moderna.

            En el ámbito del arte aparece un nuevo estilo el llamado estilo gótico, inicialmente esta palabra tenía una connotación negativa pues lo gótico se consideraba como un arte bárbaro, algo relacionado con los godos, sin embargo las características anteriormente apuntadas dan al arte en general y a la música en particular unas connotaciones bastantes más valiosas, de esos caracteres manifestados en la música que se desarrolló desde los finales del siglo XII al siglo XIV  nos ocuparemos en este tema de acuerdo con el siguiente INDICE:

 1.-Evolución del canto gregoriano.

2.-Origen y aparición del motete.

3.-Evolución del motete.

4.-El Ars nova. Arte nueva.

 IGLESIA ABACIAL DE VALLBONA EN GERONA.  ESPAÑA .REPRESENTA EL PASO DEL RÓMÁNICO AL GÓTICO.

  1.- EVOLUCIÓN DEL CANTO GREGORIANO.

 A finales del X apareció la polifonía,  dando lugar a la aparición de la diafonía en la que  a una voz tomada del canto gregoriano llamada vox principalis, voz principal  la  acompañaba  otra voz  paralela llamada vox organalis, voz organal, como si fuera un acompañamiento de un instrumento musical o de un órgano..

            Posteriormente y ya en el siglo XI apareció el discantus , como un canto distinto de la voz organal, es decir la segunda voz no era una voz paralela a la voz principal sino contraria a la misma, si la voz principal subía, la segunda voz bajaba y al revés. En torno a la iglesia de la Bienaventurada Virgen María, en París, nació una escuela polifónica en la que sobresalió el maestro Léonin.

 

CATEDRAL GÓTICA DE NOTRE DAME. PARIS.FRANCIA.

            En esta evolución el canto gregoriano continuaba siendo la base musical  y sobre esta base en el  siglo XII apareció otra forma musical, a la que se  le llamó  conductus.

            La razón de este nombre proviene  de la significación latina de la palabra  conductus del verbo latino conducere, conducir porque se utilizaba en las procesiones o cuando el leccionario se conducía desde el lugar donde se encontraba hasta el ambón donde se leían o cantaban las lecturas.

            Tanto en el discantus como en el conductus el texto de las dos voces era el mismo aunque con distintas melodías.

                En el siglo XII, el conductus era habitual en Santiago de Compostela, donde aparece en el Códice Calixtino (1140) que contiene 22 obras a dos voces y una a tres voces, que es considerada como la primera obra de estas características en Europa.

            Otra fuente importante de esta forma musical se encuentra en el manuscrito de St. Marcial, París, Biblioteca Nacional, Lat. (1154).

CODEX CALIXTINUS SANTIAGO DE COMPOSTELA. ESPAÑA.           

 2.-ORIGEN Y APARICIÓN  DEL MOTETE.

 El motete es posiblemente la última forma musical de la llamada  ars antiqua, arte antiguo y a su vez el principio del  ars nova, arte nuevo.

            Pérotin  que vivió a finales del siglo XII y principios del XIII  ( c.1180 – c.1220) es uno de los últimos y más famosos representantes de la ars antiqua, y el más famoso representante de la Escuela de Notre Dame de París, una de las obras que ha llegado a nosotros con su notación musical es  Viderunt  omnes , gradual  encargado por el  obispo para la misa de la  Noche de Navidad en el que sirve de base unos versículos del salmo 98 :

Viderunt omnes fines terræ :              Verán todos los confines de la tierra
salutare Dei nostri.                              La salvación de Dios.

Jubilate Deo, omnis terra.                   Cantad a Dios, tierra entera
Notum fecit Dominus salutare suum; Dios nos ha dado a conocer su salvación
ante conspectum gentium                   Ante todos los pueblos
revelavit justitiam                               Reveló su justicia.

INSTRUMENTO MEDIEVAL ANTECESOR DEL VIOLÍN.

A partir del siglo XIII  tanto el órganum como el conductus serían  el origen de la forma musical del motete.

             Como suele ocurrir en muchas ocasiones el significado etimológico de las palabras nos sirven de base para entender su significado real. El término  motete, proviene del francés  mot, que significa palabra,  este significado del motete está relacionado en el canto gregoriano con el tropo   pues consistía en añadir un texto  a los melismas  del canto gregoriano  como recurso para facilitar la memorización de los melismas de ese canto.

            Fuera de esta significación etimológica existe otra noción de motete que es la que nos habla de lo que realmente era el Padre Benedictino Samuel Rubio se refiere así al motete:

                «Pérotín había escrito en el estilo del organum, unas composiciones cortas, llamadas cláusulas, para alternar con las melodías gregorianas del propio de la Misa y del Oficio; cláusulas levantadas sobre un fragmento gregoriano, que a la vez que les servía de sostén, conservaba su propio texto.

             Las voces superiores de estas piezas en miniatura eran auténticas vocalizaciones en el sentido musical, porque constaban de ricos melismas, y en el literario, porque se limitaban a emitir la vocal correspondiente a las palabras cantadas por el tenor.

             Dándose cuenta los músicos de la belleza de estas pequeñas creaciones, deciden aplicar a los floreos melódicos de las voces superiores un texto latino en forma silábica, conservando el tenor por su parte las palabras litúrgicas propias. Y así nace el motete  cuya esencia es, según los teóricos medievales, cantar diversos textos a un tiempo» ( Cf. S. RUBIO, La Polifonía clasica, El Escorial 1956. )

PALACIO DE LOS PAPAS EN AVIGNON. FRANCIA.

 3.-EVOLUCIÓN DEL MOTETE.

El motete es posiblemente una de las formas musicales que más variaciones ha tenido dentro de la historia de la música. Entre ellas se encuentran las siguientes:

            En sus comienzos el motete no es más que un organum al que se le añade un tropo, es decir un texto explicativo del texto cantado tanto por la vox principalis y por la vox organalis. ( Ver arriba).El texto cantado tanto por la voz principal como por la segunda,  es el mismo y su lengua es el latin. En esta primera forma el motete en cuanto forma musical añade poco al organum pues en realidad es más bien un organum tropado.

            Posteriormente aparece el motete propiamente dicho y es cuando los textos cantados son diferentes,  aunque  dentro de mismo sentido del texto gregoriano cantados aún en latín pero ya  con dos o más voces.

            En otra etapa posterior ya a principios del siglo XIV o finales del XIII ,  las voces que acompañan a la voz principal además de tener textos distintos  no usan el latín sino las lenguas vulgares y en muchas ocasiones letras populares que nada tienen que ver con lo religioso dándose el hecho de que por un lado en la liturgia aparece un texto latino generalmente sacado de los salmos y por otro las distintas voces cantan un canto profano y a veces licencioso, hasta el punto de que el papa Juan XXII en una bula del año 1324 prohibió su canto litúrgico poniendo remedio a los abusos.En esta época el motete tendría también un dimensión profana.

 MONASTERIO DE SANTA MARIA DE LAS HUELGAS. BURGOS. ESPAÑA

OTRA MÚSICA DEL SIGLO XIII: CANTIGAS DE BURGOS 1211-84.

De la primera y segunda etapa encontramos músicos tanto prácticos como teóricos , entre  ellos Johannes de Garlandía que en su De música mensurabili positio ( 1240) recoge avances en la notación y sobre todo Franco de Colonia que escribió el Ars cantus mensurabilis en el que se observa una clara progresión en la explicación de los valores de las notas  y una mayor complicación notacional.

            Algunos detalles de las nuevas tendencias notacionales aparecen ya en la más tardía de las fuentes de polifonía parisina que   se verían confirmados por los manuscritos copiados en el último cuarto del siglo XIII y los primeros años del siguiente. Los manuscritos de Bamberg (Staatbibliothek Lit. 115), Turín (Biblioteca Reale Vari 42), Montpellier (Faculté de Médecine H196) y Las Huelgas (Burgos, Monasterio de Las Huelgas, ms. IX) reflejan los cambios referidos a la notación.

            El manuscrito de Montpellier que tiene algunos motetes del  músico  francés Pierre de la Croix  muestran los avances en la notación de estos en sus más variadas formas.

4.- EL ARS NOVA. EL ARTE NUEVO.

Se entiende por Ars nova, Arte Nueva,  la música polifónica producida a primeros del siglo XIV,  relacionándola con  la llamada Ars antiqua, Arte antigua a la que se quiere contraponer.

La  aparición de esta nueva polifonía es la forma que adoptaría el motete en su 3ª etapa junto con sus formas subordinadas la Chace y el Lied monódico o polifónico.

            El Arte nuevo presentaba entre otras cosas, una nueva notación, un ritmo más vivo . Una de las innovaciones más importantes del Ars nova es la aparición de notas rojas junto con las negras  por medio de las cuales se indicaba el cambio de ritmo o de medida, si  la nota negra marcaba el compás ternario,  la roja marcaba  el binario y al revés si la negra marcaba el binario la roja marcaba el ternario.

            El poeta , músico, escritor, obispo y diplomático en las cortes de los duques de su tiempo, relacionado con los papas del cisma de occidente y   hombre de una cultura enciclopédica  el francés Felipe de Vitry fue quien dio el título de  Ars nova en uno de sus tratados escritos hacia 1320 a la nueva polifonía.

FILIPP DE VITRY.     

 Vitry debe ser considerado como el creador del motete isorrítmico, es decir, del motete que se divide en varias partes de idéntica duración y con notas del mismo valor, cuyas partes recibieron el nombre talea.

            Recibió muchas alabanzas  y encomios de sus contemporáneos, pero, sin duda, uno de los más notables fue el del Provincial de los Carmelitas de Francia, Jean de Fillou de Venette, quien en L’Historie des Trois Maries (c. 1357) le dedica los siguientes versos:

Maistre Philippe de Vitry,                    
Qui en son chant est bien mery
Et pour ses diz qui sont moult beaux,  ,

Car il est evesque de Meaux,             
Bien a chanté, bien ditté ;
Qui sires est de tel citté
Par ma foy bien l’a deservi,
Car de chanter a mieux servi
Et de ditter trestout ensemble
Que nul autre, sin con moy semble.

  Solamente seis motetes con música pueden ser atribuidos con relativa certeza a Vitry, y otros nueve le son adjudicados con cautela. Cinco de ellos se conservan en el Roman de Fauvel (París, Bibl. Nationale, fr. 146),

    CODEX ROMAN DE FAUVEL.

Otros teóricos y prácticos  del Ars nova  son Johannes de Muris, Firmin de Beauval ,Gersonides  Jacopus de Lieja Marchettus de Padua  quien en su Pomerium habla sobre la diferencia entre las notas utilizadas por franceses e italianos, y sobre todo Guillaume de Machaut (ca. 1300-77)  uno de los coetáneos de Vitry y considerado por muchos como su competidor.

                        El Ars nova fue cultivada no sólo  en Francia,  sino también en Italia, en donde sobresalen Giovanni da Caccia, Jacopo da Bologna, Sor Ghirandello, Nicolo de Perugia, Francesco Landini, Conradus da Pistoia, Gratiosus de Palma, y, principalmente, Johannes Ciconia.  También en Inglaterra, Alemania, España, etc.

 PUERTA  DEL SARMENTAL CATEDRAL DE BURGOS . ESPAÑA.

En todos estos lugares han quedado numerosas fuentes musicales conservadas en multitud de códices de la época que nos permiten conocer de primera mano la música que hemos denominado la música en el gótico, que sintetizando mucho podemos decir que la misma se caracterizó por la creación y desarrollo de la música polifónica de manos  de la forma musical denominada motete, que continuaría evolucionando y desarrollándose hasta llegar a su máximo esplendor en la música del renacimiento.

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Archivo:Codexaureus 25.jpg

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EL CODEX AUREUS DE LORSCH. HECHO EN EL PALACIO DE AQUISGRÁN. AÑO 810

 LA MÚSICA EN EL PRERROMÁNICO: MÚSICA AMBROSIANA. HISPANA.GALICANA. GREGORIANA.

 Al hablar de la música en el prerrománico lo primero que hay que acotar es lo  que se entiende por prerrománico. Una primera acotación es la que se deriva de la atención a la palabra prerrománico, ateniéndonos a ella lo prerrománico es aquel arte sea del tipo que sea, anterior al románico.

            Este  significado nos lleva a una nueva acotación que es   la temporal, si el arte románico, y en este caso la música, es aquella que se dio a partir de los finales del siglo XI, podríamos decir que la música prerrománica es la que se dio finales  del siglo V al siglo XI, dado que la música anterior al siglo V la hemos calificado de música paleocristiana.

            Una vez determinado el tiempo podríamos usar el espacio o el lugar para hacer una nueva acotación, desde este punto de vista podríamos decir que el espacio en el que se dio la música prerrománica fue el abarcado por el impero romano de occidente, pues la música desarrollada en el imperio de oriente, la hemos calificado de  bizantina.

            Por último una tercera acotación sería la que se deriva del contenido y mas bien de la función de esta música, cual es el uso de la misma en la liturgia cristiana.

Archivo:IMG 3058 - Milano - Pinacoteca ambrosiana - Foto G. Dall'Orto - 3-1-2007a.jpg

PINACOTECA AMBROSIANA. MILÁN.

 La conexión que hemos establecido entre la música prerrománica con la liturgia cristiana, nos lleva al análisis de las diversas liturgias que se dieron en estos siglos en la iglesia de occidente.

             Creo que se puede decir que las liturgias cristianas  que existieron entre el siglo –V-VI y los finales del siglo XI, con un cierto relieve  fueron las siguientes:

 1.-Liturgia Ambrosiana.

2.-Liturgia HispanoVisigótica o mozárabe.

3.-Liturgia Galicana.

4.-Liturgia Céltica.

5.-Liturgia Romana.

De la música en esta liturgias nos vamos a ocupar  comenzando por la liturgia ambrosiana.

Archivo:Nicaea icon.jpg

ICONO :  CONSTANTINO PRESIDIENDO EL CONCILIO DE NICEA.

LA MÚSICA EN LA LITURGIA AMBROSIANA.

        Cuando nos referimos a las Liturgias dentro de la cristiandad estamos hablando de unos Ritos, es decir de  unos  actos   religiosos o ceremoniales sometidos a unas normas .

 BASÍLICA DE SAN AMBROSIO EN MILAN.

 SAN AMBROSIO DE MILÁN.  

Ciñéndonos ahora a la liturgia ambrosiana así llamada por la relación que la misma pudiera haber tenido en su origen, desarrollo y aplicación con el arzobispo de Milán san Ambrosio , ( s.IV) , los actos religiosos que estaban sometidos a un rito son: La Misa, el Oficio Divino y la celebración de los Sacramentos y Sacramentales

            En estas  celebraciones rituales es donde aparece la música como uno de sus elementos. Este puede ser el momento  de subrayar el sentido que la música tiene en las celebraciones cultuales religiosas: Si todas las bellas artes fueron en todo tiempo puestas por el hombre al servicio del culto, de una manera especial ha sido siempre la música elemento inseparable del mismo. En cualquier época y entre cualquiera clase de gentes, hasta las menos civilizadas, siempre  que se ha organizado un culto público, la música tuvo allí su papel.

            El canto, es decir, la palabra con atuendo musical, lo ha considerado siempre el ser humano como la manifestación más solemne del sentimiento religioso, la expresión más sublime de la alabanza, de la súplica y de la acción de acción de gracias.

 CELEBRACIÓN DE LA EUCARISTÍA EN LA CATEDRAL DE MILÁN

Nos ceñimos al Rito de la Misa Ambrosiana pues en ella se aparecen todas las característica del canto ambrosiano

            La Misa  comienza con una procesión que se dirige hacia el altar, llamada “ingressa, es decir de entrada, durante la misma se canta un cántico que no tiene salmo ni repetición o estribillo.

            Llegados al altar se inciensa el mismo y se canta el Gloria in excelsis Deo, Gloria a Dios en las Alturas, un himno sujeto a una letra en la que se ensalza a la Trinidad Una y Tripersonal. Posteriormente sigue una invocación el Kirie.Kriste-Kirie : Señor ten piedad… el saludo del dominus vobiscum, la oración sobre el pueblo  y a continuación las lecturas, siempre tres lecturas.

            Después de la primera lectura se canta el psalmellus, pequeño salmo, y antes del evangelio y mientras se va procesionalmente al lugar de la lectura del evangelio se canta  el Alleluya- Alegría,  seguido de uno o dos versículos, pequeños versos, a los que en algunas ocasiones, puede ir unida una antífona, antes del cantoespecie de estribillo, de tipo silábico, es decir un canto en el que hay una nota musical por cada sílaba.  Después de la lectura del evangelio se  canta una antífona al que sigue como invocación un triple : Kirie: Señor ten piedad.

            Sigue después la  invitación a darse la paz y a continuación se  extienden los corporales y se dice una oración que se llama “super síndonem, sobre el mantel” a continuación el ofertorio, en la iglesia de Milán se conserva una tradición en la que 10 ancianos y 10 ancianas llevan las ofrendas del pan y del vino procesionalmente y durante la procesión se canta la antífona “offerenda lo que se ha  de ofrecer”.

Después se canta el Credo y a continuación se dice una oración sobre la ofrenda.

            A continuación sigue el Canon;  el  papa Vigilio (537-555), habla de la “prex canónica:  oración prescrita en cánones”, que  contiene las palabras sacramentales por las que el pan y el vino se convierten en el Cuerpo y Sangre de Cristo que van desde el Prefacio hasta el Padre Nuestro. En la liturgia milanesa el sacerdote celebrante antes de decir las palabras de la consagración va al lado de la epístola y se lava las manos

            Sigue la paz y la distribución de la comunión, mientras su distribución se canta el Transitorium canto antes de marcharse, y después de una oración la bendición y una fórmula de despedida.

 MONJES CIRTERCIENSE ABADIA DE   HELINGENKERUZ    

CARACTERISTICAS DE LA MÚSICA AMBROSIANA.

 1.- El canto ambrosiano es una música vocal monódica, es decir cantada a una sola voz., sin ningún tipo de acompañamiento instrumental. La rítmica del canto viene determinada por el texto, no existe un ritmo determinado que sea escrito independientemente para su melodía, es decir el ritmo no  se marca con  una medida.

            2.- Canto antifónico de los salmos, en el sentido de cantarlos a dos coros alternando, siguiendo con ello la práctica de Siria y de Palestina, y también el canto de los himnos y responsorios.

            3.-En todos sus cánticos: salmodia, antífonas, himnos pueden  ser utilizadas melodías Silábica: Una nota por cada sílaba Neumática: 2 o 3 notas por sílaba. Melismática: Más de 3 notas por sílaba aunque con preferencia de esta última, que permite unas variaciones llenas de colorido y belleza.

            4.-En el canto ambrosiano cada salmo se canta con un tono diferente, el tono de un canto es la mayor o menor altura que tiene el mismo, es decir mas o menos agudo o más o menos grave, que depende de la mayor o menor rapidez de la onda sonora, en el canto ambrosiano los tonos no se basan en los modos de la antifona, sino en  cuatro clases de modos , dando lugar a que en  el mismo  haya más tonos que en otros cantos, por  ejemplo el gregoriano.

IGLESIA MOZÁRABE DE SAN MIGUEL DE LA ESCALADA.LEÓN ESPAÑA.

 LA MÚSICA EN LA LITURGIA HISPÁNICA VISIGÓTICA O MOZÁRABE.

 Tres nombres son los que suelen dar los autores a la liturgia  que se desarrolló en lo que es la península ibérica. Liturgia hispánica, por haberse desarrollado en la provincia romana de Hispania, Visigótica por haber alcanzado su consolidación durante el reino visigodo español y Mozárabe por haber sido cultivada en el reino arábigo español  por los cristianos sometidos a ese reino y haber recibido ciertas influencias del mismo. De estos tres el más apropiado es  el de Litúrgia Hispánica, con este nombre nos referiremos a ella.

            Se sabe poco sobre el origen y la formación de la liturgia Hispánica y sobre el canto asociado a ella. Aparte de la liturgia judía, hubo otros factores que influyeron en la formación y configuración de la liturgia y el canto hispánicos. Entre estos cabe citar elementos prerromanos y romanos.

  CRIPTA DEL TEMPLO DE SAN ISIDORO. LEÓN. ESPAÑA.        

La fijación de la liturgia Hispánica y el canto que a ella le acompaña  queda reflejada en los cánones conciliares y en los escritos eclesiásticos, en ella se  incorpora el sistema musical grecorromano a través de las obras de Boecio,  y  Casiodoro,  que son dadas a conocer por las Etimologías de san Isidoro de Sevilla, y que son recogidas por los misales, códices litúrgicos y reglas monástica.

            Estos manuscritos pertenecen a dos tradiciones claramente diferenciadas, pertenecientes a sendas tradiciones litúrgicas con distinto desarrollo:

  MEZQUITA DE CÓRDOBA. ESPAÑA.    

 Tradición A, desarrollada en el norte de la Península, también conocida como castellano-leonesa.

            Tradición B, desarrollada en el sur de la Península, también conocida como toledana o mozárabe, pero con probable origen en Sevilla. Tras la emigración de mozárabes al Norte, dio origen a la tradición riojana.

      

 DEL ANTIFONARIO DE LA CATEDRAL DE LÉON. ESPAÑA

El antifonario de la Catedral de León tiene una gran importancia para el conocimiento de la Liturgia Hispánica. El antifonario  es un códice miniado a finales del IX o X, que contiene los cantos de las celebraciones del rito litúrgico hispano visigodo.

Consta de 306 folios de pergamino, presenta notación musical en neumas, sin pentagrama y en una  notación visigótica que aún no ha podido ser descifrada.

            El manuscrito fue copiado directamente  por el monje Totmundo para el abad del monasterio de San Cipriano del Condado, de otro manuscrito visigodo del siglo VII.

BASILICA MOZARABE   DE BAÑOS DE CERRATO. PALENCIA. ESPAÑA.            

El culto rito hispano visigodo o mozárabe,  permanecerá en España oficialmente hasta el Concilio de Burgos de 1080, en tiempos de Alfonso VI. Sin embargo, a nivel local se siguió usando el rito hispano, especialmente por los mozárabes de Al-Andalus.

LA MÚSICA EN LA MISA DE LA LITURGIA HISPANA.

  Aunque la Liturgia Hispana abarca tanto la celebración Eucarística, como la litúrgia de las Horas y de los Sacramentos y Sacramentales nos vamos  a fijar   expresamente en la Eucarística para ver qué papel desempeña la música en la misma, pues en ella se contienen las más importantes formas de la música hispana.

            En la misa hispana aparecen las cinco formas musicales propias de la música hispana: Salmodia, himnos, lecciones, responsorios, letanías, responsorios breves, antífonas, aleluyas y los cantos melismáticos o tropos que aparecen en las partes fijas de la misa Kirie,Gloria,Credo,Sanctus..

 RITOS INICIALES

 1.-Procesión hacia el altar con canto de entrada. 2.-Llegados al altar  se guarda silencio y  a continuación, en las fiestas, en pie se canta el himno: Gloria a Dios en el cielo… En las solemnidades se canta el Trisagio: Hágios o Theos:. Santo Dios, Santo y fuerte, Santo e inmortal. Ten piedad de nosotros.3.- Sigue la oración sobre el pueblo.

 LITÚRGIA DE LA PALABRA.

3.- Saludo del presbítero “ Dominus vobiscum “ y respuesta del pueblo.

El lector enuncia la lectura y el pueblo responde demos gracias a Dios 1ª Lectura del A.T. al final se contesta Amen y se canta un salmo  2ª Lectura apostólica: se enuncia la lectura etc.4.-Terminada la lectura procesión hacia el lugar de la lectura del Evangelio se canta una aclamación. A continuación la homilía y al final se canta un cántico de alabanza o el Aleluya.

 CAPILLA MOZÁRABE EN LA CATEDRAL DE TOLEDO. ESPAÑA.

OFRENDAS E INTERCESIONES SOLEMNES.

 5.-Canto de ofrendas. Se llevan al altar las ofrendas. Se hace el ofertorio y a continuación 6.-comienzan las intercesiones una larga oración recitada por el díacono en canto llano parecida a la que se hace el sábado santo en la liturgia romana, comienza con una invitación del presbítero a esta oración y el pueblo canta Hagios, Hagios, Hagios. Señor rey eterno, A ti nuestra gloria y alabanza, después de las súplicas sigue una letanía poniendo como intercesores a María, los apóstoles y los santos y santas mártires, confesores y mártires hispanos, el presbítero al terminar dice dos oraciones una final de la letanía y otra principio para darse la paz, después presbíteros y ministros se dan la paz y el pueblo hace lo mismo.

 ORANTE HISPANO SIGLO VIII.

PLEGARIA EUCARÍSTICA.

 7.-Comienza con los saludos que anteceden al prefacio, se dice o canta éste y al final se entona el Santo, Santo….8.- El presbítero al llegar la consagración canta  el relato de la Institución de la Eucaristía, sigue la doxología  con respuestas del pueblo.

RITO DE LA COMUNIÓN

9.El Presbítero exhorta al pueblo diciendo: Profesemos con los labios la fe que llevamos en el corazón, todos hacen profesión de la fe recitando el credo, 10.- al terminar, se canta el canto de la fracción mientras el presbítero parte el pan en ocho partes evocando los misterios de la encarnación, nacimiento, circuncisión, aparición, pasión, muerte, resurrección, gloria 11.-a continuación se canta el Padrenuestro alternando el presbítero con el pueblo.

            12.- Prosigue el Presbítero con una oración en la que se suplica a Dios la liberación de pecadores, afligidos, cautivos, enfermos etc.

            13. Luego  eleva un poco la patena y el cáliz mostrándolos al pueblo y dice: LO SANTO PARA LOS SANTOS.  Deja caer la partícula REINO del pan consagrado en el cáliz. mientras añade: Y la conjunción del Cuerpo y de la Sangre de nuestro Señor Jesucristo sea causa de perdón para nosotros, que la tomamos y bebemos, y de eterno descanso para los fieles difuntos. El diácono dice: Inclinaos para recibir la bendición. R. Demos gracias a Dios. El Presbítero dice: El Señor esté siempre con vosotros.

R/. Y con tu espíritu. Y extendiendo el Presbítero las manos sobre e! pueblo lo bendice; la comunidad. a cada petición, responde: Amén. Después de la bendición, el Presbítero concluye con la fórmula siguiente: Por la misericordia de Dios, nuestro Dios, que es bendito y vive y todo lo gobierna por los siglos de los siglos.

R/. Amén.

            14.-. Antes de comulgar, el Presbítero dice en secreto una oración después se reparte el pan consagrado  por el presbítero y el diácono da a beber el vino, mientras se canta un canto  de comunión y al finalizar la comunión se canta una antífona y el presbítero recita la oración conclusiva.

Archivo:Albarracín - Museo Diocesano - Instrumentos.jpg

INSTRUMENTOS MUSICALES. MUSEO DIOCESANO. ALBARRACIN. TERUEL. ESPAÑA.

CARACTERÍSTICAS DE LA MÚSICA HISPANA.

El canto hispánico es un canto monódico,  diatónico y ritmo libre, con modos distintos.

 

TAÑEDOR.  PUERTA DEL SARMENTAL BURGOS. ESPAÑA.           

 Es canto, porque es música vocal, es decir, los instrumentos musicales pueden acompañarlo, pero no interpretan la melodía. Los instrumentos que lo acompañaban siguen la pauta trazada en el Salmo 150, 3-6: Laudate eum in sono tubae con el sonido de la tuba laudate eum in psaterio et cithara con el pasalterio y la cítara laudate eum in timpano et choro,  con el tímpano y el coro laudate eum in chordis et organo con las cuerdas y el órgano, laudate eum  in cimbalis beneonántibus con los címbalos bien afinados in laudate eum in cymbalis iubilationis, con los címbalos de la alegría omne quod spirat, laudet Dominum. Alleluia.   

            Es monódico, porque se desarrolla en una sola melodía , aunque, como los otros cantos litúrgicos cristianos, puedan interpretarse con desarrollos en paralelo  en quinta  descendente  y cuarta ascendente   y octava , según la tesitura, es decir altura de la  voz  de quien lo cante.

            Es diatónico, porque no admite cromatismos en su constitución, es decir,  el uso de las notas intermedias de la escala, se construye en escalas  formadas por tonos y semitonos en los intervalos my-fa y si-do.

            Es de ritmo libre porque, a diferencia de la música figurada cuya duración depende de la figura de la nota, no se da una sucesión matemática de partes fuertes y débiles que son dependientes de un compás  prefijado, es decir: ‘libre’ equivale a ‘no medido’.

            Tiene una estructuración modal como la música greco-romana.

Archivo:Königsthron Aachener Dom.jpg

TRONO DE CARLOMAGNO EN LA CAPILLA DEL PALACIO DE AQUISGRÁN.

LITURGIA Y MÚSICA GALICANA.

La existencia de un rito galicano en tierra de las Galias entre los siglos V-IX viene atestiguada por distintas fuentes, las más importantes son las siguientes:

MONASTERIO DE GUBIO. UMBRIA. ITALIA.   

 1.-La carta de Inocencio I a Decencio, obispo de Gubbio, escrita en el año 416.

            2.- Las tres homilías de Fausto, obispo de Rietz, en Provenza (+ 485), sobre el símbolo.

            3.- Las obras de San Cesáreo, obispo de Arles (+ 543), muy ricas en datos litúrgicos.

            4.- La Regula ad monachos et ad virgines, de Aureliano de Arles (+ 553).

            5.- La Expositio brevis antiquae liturgiae gallicanae, en dos cartas falsamente atribuidas a San Germán de París (+ 576). Se ha probado, sin embargo, que son un pequeño tratado anónimo de finales del siglo VII, en el cual se halla descrita no la verdadera misa galicana, sino la misa local de una iglesia de la Borgoña, quizá de Autun. Tienen, por lo tanto, un valor relativo.

 6.-La obra De cursibus ecclesiasticis, de San Gregorio de Tours (+ 594). Es un manual litúrgico que contiene una instrucción para determinar el orden de sucesión de los oficios o lecciones eclesiásticos (cursus ecclesiastici), de la situación y, especialmente, de la aparición de las constelaciones más importantes.

7.- La Expositio symboli, de Venancio Fortunato, y muchas de sus obras poéticas.

 IGLESIA CELTA.IRLANDA.   

En ocasiones se engloba bajo el nombre de rito galicano también a los ritos de la liturgia céltica, el rito celta, una liturgia atractiva por sus posibles herencias druidas pasó a integrarse en la Galicana, aunque conservemos resto de ella,  en el Antifonario del monasterio irlandés de Bango restos, por cierto, fundamentales para la historia de otras liturgias. Dándosele también el nombre de liturgia
mozárabe
.

    Hasta tal punto es cierto  lo dicho anteriormente que  puede comprobarse que la Misa Galicana viene a ter una estructura similar a la Misa Hispana de la que hemos hablado en el punto anterior.

ESTEBAN II CORONANDO A PIPINO REY DE LOS FRANCOS.   

 Ya en tiempos del Papa Esteban II y del rey franco Pipino se inició la tendencia a la desaparición de la liturgia galicana tendencia que se consolidó con Carlomagno con la abolición de  los ritos galicanos a favor del rito romano.

 CARACTERÍSTICAS DE  LA MÚSICA GALICANA.


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Lo que sabemos acerca del canto galicano proviene de las descripciones contemporáneas del canto y de los elementos galicanos que han sobrevivido en las fuentes del gregoriano.

            Un escrito del siglo IX, calificó al canto romano como “más perfecto” y al galicano como incorrecto y “poco elegante.” El rito galicano y sus textos eran a menudo más melismáticos y floreados que los romanos.

            El uso de dos cuerdas de recitación en la salmodia gregoriana también  pueden provenir del canto galicano.

            Los cantos del repertorio gregoriano que tienen posibilidades de ser residuos  del canto galicano son aquellos que no existían en la tradición romana pero tienen cantos similares en la música hispana, en el canto ambrosiano y en cantos locales de santos de los santos franceses.

 MONJES BENEDICTINOS.

LA LITURGIA Y EL CANTO GREGORIANO.

 Los orígenes del canto gregoriano se remonta a los primeros siglos del cristianismo, con influencias judías, grecorromanas, bizantinas que son el sustrato de la antigua liturgia romana, algo en lo que coincide con las liturgias anteriormente descritas.

            Ante esta diversidad, la Iglesia ve la necesidad de unificar la liturgia, es decir, de establecer un conjunto de signos y palabras que formen parte de sus celebraciones, especialmente en la Misa, y que sean comunes para todos los fieles.

            Esta tendencia aparece de forma clara en tiempos del Papa Esteban II y del rey franco Pipino que llevaría a la  desaparición de la liturgia galicana, tendencia que se consolidó con Carlomagno con la abolición de  los ritos galicanos a favor del rito romano.

SAN GREGORIO MAGNO           

Fue el Papa san Gregorio I el Magno quien en el siglo VII culminó la tendencia a la unificación por lo que la liturgia y música  romana pasó a ser la liturgia oficial de la Iglesia Católica, es por este motivo por lo que a esta liturgia se le da el nombre de Gregoriano.

            El gregoriano es  una liturgia y especialmente su  canto que no dejó de desarrollarse a través del tiempo dando lugar a lo que hoy se denomina canto gregoriano, en este desarrollo además de los reyes francos especialmente Carlomagno y su corte de sabios, influyeron los monasterios y entre ellos los monasterios benedictinos de la Orden de Cluny y el papado impulsan esta liturgia franco-romana y el canto gregoriano por toda Europa. En este momento se escriben numerosos códices que recogen el canto gregoriano con notación aquitana, lo que ha permitido su recuperación en tiempos modernos.

 ESCRITORIO DEL MONASTERIO DE MONTE CASINO. ITALIA.

 CARACTERÍSTICAS DEL CANTO GREGORIANO.

 Música vocal y “a capella” Cantado al unísono  monódico. Ritmo libre y esquemas no melódicos Música modal escrita en escalas con particulares sonidos Texto en latín (salmos y otros libros del A.T.) Melodía silábica, neumática y melismática

 REPERTORIO :

Se interpreta en la liturgia : LA MISA : existen 2 grupos principales de piezas Ordinario : Textos que se repiten en todas las misas Propio : Piezas que se cantan según el tiempo litúrgico.

CANTOS EN LA MISA

 Introito : canto de entrada

Gradual o aleluya : Después de las lecturas

Ofertorio : acompaña a la procesión de las ofrendas

Comunión : acompaña la distribución de la Eucaristía

Cantos recitativos.

Según la forma del canto pueden ser: estilo responsorial (alternancia de un solista con un coro), estilo antifonal (alternancia de dos coros) y estilo directo (sólo hay un coro o un solista.

Los cantos de la misa pueden pertener al  ORDINARIO O AL  PROPIO.

El ORDINARIO: son los TEXTOS fijos: Kirie,Gloria,Credo,Sanctus,Pater,Agnus Dei.

LOS PROPIOS

Son varias oraciones , lecturas y prefacios., .

CANTOS EN EL OFICIO DIVINO:

 Los monjes hacían una pausa en sus labores para rezar, y también a determinadas horas del día.

CLAUSTRO. MONASTERIO DE SILOS. BURGOS. ESPAÑA

Consta de: El canto de salmos. Simples recitativos de lecturas y oraciones Antífonas de invitatorio Himnos Responsorios. Antífonas cantadas antes y después de los salmos Te Deum Cantos del Antiguo T. y el Nuevo T.Benedictus, Magníficat…

 OTROS TIPOS DE CANTOS.

 Tropos: Textos intercalados a plegarias oficiales Melodías: Adornadas con melismas muy variados Secuencias: Secuencia de pascua, secuencia de difuntos… Cantos Procesionales: Procesión de Ramos, procesión al sepulcro…

Y otros más además de estos…

LA NOTACIÓN EN EL CANTO GREGORIANO.

 Es el conjunto de signos utilizados para representar la altura y duración de los sonidos. Los primeros indicios definitivos de la notación aparecieron como neumas . Notas cuadradas  El personaje más importante fue Guido D´arezo, pues:

Inventó el tetragrama (Sistema de 4 líneas en el que escribían las notas)

Puso el nombre a las notas del himno a San Juan Ut, Re, Mi, Fa, sol, La y SI (Sancte Ioannes, San Juan en latín)

NEUMA Dos o más notas vocalizadas sobre una misma sílaba . De esta palabra proviene el término “melodía neumática”. Hay Neumas simples: Los neumas simples escritos en canto gregoriano, equivaldrían a 2 o 3 corcheas ligadas en escritura normal. Utilizaban modos y neumas. Neumas compuestos: Son aquellos que se forman por la unión de neumas simples para una sola sílaba. Los que llevan más notas antes o después se denominan así: Flexus: cuando se complementan con notas descendentes: Resupini: cuando se complementa con notas ascendentes.

 APARICIÓN DE SAN FRANCISCO A GUIDO DA´REZO.  GIOTTO.      

Aunque restan muchos   aspectos que estudiar, así como una mayor explicación de lo estudiado en el tema, pienso que estas referencias son suficientes para hacernos una idea de lo que hemos llamado canto prerrománicoAunque en todas la liturgias y sus cantos hay ciertamente muchos más .

 sanchoamigo.


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Canto Inspirado en San Romano el Melodioso. Si desea escucharlo pinche en reproducir

LA MÚSICA BIZANTINA DEL SIGLO V AL SIGLO IX
En el tema anterior : La Música del  Paleocristiano, hemos apuntado los orígenes de la música cristiana estudiando de una forma global  la originada tanto en la iglesia oriental como en la occidental, dado que en los primeros años del cristianismo la unidad entre la iglesia de occidente y  de oriente presidió el desarrollo de la fe cristiana.

            A partir del siglo V el distanciamiento entre la iglesia oriental y la occidental se hizo más acusada,  siendo una de sus causas el distanciamiento político que culminó con la formación de los llamados Estados Pontificios, en los que el papa unió a su poder religioso el poder político en el llamado Ducado Romano que se vio fortalecido y ampliado con la ayuda de Pipino  el Breve  tras su victoria contra los reyes lombardos que amenazaban continuamente a Roma y a otras ciudades de Italia.( 754-756) lo que  dio lugar a la desaparición del influjo del emperador de Oriente , en occidente con la desaparición del exarcado de Ravena en tiempos del Papa Esteban II (752-757) ( (Cf. Documenta católica omnia. Mansi Vita operaque alfhabétice ordinatass Estephani lib. 12)

            El tema se centrará en el estudio de la música bizantina desde el siglo V al siglo IX tal como se ha indicado en su título.

 

CORONACIÓN DE PIPINO EL BREVE POR EL PAPA ESTEBAN II.

 La música bizantina en el siglo V entronca con la paleocristiana a través de San Efrén el Sirio, el principal escritor de “Himnos sirios” que nació en  Nisibis, Mesopotamia en el año 306 y murió en Edesa en el 373.  

            Los Himnos son  el comienzo  de esta forma poético-musical de la liturgia cristiana, que después fue imitada en todo el mundo cristiano.  San Efrén compuso numerosos himnos, muchos de ellos adaptados a las  melodías de origen griego y árabe y también a las  usadas por los herejes, en concreto las colecciones de Himnos del Salterio Gnóstico.

            Los gnósticos  son unos de los primeros herejes cristianos que afirmaban que sólo a través de la gnosis , un conocimiento oculto sólo accesible a los iniciados e integrados en la secta  se podía alcanzar la salvación.

            Los himnos (en siríaco, madrashê, esto es, instrucciones) ofrecen una gran variedad tanto de estilo como de ritmo. Se escribieron para el servicio de coro de las monjas, y estaban destinados a ser cantados por ellas; de ahí su división en estrofas, repitiéndose los últimos versos de cada estrofa en una especie de estribillo.

            Este estribillo se indica al comienzo de cada himno, a la manera de una antífona; hay también una indicación de la clave musical en la que debe cantarse el himno. Puede servir de ilustración el que sigue. Está tomado de un himno de la Epifanía ( Cf. ed. Lamy, I, p.4).

Estribillo: Gloria a Ti de tu grey en el día de tu manifestación.
Estrofa: Ha renovado los cielos, porque los necios habían adorado las estrellas | Ha renovado la tierra que había perdido su vigor por Adán | Una nueva creación se hizo por su saliva | Y el que es Todopoderoso hizo puros los cuerpos y las mentes
Estribillo: Gloria  a Ti de tu grey en el día de tu manifestación..

ICONO DE UN MONASTERIO DE MONJAS EN ANTIOQUIA. SIGLO IV.

No debemos olvidar que el  primitivo monacato estaba formado no solamente de hombres. En el siglo IV había en Siria muchas mujeres consagradas a Dios. «Hay muchas otras, escribe Teodoretode Ciro, que han abrazado la vida solitaria o viven en comunidad» (XXX). Un convento de monjas, junto a Antioquía, es señalado en el siglo IV, en la vida del solitario Pedro (IX).

Algunos himnos son acrósticos, esto es, a veces cada estrofa comienza con una letra del alfabeto, como es el caso de algunas piezas métricas por ejemplo las hebreas del libro de Jeremías en la Biblia, o también las primeras letras de un cierto número de versos o de estrofas forman una palabra dada, San Efrén también escribió este tipo de versos, que por cierto  serían utilizados posteriormente en la literatura, todavía en los siglos XVI y XVII Cervantes  en su famoso Don Quijote de la Mancha escribiría este tipo de versos.

            Además estos tipos de himnos está el  sugyatha, el cual era cantado por un solista al que respondían dos coros en forma alterna.

 ILUSTRACIÓN DE MONJES SIRIOS

 Después de san Efrén otros escritores de himnos siríacos fueron Narso de Edesa (fines del siglo V), Jacobo de Serugh (451-521 d. de C.),  y Simeón de Gesir (primera mitad del siglo VI d. de C.).

Jacobo de Serugh  debió tener una gran actividad literaria. Barhebreus   (Chron. Eccles. i. 191)  habla de que tenía 70 empleados para escribirle las 760 homilías poéticas y además los himnos de diferentes tipos. 

            Entre los himnos además de los fundados en pasajes bíblicos tiene algunos otros poemas sobre la muerte de los mártires y la caída de los ídolos.

            El canto siríaco como hemos dicho anteriormente aprovechaba las melodías ya existentes  El prototipo del Himno estrófico se encuentra en esta región y es llamado ris-qolo.  Se refiere al resultado de  adaptar un texto,  que podía presentarse en prosa, a una melodía o a una fórmula rítmica pre-existente.

            Otra de las características del canto siríaco era la sustitución de la ley métrica por la que los versos se atenían a un número determinado de sílabas, por la llamada “ “ley del acento prosódico” por la que la que una sílaba de cada verso  o estrofa se señala con un acento llamado pneuma , que en griego significa aire, respiración, para indicar donde había que parar en el canto con el fin de respirar, sirviendo a su vez para marcar el ritmo.

 SAN ROMANO EL MELODIOSO.

 El canto siriaco se convertiría en la base de la música bizantina destinada al culto y a los celebraciones litúrgicas que se desarrolló en el oriente cristiano, de forma similar a  como el canto gregoriano lo haría en occidente, conservándose en los monasterios ortodoxos , tanto de Egipto, como de Constantinopla y posteriormente en todos los lugares donde las iglesias ortodoxas tuvieren asiento.

            La música bizantina tuvo una gran floración a partir del siglo V hasta el siglo XI, entre  sus mayores difusores se encuentra el  poeta del siglo VI san Romano apodado el Melodistaho melodos y ho theorrhetor”

            La vida y obra de San Romano viene relatada en el Menaion que es el nombre de los doce libros , uno por cada mes, del calendario bizantino en el que aparecen tanto las fiestas movibles como las pascua, pentecostés etc y las fijas tanto del Señor como de la Virgen y los santos.

 ICONO BIZANTINO DEL BESO DE JUDAS.

En este calendario litúrgico se dice que   “san Romano era natural de Siria fue ordenado diácono en la iglesia de Berito, marchando después  a Constantinopla

            . En  la Iglesia de la Santísima Madre de Dios  (eis ta Kyrou) recibió el don  de la poesía sagrada.

    ICONO BIZANTINO DE LA MADRE DE DIOS.       

Se retiró entonces a Bllanchernae y una noche en sueños se le apareció la Virgen, quien le dio un volumen de papel, y le dijo: “Toma el papel y cómelo. El Santo en su sueño, abrió su boca y se tragó el papel…”

 Probablemente vivió durante el reinado de Justiniano (527-65 a.C.), “En talento poético, fuego de inspiración, profundidad de sentimiento y elevación del lenguaje supera con creces a todos los demás melodistas. La historia literaria del futuro tal vez aclamará a Romano como el más grande poeta eclesiástico de todas las edades”, dice Krumbacher.(  Cf.KRUMBACHER, Gesch. d. byz. Literatur, Munich, 312-18; IDEM, Studien zu Romanos (Munich, 1899).

Archivo:Meister der Predigten des Mönchs Johannes Kokkinobaphos 002.jpg

 BASÍLICA DE LOS SANTOS APÓSTOLES DE CONSTANTINOPLA. MINIATURA DEL SIGLO XI.     

Hasta el siglo XII, su himno de Navidad era interpretado por el coro de Santa Sofía y el de los Apóstoles De la mayoría de los demás sólo sobreviven unas pocas estrofas.

 ICONO DE MARIA AL PIE DE LA CRUZ.

Los himnos largos (kontakia) integrados por   veinticinco estrofas (troparia),  y generalmente de veintiún versos cada uno, con un estribillo. Además del himno de la Navidad podemos citar entre otros Canticum Paschale“,Cántico Pasucal, “de Crucis Triumpho”,del triunfo de la Cruz, “de Iuda Proditore“,de Judas el que lo entregó, “de Petri Negatione”, de la negación de Pedro y  “de Virgine iuxta crucem”.de la Virgen al pie de la Cruz.

            Otros melodistas contemporáneos de san Romano, escritores de himnos Anastasios y Kyriakos.

 

 CIUDAD DE DAMASCO

            Posiblemente el autor de mayor influjo en la historia de la música bizantina de este periodo sea   san Juan Damasceno.

             Nació  hacia el año 676 en Damasco de ahí el sobrenombre de damasceno murió hacia el año  754 o siguientes

                Sus himnos aparecen en los “Carmina” o cánones,  los cánones consisten en  9 odas cuya  estructura es bastante libre compuesto por un número indefinido de estrofas (aunque generalmente entre 12 y 24), de versos y métrica a su vez indeterminada, cada una de las cuales es llamada “troparion”.
Al primero de los troparios, que sirve de modelo métrico a los demás, se la llama “eirmós”, y todos ellos acaban con un verso final idéntico, llamado “efímnio”.

            Los “cánones” más famosos son los referidos a La Navidad, Epifanía y  Pentecostés  pero sobre todo el Cánon de la Resurrección gloriosa  o de la Pascua, uno de los más bellos de la liturgia bizantina.

 CELEBRACIÓN  LITÚRGICA BIZANTINA.

La Fiesta le la Pascua Cristiana, los cristianos ortodoxos la celebramos alegremente, porque nosotros en los días de Pascua más fuertemente  que en otro tiempo, sentimos la renaciente fuerza de La Resurrección de Cristo; esa fuerza que dominó el poder de las tinieblas, que libero a las almas del infierno que abrió las puertas del Cielo, que venció los lazos de la muerte y que llenó de vida y luz las almas de los creyentes.”

            Es de destacar que la alegría de Pascua además se expande a una gran cantidad de gente: No solo a los profundamente creyentes sino también a tibios y a los alejados de Dios. Durante La Pascua todo el mundo e incluso, parece que la naturaleza, que no tiene alma, se alegra de la victoria de la Vida sobre la Muerte.

            A Juan Damasceno se atribuye el establecimiento de los ocho modos o tipos melódicos que caracterizan al canto bizantino hasta nuestros días, el denominado “octoeco” bizantino: el I, II, III, IV (en griego se numeran de la letra alfa a la letra delta) y sus correspondientes modos “plagal”.

 

 PIEDRA DE LA UNCIÓN DE JESÚS EN BETANIA.

El tropario de la himnógrafa monja  Casiana es uno de los textos para el miércoles santo que es cantado tanto en los maitines como en las vísperas

            . De una belleza y profundidad única en su género fue escrito por una monja que vivió en Constantinopla en la primera mitad del siglo IX. Canta la unción  con un costoso perfume que María Magdalena la hermana de Marta y Lázaro hizo a Jesús en Betania tan criticada por Judas Iscariote : “ Bien se podía haber vendido y su precio empleado en socorrer a los pobres”, según el evangelio de san Juan.

             La figura de las mujeres miróforas – portadoras del ungüento (myron) – está en los Evangelios, ya sea antes de la pasión de Cristo como tras su resurrección.

            El tropario no precisa la identidad de la mujer; una pecadora, como es presentada por Mateo y Marcos; o María hermana de Lázaro, como es presentada por Juan. El texto es un canto a la misericordia, al perdón y al amor eterno de Dios por el hombre, aun siendo pecador.

La mujer pecadora percibe la divinidad de Cristo, su poder de curar, su fuerza para perdonar y salvar. El proceso de su conversión es presentado con la imagen de asumir el papel de mirófora, ofreciendo a Cristo el ungüento en previsión de su sepultura, como en el Evangelio de Juan. y después de la resurrección será Cristo mismo el que se dé a sí mismo a la humanidad redentora como ungüento de salvación.

VENID A MI LOS ESTAIS CANSADOS Y AGOBIADOS QUE YO OS ALIVIARÉ.

*”Ay de mí, soy prisionera de una noche sin luz de luna, furor tenebroso de incontinencia, amor de pecado! Acepta los torrentes de mis lágrimas, tú que dibujas en las nubes el agua del mar. Plégate ante los gemidos de mi corazón, tú que has plegados los cielos en tu inefable aniquilamiento“.

            La segunda parte del poema es la plegaria cordial de la mujer a Cristo. El primer versículo no se refiere solamente a la oscuridad del alma pecadora, sino también a la Pascua celebrada en el día de luna llena. Siendo todo el tropario dirigido a Cristo, la autora usa imágenes cristológicamente contrastantes para subrayar ya sea la verdadera divinidad de Cristo como su verdadera humanidad, imágenes que se complementan entre ellas.

EL CRISTO TRANSFIGURADO

Es de destacar también los dos imperativos puestos por Casiana en boca de la mujer: “acepta” y “plégate“, formas verbales que dan la idea de la gran confianza y libertad del hombre frente a Dios.

            “Besaré tus pies inmaculados, los enjugaré con los tirabuzones de mis cabellos, aquellos pies que Eva por la tarde percibió el sonido de sus pasos en el paraíso y por temor se escondió. ¿Quién podrá alguna vez escrutar la multitud de mis pecados y el abismo de tus juicios, oh Salvador mío, que salvas las almas?“.

    “¡ MARIA , RABONI, AMOR MÍO …!”      

La tercera parte presenta la actitud de la mujer: su amor hacia Cristo, que en el poema es claramente el Creador que caminaba en el paraíso y del cual Eva siente los pasos.

El tema del Logos creador es frecuente en los Padres, pero en el texto es singular la belleza de la imagen que relaciona los pies de Cristo besados por la mujer a los pies del que Eva siente el sonido en el paraíso. Los pecados de la mujer son multitud; pero los juicios y las decisiones de Cristo en sus comparaciones son un abismo de misericordia, evocada en la plegaria conclusiva: “No desoigas a tu sierva, tú que posees inconmensurable la misericordia!“.

Terminamos el tema indicando que en la música bizantina sobresalen varios tipos o géneros musicales bien por el lugar donde se cantan o por su estructura, entre ellos

El Género estijárico (o hímnico) Para el canto de los estijarios : himnos intercalados en los salmos. Ilustrado por el Doxastrikon de Pascua. Uno de los momentos fuertes del año litúrgico.

Género papádico Para los himnos de la Divina Liturgia (Misa). Ilustrado por el Himno de los Querubines del primer tono. Se canta en la procesión de los Santos Dones (ofertorio).

Género Poliéleos Debe su nombre al versículo estribillo del salmo 135: «Porque eterna es su misericordia» (misericordia, en griego, es éleos). Se canta en los maitines de las grandes festividades.

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